Fantasie (Film, 1940)

Fantasie Beschreibung dieses Bildes, auch unten kommentiert Filmlogo

Schlüsseldaten
Realisierung James algar Samuel Armstrong Ford Beebe Norman FergusonJim Griffy Thornton Hee Wilfred Jackson Hamilton luske Bill RobertsPaul Satterfield
Szenario siehe Einzelheiten
Produktionsfirmen Walt Disney Productions
Heimatland Vereinigte Staaten
Dauer 125 Minuten
Ausgang 1940


Weitere Informationen finden Sie unter Technisches Datenblatt und Vertrieb

Fantasia ist der dritte Animationsfilm von Disney , der Ende des Jahres 1940 veröffentlicht wurde . Geschrieben von Joe Grantand und Dick Huemer und unter der Regie von Ben Sharpsteen , besteht es aus einer Reihe von sieben Sequenzen, die achtberühmte klassische Musikstücke illustrieren,die hauptsächlich vom Philadelphia Orchestra unter der Leitung von Leopold Stokowski aufgeführt werden .

Fantasia soll ein wahres künstlerisches Experiment sein, das Musik und Animation in den Vordergrund stellt: Der Film enthält keine Dialoge außer den Stimmen des Geschichtenerzählers, gespielt von dem Komponisten und Musikkritiker Deems Taylor , und Mickey Mouse, deren Charakter hier seine große Bedeutung hat Comeback nach den Silly Symphonies des letzten Jahrzehnts. Der Film ist auch eine technische Kraftakt: Der Soundtrack verwendet ein innovatives Verfahren, das „  Fanta  “, die es ermöglicht , das erste Mal macht die Bereitstellung Stereoton in Kinos gezeigt für einen kommerziellen Film.

Die Produktion von Fantasia wurde kurz nach Schneewittchen und die sieben Zwerge ( 1937 ) zusammen mit Pinocchio Anfang 1940 gestartet . Obwohl es als einer der "Disney Animation Classics" gilt und trotz guter Kritiken wird es bei seiner Veröffentlichung nicht den üblichen Erfolg von frühere Produktionen trugen auch die Kosten des Ausbruchs des Zweiten Weltkriegs, als sie auf den europäischen Markt kamen. Dennoch wird es in den folgenden Jahrzehnten, mehr oder weniger überarbeitet, viele Male auftauchen, wo seine Qualität zunehmend anerkannt wird.

Am Anfang von konzipiert Walt Disney als der erste Teil einer Serie zu sein, wird der zweite Teil das Licht des Tages sehen fast 60 Jahre später dank dem Willen von Roy Edward Disney , Walts Neffen, der produzieren, Fantasia 2000 , in veröffentlicht 1999 .

Zusammenfassung

Der Film besteht aus sieben Sequenzen, die acht klassische Musikstücke illustrieren , neu orchestriert und dirigiert vom Dirigenten Leopold Stokowski an der Spitze des Philadelphia Orchestra . Die letzte Sequenz illustriert zwei Stücke und ein Zwischenspiel trennt die Sequenzen 4 und 5. Jeder Sequenz geht eine kurze Einführung voraus, in der das Orchester im chinesischen Schatten steht.

Der Film beginnt nach dem Erscheinen des Titels sofort wie in einer Aufführungshalle: Ein Vorhang öffnet sich im Halbdunkel zu einer Bühne, die Silhouetten von Musikern, die sich setzen, zeichnen sich vor einem blauen Bildschirm ab, mit Klängen von "Instrumenten, die" Spiel. Der Erzähler grüßt wie bei einer Neuübertragung die Zuschauer. Während er dem Publikum erklärt, dass es drei Arten von Musik gibt, werden einige Instrumente beleuchtet und ihr Klang hervorgehoben. Die drei Genres sind narrative Musik , die eine Geschichte erzählt, illustrative , die ein oder mehrere Bilder hervorruft, und absolute Musik , die nur für sich selbst existiert.

1. Toccata und Fuge d-Moll

Veranschaulichen die Toccata und Fuge in d - Moll von Johann Sebastian Bach , (Bearbeitung für Sinfonieorchester von Stokowski der ursprünglichen Version für ein Solo Orgel ). Die Animation besteht aus abstrakten Cartoons, die Himmel und geometrische Figuren mischen, inspiriert von der Arbeit des deutschen abstrakten Künstlers Oskar Fischinger .

EinzelhandelssymbolAusführliche Zusammenfassung von Toccata und Fuge in d-Moll

Die Eröffnung des Films, Toccata und Fuge in d-Moll , gehört zum letzten Genre, der absoluten Musik .

Dann erscheint die Silhouette des Dirigenten und leitet die Künstler mit farbiger Beleuchtung, die die Silhouetten der Musiker hervorhebt. Rote, grüne, orange, gelbe, blaue Silhouetten überlappen sich zu einem bewölkten Himmel. Die Saiten und Bögen werden zu Blitz, Regen; dann klärt sich der Himmel auf und die Bögen werden zu Vögeln, die Saiten evozieren Wege oder Wellen. Die Wälder, dargestellt durch leuchtende Punkte und dann Farbkreise, wechseln sich im Tanz mit den Bogensehnen im Rhythmus der Musik ab. Das Klima wird kälter, die Bläser und der Bass werden intensiver. Riesige orangefarbene, dann weiße Wolken erscheinen, während die Kamerabewegung einen Aufstieg in den Weltraum evoziert. Ein bunter Wolkenregen fällt, bevor ein Lichtstrahl den Himmel durchdringt und am roten Himmel Funken entfacht, dann erscheint unter einer strahlenden Sonne durch die Wolken die Silhouette des Dirigenten in einem roten Kreis zum Finale.   2. Nussknacker

Illustriert verschiedene Teile des Nussknacker- Balletts von Pjotr ​​Ilich Tschaikowsky mit der Beschwörung der vier Jahreszeiten  :

EinzelhandelssymbolNussknacker detaillierte Zusammenfassung

Der Erzähler ruft dann die Unzufriedenheit einiger Musiker mit ihren Werken hervor, wie Tschaikowsky, der seine berühmteste Komposition Der Nussknacker nicht schätzt .

Nach einer Nahaufnahme von Stokowski, der im Dunkeln verschwindet, erscheint im Unterholz ein sich bewegender Kreis aus verschiedenfarbigen Glühwürmchen. Glühwürmchen sind Feen, die nacheinander Blumen aufwecken, ihre Zauberstäbe und Feenstaub nacheinander schnippen, um die Natur wie Tautropfen an einem Frühlingsmorgen zu färben. Nach dem Anblick eines Spinnennetzes konzentriert sich die Szene auf eine Gruppe anthropomorpher Pilze, die hohe Instrumente illustrieren und mit ihrer großen roten Kopfbedeckung an Asiaten erinnern, die beiden Züge bilden zusammengekniffene Augen, ihre Füße ähneln einem langen Kleid, das die Beine verbirgt und deren zwei ärmel sind vor dem körper verbunden. Der kleinere, leichtere Pilz scheint den Tanz seiner Älteren zu entdecken und fügt ein komisches Element hinzu. Tropfen bilden dann Kreise auf einer Wasseroberfläche, Blütenblätter in verschiedenen Farben werden auf dem Wasser abgelegt und beginnen dann ein Ballett wie Tänzer in einem Kleid; der erste Tänzer ist in Weiß, die anderen in Rot, Pink, Orange und Blau. Ihre Stacheln lassen sie bei einem Sturz fallen. Unter Wasser versteckt sich ein Fisch, während andere fliehen, als die Kamera eintrifft. Goldfische haben wie junge Mädchen lange transparente Schwanzflossen und tanzen hinter Korallen und benutzen dann ihre Schwänze als Schleier in einer arabischen Atmosphäre. Eine Gruppe bildet sich und lässt einen fast weißen, aber helleren Fisch heraus, wie ein erster Favorit. Eine Blase zieht den Betrachter zurück auf die Erde und Distelreihen erinnern an die männlichen Tänzer eines Kosakentanzes, während Orchideen die weiblichen Gegenstücke sind. Mitten im Wald, auf Blättern, wachen Feen auf, fliegen dann in den Bäumen und im Efeu und bemalen ihn in Orange, Ocker und Braun. Die Blätter fallen, getragen von den Winden und dem Rhythmus der Musik; die süßen Kätzchen und die Pollen gesellen sich zu den Blättern wie Tänzer in einem Kleid. Frostfeen tauchen auf und legen überall Eis ab, laufen auf gefrorenem Wasser, gefolgt von Schnee und seinen Flocken. Die Nahaufnahme von Stokowski bringt den Betrachter dann zurück ins Theater.   3. Der Lehrling des Zauberers

Unter Verwendung des Skripts aus dem Gedicht Der Zauberlehrling aus dem Jahr 1797 von Goethe und der Musik aus The Sorcerer's Apprentice (1897) von Paul Dukas , das das Gedicht illustriert. Mickey Mouse muss , nachdem er sich den magischen Hut vom Zauberer Yensid geliehen hat , gegen Besen kämpfen, die er selbst verzaubert hat, um an seiner Stelle Wassereimer zu tragen.

EinzelhandelssymbolDetaillierte Zusammenfassung von The Sorcerer's Apprentice

Der Erzähler kündigt mit The Sorcerer's Apprentice ein Beispiel für erzählende Musik an .

Die Geschichte ist die eines jungen Zauberers, dem es nicht gelungen ist, die magischen Kräfte zu beherrschen. Mickey , in ein rotes Kleid gekleidet, trägt zwei Eimer so voll, dass sie bei jedem Schritt überlaufen, und wird es leid, seine Last zu heben. Ein bärtiger Zauberer, älter und blau gekleidet, verwandelt seinerseits eine Rauchwolke in einen bunten Schmetterling und dann in Blätter, die auf dem Tisch vor ihm zu einem Totenschädel zurückkehren. Müde geht der Zauberer zu Bett und lässt seinen Hut auf dem Tisch, während Mickey seine Aufgabe fortsetzt, einen unterirdischen Labortank mit Wasser aus einem Brunnen zu füllen, der sich in einem Innenhof am oberen Ende einer Treppe befindet. Mickey nutzt seine Abreise, um den Hut mit dem Heiligenschein aufzusetzen. Als er einen Besen sieht, spricht er einen Zauberspruch, um ihm Leben einzuhauchen. Er gibt ihr zwei Arme und lässt sie die Eimer an ihrer Stelle tragen. Während der Eimer arbeitet, nutzt Mickey die Gelegenheit, um einzudösen. In einem Traum spielt Mickey mit den Sternen und Kometen, lenkt die Wellen des Ozeans und der Wolken und verursacht Blitze wie ein Leiter der Elemente. Das Wasser ist eigentlich eine Laborflut, verursacht durch den Zauberbesen, der das Reservoir weiter füllt, obwohl es bereits voll ist. Mickey versucht vergeblich, ihn aufzuhalten. Mit einer Axt schneidet er sie in Stücke, aber jede Scherbe wird zu einem kompletten Besen, dessen Arme und Eimer ihre Arbeit fortsetzen. Mickey versucht, das Labor zu leeren, indem er Wasser durch ein Fenster wirft, aber es gibt so viele Besen, dass das Fenster unter Wasser steht. Mickey schafft es, sich vor dem Ertrinken zu retten, indem er ein Zauberbuch als Floß benutzt. Dann sucht er nach einem Zauberspruch, um die Katastrophe rückgängig zu machen, während die Besen unermüdlich ihre Arbeit fortsetzen und sogar Eimer in den mehrere Meter unter Wasser stehenden Tank leeren. Von einer Strömung erfasst, fährt Mickeys Bücherboot eine Treppe hinunter und wird dann von einem Strudel erfasst, bis der Magier eintrifft, der wie Moses die Treppe befreit, indem er die Wellen trennt. Die Flut hat aufgehört, Mickey ist schuld und gibt seinem Herrn verlegen den Hut, dann den Besen und geht mit den beiden Eimern, um die ihm übertragene Aufgabe fortzusetzen. Die Silhouette auf einer Plattform von Stokowski erscheint dann auf rotem Grund, dann kommt Mickey und die beiden Charaktere gratulieren sich gegenseitig.   4. Der Ritus des Frühlings

Illustrieren des Frühlingsritus von Igor Strawinsky . Nach einigen Szenen, die die Geburt der Erde und des Lebens zeigen, gehen Dinosaurierkämpfe ihrem Verschwinden voraus, bevor die Berge emporgehoben werden .

EinzelhandelssymbolDetaillierte Zusammenfassung des Frühlingsritus

Der Erzähler kündigt mit Blick auf die Kontrabässe Das Frühlingsritual an , das für Strawinsky eine Beschwörung des primitiven Lebens war, ein Thema, das vom Disney-Team aufgegriffen wurde. Aber anstatt dieses Ereignis mit Stammes-Tänzen zu illustrieren, beschwören Disney-Künstler die Erscheinung des Lebens herauf.

Ein schwarzer Bildschirm leuchtet auf, wenn wir uns einer Galaxie, dann dem Sonnensystem und schließlich der Erde nähern. Nach der Überquerung roter Wolken ragen Berge auf, dann Vulkane, die Lava und Asche spucken. Die Natur wird entfesselt, Explosionen von glühendem Magma folgen in rasender Geschwindigkeit aufeinander. Ein Lavasee auf einer Caldera quillt über, bedeckt die Umgebung in einem Tumult, fegt Felsen weg und spritzt gegen jedes Hindernis. Lava trifft auf einen Zusammenstoß von Ozean, Wasser und Magma mit starker Verdunstung. Aber das Wasser scheint zu gewinnen. In den Tiefen des Ozeans erscheinen Lebewesen mit halbtransparenten Körpern und seltsamen Formen, die sich dann abwechseln, färben und eine wimmelnde Fauna und Flora erschaffen. Die Kamera folgt einem Fisch, der sich von einem seiner Artgenossen zu verabschieden scheint und eine fleischfressende Alge meidet, seine Flossen als Embryobeine nutzt, um an die Oberfläche zu gelangen. Der Blick wechselt auf trockenes Land. In der Ferne streifen langhalsige Dinosaurier in der Nähe einer Berginsel umher, während im Vordergrund eine primitive Schildkröte aus dem Wasser auftaucht. Auf einer Klippe scheinen fliegende Dinosaurier die Wand als Nistkasten zu benutzen. Einige brechen ab und fliehen, benutzen ihre Schnäbel zum Fischen, aber andere Meerestiere fressen sie. In einem Wald schlafen irdische Dinosaurier. Ein Triceratops erscheint, dann versucht ein fleischfressender Dinosaurier, einen Archaeopteryx zu fressen, der auf Algen grasende Brachiosaurier zufliegt. Eine Gruppe Coelurosaurier trinkt Wasser aus einer Pfütze, dann taucht ein Stegosaurus auf. Die Szene entwickelt sich zu einem Paar Triceratops und ihren beiden Jungen und anderen Sauriern, darunter Iguanodons und Brontosaurier, die sich füttern, wenn der Regen fällt und ein Tyrannosaurus auftaucht, die anderen erschreckt und sie verfolgt, um sie zu fressen. Unter den Blicken anderer prallen Stegosaurus und Tyrannosaurus aufeinander, bis der Fleischfresser gewinnt. Die Kamera klettert dann gen Himmel. Eine rote Sonne erscheint und eine Wüstenkulisse zeigt Dinosaurier, die zwischen Staub und Gestein vergeblich nach Nahrung oder Wasser suchen. Schlammpfützen werden zu tödlichen Fallen. Knochen bleiben dann die einzigen Lebensspuren in der Wüste, während eine Sonnenfinsternis die Sonne verbirgt. Der Boden grollt, knackt, Berge bilden sich und dann taucht eine Flutwelle alles unter, bevor sie absinkt. Es bildet sich eine ringförmige Sonnenfinsternis und die Kamera entfernt sich von der Erde. Dann erscheinen die Silhouetten der Musiker.  

Der Erzähler präsentiert dann ein kurzes Zwischenspiel zwischen den Sequenzen 4 und 5, genannt Discovering the Soundtrack ( Meet the Sound Track ). Sein Ziel ist es, den Klang visuell durch das "Sehen" der Schwingungen zu erklären: Eine vertikale Linie, definiert als stehende Welle, dann farbige Obertöne evozieren wiederum den Klang der Harfe , der Geige , der Flöte , der Trompete , des Fagotts , des Schlagzeug und schließlich das Dreieck .

5. Die Pastoralsymphonie

Illustriert die Pastoralsymphonie von Ludwig van Beethoven . Die Sequenz präsentiert eine Abfolge von Göttern und Kreaturen aus der griechisch-römischen Mythologie  : Familie des Pegasus , Bacchus und sein Einhorn- Esel , kleine geflügelte Engel, männliche und weibliche Zentauren (sehr frühe 1940er Jahre Amerikaner), Iris , Jupiter , Vulcan und Diane .

EinzelhandelssymbolAusführliche Zusammenfassung von La Symphonie Pastorale

Der Erzähler präsentiert dann die folgende Sequenz, La Symphonie Pastorale , Beethovens sechste Symphonie, die das vertraute Landleben des Komponisten beschreibt. Disney gibt eine mythologische Vision durch die Szene auf dem Auffinden Olympus von den griechischen Göttern .

Am Horizont ragt ein Berg auf, während die Morgensonne die Landschaft an seinem Fuß allmählich erhellt. Eine Horde junger Einhörner tummelt sich auf einer Wiese zwischen Hainen und einem Tempel. Die Satyrn (mit dem Bild von Pan ) spielen ihre Syrinx und tanzen mit Einhörnern. Ein schwarzer Pegasus fliegt mit seinen Jungen, während die weiße Mutter in einem Baum ein junges Neugeborenes mit schwarzem Kleid und weißer Mähne ausbrütet. Letzterer versucht, seine Brüder und Schwestern nachzuahmen, die die Früchte der Bäume essen, indem er ins Leere springen, aber er fällt auf einen Ast. Er landet in den Blumen und seine Mutter, die zu ihm gekommen ist, bringt ihm das Fliegen bei. Die Eltern fliegen davon, gefolgt von ihren Kindern für ein Ballett in den Wolken, das zwischen den Kolonnaden im Wasser endet, während ein Pegasusflug über ihnen vorbeizieht, bevor sie sich ins Wasser gesellen. Die Kleinen haben Spaß beim Tauchen ins Wasser, während die Kleinsten mit einem Wasserfall spielen. Ein Satyr ermöglicht es Ihnen, einen Übergang zu machen, bei dem eine Blume einen Wasserfall hinunterrollt, dann ein Wildbach und ein riesiger Wasserfall mit einem Tempel an seinem Fuß. Weiter im Unterholz, das vom Fluss begrenzt wird, baden junge Frauen, zumindest Zentauren . Einer kommt aus dem Wasser und schnaubt. Am Ufer hat ein Zentaur sein goldenes Haar von Putten gekämmt  ; ein anderer, mit einem von drei Putten geflochtenen Schwanz ausgestreckt, taucht eine Hand ins Wasser. Andere kümmern sich um ihre Schönheit, unterstützt von anderen Engeln. Eine Gruppe von Putten eilt zu einem Podest, um durch eine Lücke in einem Hain zu sehen. Sie beobachten einen männlichen Zentauren, den Rüssel in der Hand und über dem Mund getragen, und rufen andere Männchen herbei. Die Cherubim bereiten die Frauen vor, die eine grüne Treppe hinuntersteigen, um sich den Männern vorzustellen. Eine absichtlich herabgefallene Rose durchbricht die Distanz und es bilden sich Paare. Die romantischen Szenen folgen aufeinander, unter dem wohlwollenden Blick und manchmal der Komplizenschaft der Cherubim. Ein männlicher Zentaur ist einsam, aber ein Engel warnt drei seiner Kollegen, dass es auch ein Weibchen ist. Die Cherubim organisieren dann ein Treffen, ziehen das Weibchen mit ihren Rüsseln an, dann das Männchen, bevor sie sich selbst gratulieren. Das Zentaurenpaar lässt sich dann in einem kleinen Tempel nieder, während die Putten einen Blumenschleier und dann einen Vorhang schließen. Hinter dem Flüssigkeitsvorhang eines Weinbrunnens sammeln die Zentauren Trauben, um sie in eine riesige Holzzisterne zu füllen. Satyrn treten mit ihren Füßen auf Weintrauben, während sie Musik spielen. Der korpulente Dionysos , einen Kelch Wein in der Hand und auf einem kleinen schwarzen Einhorn mit langen Ohren sitzend, erscheint, eskortiert von Zentauren und Satyrn. Die Gruppe installiert den schwankenden Gott auf einem Fass, das er zerbricht und beginnt dann einen Tanz. Nach ein paar beschwipsten Schritten mit den Zentauren und Satyrn verdunkelt eine riesige schwarze Wolke den Himmel. Der Regen fällt und beendet die Feierlichkeiten. Zeus taucht mitten in den Wolken auf, hinter ihm formt Hephaistos auf einem Amboss einen Blitz, den er Zeus gibt. Letzterer wirft mehrere Blitze auf Dionysos. Die Cherubim suchen Zuflucht in einem Tempel. Ein Einhornbaby wird von einem Zentauren aus dem Wasser gerettet, während der weiße Pegasus am Himmel eines der Jungen rettet. Der Weintank wird zerstört und fließt überall hin, was Dionysos erfreut. Müde schläft Zeus in einem Wolkenbett ein. Auf einem Hügel kündigt ein Zentaur mit seinem Rüssel die Rückkehr der Flaute an. Iris zeichnet dann einen Regenbogen, und die Tiere freuen sich, der junge Pegasus und die Cherubim nutzen ihn als Rutsche. Alle versammeln sich, um die Sonne zu bewundern, in der Apollo auf einem Wagen thront und sie grüßt, während die Nacht hereinbricht. Nyx bedeckt dann den Himmel mit ihrer schwarzen Robe und alle schlafen ein, als der Mondbogen zu Dianes Waffe wird , mit der sie einen Kometen abfeuert. Im Dunkel der Nacht erscheint dann Stokowskis Silhouette.   6. Der Tanz der Stunden

Illustriert La Danse des heures , ein Ballett aus der Oper La Gioconda von Amilcare Ponchielli , ein Ballett, das hier von Nilpferden , Elefanten , Straußen und Krokodilen getanzt wird , die an Anmut und Virtuosität wetteifern, aber in einem fröhlichen Getöse enden.

EinzelhandelssymbolDetaillierte Zusammenfassung von Der Tanz der Stunden

Der Erzähler gibt an, dass das nächste Stück ein Ballett mit dem Titel Der Tanz der Stunden aus dem dritten Akt von Ponchiellis Oper La Gioconda ist und dass die Bühne in einem Palast eines venezianischen Herzogs ist .

Türen öffnen sich, Vorhänge heben sich und geben den Blick auf einen dösenden Strauß frei, der als Operntänzer mit rosa Ballerinas gekleidet ist. Sie wacht auf und weckt andere Tänzer in grünen Ballerinas, die sich nach wenigen Schritten am Fuß einer Treppe versammeln, um ihren Tanz zu beginnen. Die Tänzer wiederholen die üblichen Schritte und Figuren eines Balletts, während sie die Früchte eines Füllhorns essen. Sie gehen weiter und wollen die Trauben der ersten Tänzerin essen und gehen in einen Hof, der von einer Kolonnade mit einem Becken in der Mitte umgeben ist. Sie lassen den Haufen dort fallen, was ein Nilpferd weckt, das sie verscheucht. Letztere kommt aus dem Wasser und frisst die Frucht. Andere Nilpferde eilen dann hinter den Säulen hervor, um ihm sein Tutu und Beauty-Accessoires zu bringen , bevor auch sie einen Tanz beginnen. Müde wird das erste Nilpferd dann auf einem Liegestuhl aufgestellt. Dann kommen zwei Elefanten, gefolgt von anderen. Sie legen ihren Rüssel in das Becken und machen dann Blasen aus dem Wasser, die gähnend vom Nilpferd angesaugt werden. Die Dickhäuter tanzen der Reihe nach, behindert durch andere Blasen. Mehrere Elefanten bilden eine Blasensäule, die den Stuhl des Nilpferds in die Luft hebt, aber ein Luftzug fegt die Elefanten weg, als der Stuhl sanft auf dem Boden landet. Im Schatten steigen in ihren Mänteln versteckte Krokodile eine Treppe hinunter und dann Kolonnen, die sich gefährlich dem ersten Nilpferd nähern. Einer von ihnen, wie ein erster Tänzer , zieht seinen Umhang aus und versucht, die schlafende Schönheit zu verführen, die nach dem Erwachen davonläuft. Sie kommt zu dem Krokodil zurückgerannt, das versucht zu tragen, sich aber zerquetscht bedeckt. Sie tanzen dann zu zweit und spielen Verstecken, aber die Flucht der Tänzerin wird von den anderen Krokodilen blockiert. Die Krokodile vertreiben die anderen Flusspferde, Elefanten und Strauße beim Tanzen in die Flucht, doch die Szenerie wird von schweren Flusspferden und Dickhäutern angegriffen, bis sich die beiden Türen schief schließen.   7. Eine Nacht auf dem kahlen Berg / Ave Maria

Bestehend aus zwei Teilen, die miteinander verbunden sind:

EinzelhandelssymbolAusführliche Zusammenfassung von A Night on Bald Mountain - Ave Maria

Zum Finale kündigt der Erzähler zwei so gegensätzliche Werke an, dass sie hervorstechen, Une nuit sur le Mont Chauve und Ave Maria . Eines Nachts liegt am Fuße eines steilen Berges ein Dorf. Die Kamera bewegt sich nach oben. Ein Monster, Chernabog, breitet seine Flügel aus und streckt seine Hände nach dem Dorf aus. Ihre Schatten lassen Geister erscheinen, die auf das Monster zufliegen. Aus den Ruinen der Burg fliegen Kavaliere und tote Soldaten davon, während auf dem Friedhof die Seelen der Verstorbenen aus den Gräbern auftauchen. Die Geister fliegen nach oben und schließen sich den Monstern an, die aus den Spalten auftauchen. Chernabog nimmt diese und wirft sie in die flammende Lava. Er schnappt sich etwas heißen Rauch und nimmt ihn in die rechte Hand. Das Rauchfeuer formt dann drei tanzende Frauen, die Chernabog mit einer Bewegung seiner linken Hand in ein Schwein, einen Wolf und eine Ziege verwandelt. Nachdem das Monster wie ein Zauber lächelt, erscheinen fünf monströse Tiergeister in schwarzem Rauch. Die Monster werden zu anthropomorphen Teufeln, nachdem Chernabog geschlossen und dann seine Hand wieder geöffnet hat. In den flammenden Gletscherspalten des Berges tanzen andere Monster und stürzen sich dann in die Flammen, manchmal gerettet von geflügelten Sirenen, genauer gesagt Strygus . Chernabog macht dem Ganzen ein Ende, indem er eine riesige Flamme entzündet, die er dann erstickt. Er versucht, die Flamme wieder zu entfachen, aber die Glocken läuten; Die Monster (einschließlich Chernabog) scheinen Angst zu haben und verstecken sich in den Tiefen des Berges. Die Geister kehren dorthin zurück, wo sie hergekommen sind, zu Burgen, Friedhöfen und mehr. Chernabog schließt dann seine Flügel wie zum Einschlafen. Ein nebliger Tag scheint aufzugehen und das Ave Maria beginnt. Ein Fackelzug führt an einem Ufer entlang, überquert eine Brücke mit gotischen Bögen und betritt einen Wald, dessen Bäume mit langen Stämmen wie die Säulen eines riesigen Kirchenschiffs sind. Die Waldkathedrale verdunkelt sich, aber in den Höhen durchdringen Lichtstrahlen das Blätterdach. Durch eine Lücke gelangt man langsam auf eine Lichtung, eher ins Umland. Das Wetter ist klar und hinter einem Hügel erscheinen die Sonnenstrahlen.

Als der Abspann rollt, gehen die Musiker und der Vorhang schließt sich.  

Datenblätter

Sofern nicht anders angegeben, stammen die Informationen aus den folgenden bestätigenden Quellen: Leonard Maltin , Pierre Lambert und John Grant .

Allgemein

Toccata und Fuge in d-Moll

Nussknacker

Der Zauberlehrling

Der Ritus des Frühlings

Pastorale Symphonie

Der Tanz der Stunden

Eine Nacht auf dem Mont Chauve und der Ave Maria

Filmrestaurierung (2000)

Verteilung

Originalbesetzung und Stimmen

1 st  Dubbing (1940) 2 e  Futter (1982) 3 e  Futter (2000)
  • Corey Burton  : Erzähler (Stimme), Die Aufzeichnungen von Deems Taylors Reden sind verloren gegangen.

Französische Stimmen

Die genaue Zahl der französischen Fassungen dieses Films ist schwer zu ermitteln, es wären jedoch mindestens vier, ohne eine teilweise Vervielfältigung der dritten mitzurechnen.

1 st  Dubbing (1946)

Ein Dub wurde für die französische Veröffentlichung 1946 von der French Production Company durchgeführt . René Marc liefert die Erzählung, aber Mickey und Leopold Stokowski bleiben in ihrer Originalfassung.

2 e  Futter (1976) 3 e  Futter (1986)

Für die Veröffentlichung von 1990 wurde diese Synchronisation teilweise überarbeitet. Die Erzählung ist identisch, aber Leopold Stokowski wird jetzt von Georges Aubert und Mickey von Jean-Paul Audrain synchronisiert .

4 th  Dubbing (2010)

Auszeichnungen

  • 1940 - Sonderpreis bei den New York Film Critics Circle Awards
  • 1942 - Zwei Ehren-Oscars  :
    • an Walt Disney, William E. Garity und JNA Hawkins (RCA Manufacturing Company) "für ihren herausragenden Beitrag zur Förderung der Verwendung von Ton in Filmen durch die Produktion von Fantasia  "
    • an Leopold Stokowski und seine Mitarbeiter "für ihre einzigartige Leistung bei der Schaffung einer neuen Musikform, die in Walt Disneys Produktion Fantasia visualisiert wurde , wodurch die Reichweite von Filmen als Unterhaltung und als Kunstform erweitert wurde"
  • 1990 - Eintragung in das National Film Registry
  • 2001 - Preis für "Bestes DVD Overall Original Supplemental Material" bei den DVD Exclusive Awards
  • 2001 - Nominierung für "Beste DVD Original Retrospective Documentary / Featurette" bei den DVD Exclusive Awards

Kinoausflüge

Sofern nicht anders angegeben, stammen die folgenden Informationen aus der Internet Movie Database .

Nationale Premieren

Hauptausgänge

  • Vereinigte Staaten  :1 st September 1946(lange Version) , 7. Februar 1956 (SuperScope-Version) , 20. Februar 1963, 17. Dezember 1969, 15. April 1977, 2. April 1982 (Digital-Stereo-Version) , 8. Februar 1985, 5. Oktober 1990 (1946 Version mit Fantasound)
  • Italien  : 31. August 1957, 23. November 1973, 13. Oktober 1978, 7. November 1986
  • Spanien  : 23. September 1957, 25. März 1977, 17. September 1986
  • Schweden  : 29. Februar 1960, 2. August 1977, 19. September 1986
  • Frankreich  : 7. Juni 1967, 16. Mai 1979, 8. August 1984, 17. Oktober 1990
  • Finnland  : 29. September 1967, 9. März 1979
  • Japan  : 5. August 1972, 15. Oktober 1977, 15. August 1981, 24. Januar 1987, 15. Dezember 1990
  • Westdeutschland  : 28. Oktober 1977, 30. April 1987
  • Australien  : 9. Dezember 1982, 5. Juni 1986, 15. November 1990
  • Vereinigtes Königreich  : 26. Dezember 1990

Videoausgänge

  • 1990 - VHS
  • 5. Dezember 2000 - DVD- Sammlung mit digitaler Restaurierung
  • 23. Oktober 2001 - DVD
  • 23. November 2001 - Doppel-DVD-Sammler
  • 8. Januar 2002 - Dreifach-DVD-Anthologie
  • 27. Februar 2004 - VHS
  • 26. November 2010 - DVD und Blu-ray Disc - unveröffentlichte Langfassung mit Pause.

Quelle: Die großen Klassiker von Walt Disney und Ultimate Disney

Herkunft und Produktion

Bis 1938 , nach seinen Erfolgen mit Mickey Mouse und Schneewittchen und die sieben Zwerge ( 1937 ), war Walt Disney „ein Liebling der jüngeren Generationen geworden“. Während die Produktion eines zweiten Pinocchio- Spielfilms beginnt, arbeitet ein Team von Disney-Animatoren an einem Kurzfilm auf zwei Rollen, einer ehrgeizigen Adaption von The Sorcerer's Apprentice von Paul Dukas .

Der Zauberlehrling , eine außergewöhnliche Micky Maus

Die Produktion des Kurzfilms The Sorcerer's Apprentice begann 1937, als Mickeys Erfolg nachließ. Walt Disney wollte "einen prestigeträchtigen, künstlerisch ambitionierten Film" und sein Bruder Roy Oliver verhandelte die Rechte für die Adaption von The Sorcerer's Apprentice , ein Unternehmen, das im Mai 1937 gegründet wurde Generation mit klassischer Musik, ein Publikum, das "keine Meinung zu dem möglichen Sakrileg hatte, sich Musikstücke vorzustellen ". Die Anpassungsrechte wurden in einem Brief von Roy bestätigt, den Walt am 31. Juli 1937 erhielt. Als Soundtrack verwendet Disney dann eine Aufnahme von Arturo Toscanini .

Während der Dreharbeiten zu diesem Film lernt Walt Disney den renommierten Dirigenten Leopold Stokowski bei einem Ausgehabend in Hollywood kennen und erzählt ihm von dem musikalischen Kurzprojekt. Pierre Lambert weist darauf hin, dass Walt Stokowski an seinen Tisch in einem Restaurant in Beverly Hills eingeladen hat , um die beiden nicht alleine zu essen.

In einem Memo vom Oktober 1937 schreibt Walt, dass er "sehr belebt von der Idee ist, mit Stokowski zu arbeiten", dass er "die Möglichkeiten einer solchen Kombination so großartig" empfindet und dass sie "sein volles Orchester als sowie eine Form der Entschädigung für Stokowski“. Allan weist darauf hin, dass am 26. Oktober 1937 ein Brief mit ähnlichem Inhalt an Stokowskis New Yorker Vertreter geschickt wurde. Walt fügt in diesem Memo auch hinzu, dass er "die Führung übernommen" hat und bereits "ein Team für das Szenario gestartet" hat, "bevor es mit Bambi weitergeht  ". Perce Pearce wird zum Projektleiter ernannt und wird von Carl Fallberg für das Drehbuch und Leigh Harline für die Musik unterstützt.

Stokowski stimmt dann zu, ein Orchester für den Soundtrack des Films zu dirigieren.

Im November 1937 schickte Stokowski die Voraufnahmen von Dukas' Stück, die die Produktion einer ersten Animation ermöglichten. Diese Animation wird zuerst mit Dopey in der Titelrolle gemacht, dann wird er nach Walts Entscheidung durch Mickey Mouse ersetzt. Doch Disney ändert erneut seine Meinung und bittet James Algar , den Kurzfilm mit Mickey zu inszenieren, Pearce und sein Team werden daraufhin in ein anderes Projekt versetzt.

Die Vorproduktion des Kurzfilms mit Mickey Mouse geht weiter, als Roy im Dezember 1937 warnt, dass das Budget wichtig wird, aber Walt seine Idee für diesen Film weiterverfolgt. das2. Januar 1938, Stokowski liefert die Partituren zur Filmmusik, dann beginnen am 9. Januar die Aufnahmen im Studio von David O. Selznick , das größer ist als das von Disney. Die Dreharbeiten zu den Szenen mit dem Orchester, die für den 19. geplant waren, wurden wegen des Fehlens von Stokowskis Kostüm auf den 24. verschoben. Nachdem der Soundtrack fertig ist, beginnt die Animation am 21. Januar mit der Traumszene, die Preston Blair anvertraut wurde . Zur Animation selbst siehe unten . Nachdem die Animation weitgehend abgeschlossen ist, findet am 12. April 1938 eine Vorschau statt. In einem Brief vom 10. Juni 1938 weist Roy darauf hin, dass der Film kurz vor der Fertigstellung steht.

Doch während der Produktion des Films keimte im Studio eine andere Idee auf.

Konzept des Musikprogramms

Stokowski interessierte sich für die Idee, klassische Musik und Animation zu mischen, und stimmte zu, ein lokales Orchester für die Aufnahme des Soundtracks von The Sorcerer's Apprentice zu leiten , aber der Kurzfilm inspirierte ihn zu einem ehrgeizigeren Projekt, einer "Reihe von" Animationsinterpretationen von musikalischen Themen“. Während die Produktion des Kurzfilms mit Mickey weitergeht, gelingt es ihm, Walt Disney für sein Projekt zu gewinnen.

Sowohl fasziniert als auch interessiert an der neuen Idee engagierte Disney den Musikwissenschaftler Deems Taylor , der für seine Kommentare zu Radiosendungen des New York Philharmonic Orchestra bekannt ist , um bei der Gestaltung des Films zu helfen. Taylor wird auch als Moderator zu Beginn und zwischen den Sequenzen des Films fungieren. Das Projekt ist dann unter dem Namen "Film of animation-Concert" bekannt. Stokowski verwendet den Begriff Fantasie , ein Begriff, der geblieben ist und das Projekt im Herbst 1938 endgültig bezeichnet.

Das Projekt entwickelt sich recht schnell. Walt Disney und Stokowski definieren mit Fantasia ein neues Konzept, das einer „sich weiterentwickelnden kinematografisch-musikalischen Show“. Einer der Pläne des Projekts ist es, es nicht in Kinos, sondern in Konzertsälen zu übertragen. Der Film muss dann in regelmäßigen Abständen mit neuen Sequenzen präsentiert werden, die je nach Erfolg später wiederholt werden können oder auch nicht.

Die hohen Produktionskosten von The Sorcerer's Apprentice , die am Ende der Produktion um Juni 1938 auf 125.000 US-Dollar geschätzt wurden, oder drei- bis viermal mehr als bei anderen Mickeys der Zeit, zum Teil aufgrund seines hohen Qualitätsniveaus, beschließt Disney, hinzuzufügen es neben anderen Sequenzen zu seinem Spielfilmprojekt.

Die Vorproduktion beginnt Ende des Sommers 1938, wie Michael Barrier bezeugt, der im Herbst 1938 die Zweifel von Walt Disney an einer der Sequenzen evoziert. Jimmy Johnson beschwört einen Wettbewerb, der am Ende in der Zeitschrift intern veröffentlicht wurde von 1938, um den Titel des Films zu finden, aber keiner der Hunderte von Vorschlägen des Typs „Cineballet“ wurde beibehalten.

Vorproduktion, die Wahl der Sequenzen

Als Startdatum der Vorproduktion gibt Barrier den Monat September 1938 an, in dem Stokowski, Disney und andere Mitglieder des Projekts viele Musikstücke anhören, um zu entscheiden, ob sie in das Filmkonzert integriert werden sollen oder nicht und die angesprochenen Themen definieren . Viele Werke werden erwähnt, und abgesehen von The Sorcerer's Apprentice with Mickey Mouse können die meisten als "Nachkommen" der Silly Symphonies angesehen werden , jener Kurzfilme ohne wiederkehrende Helden. Im Oktober deutete Walt an, dass er nicht wollte, dass der Film eine einfache Sammlung von Silly Symphonies wird . Der Konzertfilm sucht dann eine Einheit, die zum Teil durch die didaktische Seite der Übergänge von Sequenzen erreicht wird. Für den Film oder seine möglichen Fortsetzungen werden dann mehrere Sequenzen überlegt oder gestartet. Neben der Wahl der Sequenzen vereint das Projekt die verrücktesten Ideen für Innovationen. Barrier schreibt, dass Disney und Stokowski die Idee hatten, Düfte mit Musik und Unterhaltung zu verbinden, Düfte, die im Raum verteilt werden sollen. Am 26. September bietet Disney eine Dreh- und Breitbildübertragung an (die später mit dem CinemaScope erfolgte ).

Die sieben Musikwerke, die L'Apprenti sorcier hinzugefügt werden sollen, sind:

Diese Liste scheint sehr früh erstellt worden zu sein, 13. September 1938 für Barrier, 20. September für Allan, aber andere Ideen tauchten weiterhin auf.

Allan weist darauf hin, dass Strawinskys L'Oiseau de feu (1909) und Petruschka (1911) während einer Sitzung am 10. September 1938 erwähnt wurden, wobei letzterer laut Taylor "ein perfektes Finale machen konnte". Die Liste vom 20. September fügt Clair de lune hinzu , die aus Claude Debussys Suite bergamasque stammt . Stokowski hatte 26. September die vorgeschlagene Symphony n o  9 von Beethoven besagt , dass „es vielleicht nicht für diesen Film war.“ Am 29. September trafen Antworten auf interne Vorschläge ein und mehrere Ideen wurden fallen gelassen, darunter: Moto perpetuo op. 11 von Niccolò Paganini , Präludium op. 3 n o  2 von Sergei Rachmaninow und Novembre - Troika aus Tschaikowskys Jahreszeiten . Am 30. September wurde Don Quijote trotz des Vorhandenseins einer "komischen Figur" entlassen.

Grant fügt die von Frank Daugherty im Christian Science Monitor Weekly 1938 zitierten Stücke hinzu : den Bolero von Maurice Ravel , Till l'Espiègle von Richard Strauss .

Grant und Maltin erwähnen die folgenden geplanten Arbeiten:

Ohne Angabe einer Quelle fügt David Koenig hinzu: der Chor der Pilger aus Tannhäuser (1845) von Wagner, Die Zauberflöte (1791) von Mozart , La Mer von Debussy, Die Planeten von Gustav Holst , Le Vol du bourdon von Nikolaï Rimsky-Korsakov und Die Liebe zu drei Orangen (1921) von Sergei Prokofjew .

Die bekannteste der „geplanten Sequenzen“ ist Clair de lune, die aufgrund der Länge von Fantasia mit sieben Sequenzen nicht enthalten war. Die Animationssequenz, die in den Sümpfen stattfand, wurde in Blue Bayou , einer Sequenz aus La Boîte à musique (1946), wiederverwendet . Andere geplante Sequenzen hatten trotz ihrer Abwesenheit in Fantasia eine Zukunft (siehe unten ).

das 5. Januar 1939, während die meisten Sequenzen begonnen haben, ist Walt Disney seit mehreren Monaten mit dem Ergebnis zwischen der Animation und der Musik von Cydalise und Piernés Goat-Foot unzufrieden ; er beschloss, die Musik durch eine kräftigere zu ersetzen, die Symphonie pastorale von Ludwig van Beethoven . Die Animationen griechischer Gottheiten, die von Huemer und Grant betreut werden, wechseln dann das musikalische Thema, trotz der Zurückhaltung von Stokowski, der der Meinung ist, dass Beethovens Musik mehr "menschliche Reaktionen und wohlwollende Gedanken" hervorruft.

Die Musik wurde zwischen April 1939 und vor Ende Mai vom Philadelphia Orchestra aufgenommen . Ausgehend von der Entfernung von Moonlight zum Projekt wurden die sieben Sequenzen, aus denen der endgültige Film besteht, im Juli 1939 endgültig festgelegt.

Animation

Aufgrund ihrer Aufteilung in Sequenzen und der Vielfalt der musikalischen Werke hat die Animation in Fantasia mehrere Facetten, Funktionen und Verwendungen, die von den Interpretationen, den "Visualisierungen", die die Animatoren den genannten Werken geben, untermauert werden. Durch die Geschichten, die von den Sequenzen erzählt werden, entschieden sich die Animatoren, zum Beispiel die Künste in einigen zu beschwören, indem sie Musik als Medium verwenden, während in anderen die Berufung eher didaktisch ist.

Die Zwischenspiele zwischen den einzelnen Sequenzen markieren für Disney die erste Wiederverwendung von Live-Action-Bildern seit den Alice-Komödien der 1920er Jahre.

Viele Elemente der animierten Sequenzen wurden, obwohl sprachlos, von den Animatoren benannt und von John Grant aufgelistet. Technisch gibt Michel Barriere , die der 8.000 Fuß (2,438.4 m) der Animation auf 35  - mm - Film , 3.500 Fuß (1.066,8 m) mit dem Schuss wurden Multiplan-Kamera , das heißt mehr als das Äquivalent von Snow White und Pinocchio kombiniert. Grafisch ist die Animation von vielen Anleihen an die europäische Kunst geprägt (vgl. Künstlerische Anleihen aus Europa ). John Hench, der kürzlich vom Studio angeheuert wurde, arbeitet an den Sets.

Beschwörung anderer Künste durch Animation

Durch den Film ermöglichten die Animatoren nicht nur die Visualisierung klassischer Musik, sondern auch eine Hommage an die auf Musik basierende Kunst, indem sie diese nutzte. So finden wir Tanz und Ballett .

Toccata und Fuge in d-Moll , visuelle Abstraktion

Walt Disney wollte mit dieser Sequenz den Eindruck erwecken, wenn ein Zuschauer während eines Konzerts die Augen schließt. Walt Disney beauftragte den deutschen Abstraktionsfilmer Oskar Fischinger mit der Gestaltung der Sequenz, aber nach einem Jahr Vorarbeit verließ er das Studio, "frustriert über die Schwierigkeit, seine Ideen rüberzubringen". Allan gibt den 30. November 1938 als Vertragsbeginn an, als Special Effects Animator für ein Gehalt von 60 Dollar die Woche, nicht als Art Director. Er fügt hinzu, dass "seine kompromisslosen radikalen Abstraktionen für einen konkreten Geist wie den von Disney unerträglich waren." Barrier nennt einen Zeitraum von neun Monaten zwischen Ende Januar und Ende Oktober 1939. Allan gibt ihm als Vertragsende den 31. Oktober 1939 an.

Nachdem Fischinger gegangen ist, gibt Disney Samuel Armstrong den Auftrag, die Arbeit an der Sequenz wieder aufzunehmen. Aus diesem Grund sind die Animationselemente im Wesentlichen abstrakte Werke ohne Charaktere, die Sequenz bleibt jedoch inspiriert von "den flüchtigen Bildern von Fischinger", "zumindest Fischinger zugeschrieben". Wir erkennen jedoch in der Animation die Formen von Geigenbogenschützen oder Metronompendeln, Wellen, Orgelröhren, gotischen Bögen oder Beamerstrahlen, die wie in Hollywood an Premierenabenden den Himmel erleuchten. Jerry Beck bemerkt, dass Cy Young der Leiter des Animationsteams war.

An einem Punkt in der Produktion erwog Disney, dieses Filmmaterial mit erhöhten Bildern zu zeigen, und durch die Ausrüstung des Publikums mit einer Brille ist es wahrscheinlich, dass das gewählte System das der Polaroid- Brille ist , die auf der New International Fair gezeigt wurde. York 1939-1940 .

Der Nussknacker , die Tänze

Diese Sequenz wurde ursprünglich 1935 als Dumme Symphonie mit dem Titel Ballet des fleurs / Flower Ballet angeboten . Grant erinnert daran, dass die Sequenz in sechs Abschnitte unterteilt ist, von denen jeder einen der Tänze des Balletts Der Nussknacker von Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky illustriert .

  • Der Tanz der Zuckerfee , wo die "Tröpfchenfeen" (genannt Tautropfenfeen ) den Frühlingstau im Unterholz ablegen, der die Blumen und die ganze Natur erweckt. Die Weichheit und Helligkeit der Figuren ist auf die Verwendung von Airbrush und spezieller transparenter Farbe zurückzuführen.
  • Der chinesische Tanz  : eine Gruppe von „Dancers Mushrooms“ Arbeitern evozieren Reis chinesischen Tanzes. Diese Idee wird John Walbridge zugeschrieben . Ein Pilz kleiner als die anderen, offiziell Hop Low genannt, aber  von einem Kritiker den Spitznamen "  Dopey of Fantasia " bekommen, kommt nicht in die Runde. Art Babbitt , der Hauptanimator der Sequenz, wurde von einem Sprung und den daraus resultierenden Bewegungen in einer Szene aus einem Film des Three Stooges- Trios ( Moe Howard , Curly Howard und Larry Fine ) für die ganz besonderen Bewegungen der Pilze inspiriert was die "Aufrichtigkeit der Schwerkraft" verstärkt.
  • Der Tanz der Mirlitons  : Die Ballerinas aus dem „Blumenballett“ fallen auf die Oberfläche eines Baches und führen ein Ballett auf, das mit einem Wasserfall endet.
  • Der arabische Tanz  : In einer exotischen Unterwasseratmosphäre führt eine Truppe - ein Harem - von Goldfischen, schüchtern, aber mit langen und durchsichtigen Flossen, einen langsamen Tanz aus dem Nahen Osten auf. Diese Fische verwenden das Stereotyp des Charakters von Cleo , Geppettos Goldfisch, der für Pinocchio kreiert wurde
  • Der russische Tanz  : Disteln als Kosaken (The Thisle Boys ) und Orchideen als Bauern erinnern an einen russischen Tanz ( Orchid Girls ).
  • Der Walzer der Blumen  : Die "Herbstfeen" (genannt Herbstfeen ) lassen die Blätter und die wolligen Samen der Seidenpflanze fallen , die das Seidenkraut-Ballett bilden , und tanzen dann bis zum Winter. Die „Frostfeen“ (genannt Frostfeen ), gefolgt von den „Schneeflockenfeen“ (genannt Schneeflockenfeen ), die besagte Flocken bringen und Schnee und Eis ablegen. Die Effekte dieses Teils wurden durch den Einsatz der Multiplane-Kamera erreicht .

Die Feen in dieser Sequenz, die Libellen ähneln, sind Kreationen der in England geborenen künstlerischen Leiterin Sylvia Holland . Mehrere unerfahrene Animatoren arbeiteten an diesen Sequenzen, werden aber nur post mortem gutgeschrieben, wie Milton Quon, der am Arabischen Tanz und am Walzer der Blumen arbeitete .

Der Tanz der Stunden , das Ballett ball

Für Grant ist der Tanz der Stunden , der der Oper La Gioconda von Amilcare Ponchielli entnommen ist, ein Ballett, aber „auch eine Belustigung, die die Disney-Teams leicht als Scherz behandelt haben“, „die gesamte Sequenz ist eine liebevolle Parodie der Anmaßungen“. des klassischen Balletts“. Laut einer Sitzung vom 29. September 1938 sollte der Ablauf glatt sein und „wie ein typisches und sehr triviales Ballett“ behandelt werden. Lambert sagt, dass "dies der lustigste Teil von Fantasia ist  ". Trotz ihrer komödiantischen Seite erhielt die Sequenz auch die Aufmerksamkeit und Qualität von Disney-Künstlern. Die Charaktere wurden von Animator Joe Grant erstellt .

Das Ballett gliedert sich in vier Teile, den Morgen mit den Straußen, den Nachmittag mit den Nilpferden, den Abend mit den Elefanten und die Nacht mit den Krokodilen. Die Hauptfiguren wurden wie folgt benannt: Der erste Strauß namens M lle Upanova (wahrscheinlich in Anlehnung an Tamara Toumanova ), das erste Nilpferd Hyacynth Hippo, der erste Elefant Elephanchine (Parodie von George Balanchine ) und das erste Krokodil Ben Ali Gator. Letzteres ist das Werk von John Lounsbery . Das Dekor greift, wie Walt Disney in einem Treffen vom 17. Oktober 1938 angedeutet hat, die Hollywood-Tradition der Musicals von Warner Bros. mit „einer Szene von unmöglichen Dimensionen 2000 Fuß (609,6 m) mal 500 Fuß (152,4 m) zumindest dem Anschein nach“. Die Szene um den Brunnen erinnert an die des Films The Goldwyn Follies (1938), mit seinem zentralen runden Becken, ionischen Säulen und sogar seiner Tänzerin Vera Zorina, die aus dem Becken aufsteigt.

Für Lella Smith wurde dieser Abschnitt grafisch von den Werken des Deutschen Heinrich Kley beeinflusst , die Walt Disney faszinierten. Kley ist eine europäische Illustratoren aus der Mitte des XIX - ten  Jahrhundert hat, nach Robin Allan, „Anthropomorphismus zu assign Tieren mit menschlichen Eigenschaften wie in seinem täglichen Leben Menschen ging Tiere aggressiv in Verwendung„wie Honoré Daumier (1808-1879) , Ernest Griset (1843-1907), Grandville (1803-1847), John Tenniel (1829-1914), Edward Lear (1812-1888), Ladislas Starewitch (1882-1965) oder Beatrix Potter (1866-1943). Auch der Designer Pat Sullivan beeinflusste die Sequenz mit seinen zahlreichen Zeichnungen, darunter Nilpferde und Krokodile.

Disney hat Mitglieder der Ballets Russes , darunter Roman Jasinsky , Tatiana Riabuschinska und Irina Baranova , beauftragt, den Figuren als Vorbilder zu dienen, obwohl es sich hier um Nilpferde, Elefanten, Strauße und Krokodile handelt. Riabuschinska diente als Vorbild für das Nilpferd Hyacytnh , das erste Nilpferd. Grant gibt an, dass alle Strauße Irina Baranova nachempfunden sind und sich vom ersten Strauß nur durch die blaue Kleidung unterscheiden, nicht durch die rosa. Die Nilpferde sind Tatiana Riabouchinska nachempfunden, mit Ausnahme der realen Aufnahmen von Marjorie Babbitt , der Tänzerin, die als Modell für die Gesten von Schneewittchen diente und mit dem Animator Art Babbitt verheiratet war . Roman Jasinski diente als Vorbild für Elefanten. Außerdem war der ungarische Künstler Jules Engel als Berater für die Choreographien engagiert, er fertigte die Fotografien und Skizzen der Tänzer für Der Nussknacker und den Stundentanz an .

Der Zauberlehrling, Verwendung von Mickey Mouse

Die Sequenz des Zauberlehrlings ist durch die Verwendung einer bereits bestehenden Disney-Figur, Mickey Mouse, gekennzeichnet . Der Film erinnert ein wenig an The Fanfare (1935), in der Mickey ein für ihn zu großes Kostüm trägt und kaum spricht. Eine besondere Behandlung des Charakters war notwendig, damit die Maus die Rolle des Zauberlehrlings spielen konnte. Ab 1936 wurde die Rolle von Mickey zu einer Folie in Bezug auf die Nebenfiguren, außerdem ist seine Figur viel klüger, weniger für Gags geeignet. Die ehemaligen Nebenfiguren Goofy und Donald Duck werden ab 1938 zu den Helden ihrer eigenen Serie.

Disney ist nicht der erste, der das Drehbuch des 1797 von Goethe verfassten Gedichts Der Zauberlehrling als Vorlage für einen Film nimmt. Sidney Levee gemacht Der Lehrling des Zauberers in 1930 eine Anpassung von Hugo Riesenfeld . Im Jahr darauf inszenierte Oskar Fischinger die Studie Nr. 8 (1931) mit der von Paul Dukas vertonten Fassung und wenige Jahre später die Compagnie française des films wiederum eine Adaption von Der Zauberlehrling .

Die Sequenz von Mickeys Traum von der Macht, dann schlafend in einem Stuhl, während ein verzauberter Besen für ihn arbeitet, die ungefähr in der Mitte des Kurzfilms ist und von Preston Blair gespielt wurde , ist der erste animierte Teil in der Ausführung. Für diese Sequenz verwendete Blair einen Film, in dem ein UCLA-Sportler über Fässer und Kisten sprang und dessen langes Haar Blair bei den Bewegungen von Mickeys Kleid half. Die den Raum durchflutenden Wassereffekte wurden dann von Ugo D'Orsi produziert . John Grant stellt fest, dass Ben Sharpsteen in einem Interview mit dem Millimeter- Magazin im Februar 1976 entgegen dem Vorstehenden der Ansicht ist, "dass es keinen Wunsch gab, den Charakter von Mickey Mouse zu verbessern ... es handelt sich einfach um eine Art progressiver Evolution".

Mickeys erste Animationen entstanden unter der Regie von Les Clark, der ihn seit Steamboat Willie (1928) animierte . Aber um dieser neuen Rolle gerecht zu werden, wurde Mickeys Image insgesamt geändert und die Aufgabe an Gastgeber Fred Moore übertragen . An dieser Modifikation waren viele Künstler beteiligt, darunter der Regisseur Perce Pearce, der beispielsweise im November 1937 in einem Memo darum bat, "gewöhnliche Gags für die Traumsequenz zu vermeiden". Moore schuf das Modell von Mickey mit seinem Kostüm und fügte Mickey Schutzzauber hinzu, die ungefähr zur gleichen Zeit in Comics (22. Dezember 1938) auftauchten. Eine der in dieser Sequenz sichtbaren Entwicklungen ist Mickeys Gewichtszunahme, im Gegensatz zu Steamboat Willie, wo er wie Gummi aussieht und keine Anstrengung aufwenden muss, um eine Aktion auszuführen. Mickey von Fantasia hüpft leicht oder bricht vor Müdigkeit zusammen, gibt aber ein " überzeugender Eindruck von Schwere".

Für die Figur des Zauberers, genannt Yen Sid oder Yensid , haben sich die Animatoren für die Live-Aufnahmen den Schauspieler Nigel De Brulier zum Vorbild genommen . Es wurde von Joe Grant entworfen und sein erster Auftritt wurde von Grim Natwick moderiert . Für Bob Perelman ist das von Yensid zurückgegebene Bild das des „Zauberers mit einem alten und großen Grimoire, der eine lange Robe trägt, die mit einem kosmologischen Symbol verziert ist und mit einem Schlag seines phallokratischen Zauberstabs einen Zauberspruch ausübt  “.

Trotz seiner sehr begrenzten Bildschirmpräsenz wird das Image des Charakters dank seiner letzten Gesten gegenüber Mickey väterlich gemacht, während er im Rest des Films sehr sachkundig, streng und hart wirkt.

Der Ritus des Frühlings, ein Kurs zur Vorgeschichte

Ursprünglich begleitete Igor Strawinskys Musik ein Ballett, das an Stammestänze, heidnische Riten und Primitivismus erinnerte, aber Disney machte daraus eine Lektion in Geologie und Paläontologie . Während der Produktion konnte Strawinsky die vorbereitenden Studien und das Storyboard beobachten, was ihm damals gefallen hätte, war aber in der musikalischen Bearbeitung zurückhaltender (siehe unten). Die Idee zu dieser Arbeit nach den Erinnerungen von Shamus Culhane stammt von Deems Taylor, unterstützt von Stokowski. Nach Otto Friedrich, nachdem verworfen zu haben Die Schöpfung von Joseph Haydn als „nicht episch genug“, der Vorschlag des Rite of Spring würde aus Stokowski allein:

  • Stokowski: Warum nutzen wir die Krönung nicht  ?
  • Disney: Der Socken  ? Wer ist es ?
  • Stokowski: Der Ritus des Frühlings - Strawinskys Rite of Spring

Ein Szenario vom 29. September 1938 zeigt bereits die Aufteilung in mehrere Szenen zur Vorgeschichte, die erste über die Erschaffung der Erde, das Auftauchen des Lebens und der Dinosaurier, ein zweiter Teil für Säugetiere und die ersten Menschen, der dritte über den Menschen, der die Welt entdeckt Feuer; aber aus religiösen Gründen beschränkte sich der Film darauf, nur den ersten Teil zu entwickeln. Am 12. April 1938 beantragte Disney die Erlaubnis, den Firebird , ein weiteres Werk von Strawinsky, verwenden zu dürfen, aber die endgültige Wahl fiel am 4. Januar 1939 auf The Rite of Spring . Von Disney kontaktiert, Strawinsky, der einzige lebende Komponist, der in dem Film auftrat, zögerte, die Rechte für fünftausend Dollar abzutreten, aber Disney gab an, dass eine Weigerung seinerseits die Verwendung der Krönung nicht verhindern würde , da sie in veröffentlicht wurde Russland, das Werk war in den USA nicht urheberrechtlich geschützt.

Die Animation zeichnet die geologischen Epochen mit der Beschwörung von . nach

  • der Hadean , die Entstehung der Erde und des Ozeans
  • das Archaikum und das Proterozoikum mit den ersten Bakterien, den ersten Meerespflanzen
  • das Kambrium mit den ersten Tieren mit seltsamen Formen, einschließlich der Burgess Fauna
  • das Silur mit den ersten Landpflanzen und Tieren
  • das Mesozoikum , unterteilt in drei Perioden, Trias , Jura und Kreide , die Zeit der Dinosaurier von ihrem Erscheinen bis zu ihrem Verschwinden.

Die bekanntesten Tiere zur Zeit des Films sind vertreten: Triceratops , Archaeopteryx , Diplodocus , Coelurosaurus , Stegosaurus , Iguanodon , Brontosaurus und Tyrannosaurus . Sie wurden wiederverwendet, um die Dinosaurier in der Attraktion Universe of Energy im Bildungspark Epcot zu präsentieren .

Der Kampf zwischen dem Tyrannosaurus und dem Stegosaurus wurde von Wolfgang Reitherman moderiert . Der Spezialeffekt-Animator Joshua Meador stellte Vulkanausbrüche und Lavaströme nach und arbeitete später an dem Monster aus dem Film Forbidden Planet (1956). Robin Allan und Bruno Girveau entdecken für diese Sequenz Inspirationen aus wissenschaftlichen Zeitschriften und den Anfängen des Kinos mit beispielsweise Georges Méliès , Winsor McCay und seiner Gertie dem Dinosaurier oder den fantastischen Filmen von Willis O'Brien wie The Lost World (1925) .

Diese wissenschaftliche Version der Erschaffung der Welt wurde zum Teil durch folgende Faktoren beeinflusst Charles R. Knight , einer der einflussreichsten amerikanischen Illustratoren der ersten Hälfte des XX - ten  Jahrhunderts , in der Rekonstruktion von Dinosauriern und anderen prähistorischen Tieren. Für Wüstenkulissen ließ sich das Team von Edward Hopper inspirieren , dessen Illustrationen dann in National Geographic veröffentlicht wurden .

Die Pastoralsinfonie, ein Tag unter den griechischen Göttern

Während Beethovens Symphonie ein Landspaziergang im besten Sinne des Wortes ist, haben Disney-Gastgeber es zu einem Tag im Reich der griechischen Götter am Fuße des Olymp gemacht . Für Allan ist die Sequenz dank des diskreten Einflusses des Schweizer Künstlers Albert Hurter ein von der europäischen Kunst inspiriertes Repertoire an Bildern . Die Sets von Art Riley , Ray Huffine und Claude Coats sind vom Jugendstil inspiriert , obwohl Pierre Lambert sie „ Kitsch  “ nennt  . Für Allan sind die Rundung der Berge in der Landschaft und die Stilisierung der dekorativen Elemente Gordon Legg zuzuschreiben . Ward Kimball animierte die Figur des Bacchus und ist laut Lambert die einzige komödiantische Note in der Sequenz. Laut Allan ist diese Sequenz trotz der Tatsache, dass sie 26 Personen hat, ohne dass 64 nur in den Aufzeichnungen des Studios erwähnt werden, von uneinheitlicher technischer und ästhetischer Qualität.

Ursprünglich war die Animationssequenz für Cydalise et le Chèvre-pied de Pierné geplant. Mit diesem musikalischen Werk begann die Vorproduktion. Das Pegasus-Nest wurde bereits am 26. September 1938 Geschichte geschrieben, dann fügte George Stallings am 13. Oktober komödiantische Elemente wie Faune, die Einhörner reiten, hinzu, gefolgt von einer Entwicklung der Pegasus-Geschichte am 17. Oktober. Eine Idee von Stallings besteht darin, Nymphen am 29. September erscheinen zu lassen, dann wird sie am 13. Oktober entwickelt, die Nymphen werden zu Zentauretten und dann wird die Entscheidung getroffen, die Götter des antiken Griechenlands wiederzubeleben.

Albert Hurter führte die vorbereitenden Studien für Zentauren und Zentauretten durch, wobei er sich beispielsweise von Franz von Stuck inspirieren ließ . Ein weiterer Künstler, der die Sequenz beeinflusst hat, ist der Deutsche Heinrich Kley

Die meisten Charaktere stammen aus früheren Disney-Produktionen, hauptsächlich den Silly Symphonies , wie den Babys, Faune und Cherubs aus In the Land of the Stars (1938) oder den Babys aus The Babies of the Ocean (1938) und The Kleiner Indianer (1937).

Am 2. November 1938 entschied Disney, dass Piernés Musik nicht mehr für Animationen geeignet sei, weil sie „nicht ausdrucksstark genug“ sei. Die Produktion wurde jedoch fortgesetzt. Die Idee, Beethovens Pastoral zu verwenden, scheint etwa Anfang November entstanden zu sein.

Nach der Entscheidung, es für Beethovens viel energischeres Stück zu adaptieren, traten Probleme beim Festhalten an der Musik auf. Diese Sequenz stellte dann ein neues Problem dar, die Synthese der vier Sätze von Beethovens Symphonie von einer Gesamtdauer von mehr als vierzig Minuten, also weniger als zwanzig. Trotzdem ist diese Kontraktion für Grant beim Betrachten des Filmmaterials nicht zu spüren, was viele Musiker bestreiten (siehe unten ).

Der erste Satz stellt die Einhörner, die Satyrn und die Familie der Pegasus vor, er ist eine Einladung in die mythologische Welt. Der zweite Satz zeigt das Zusammentreffen weiblicher Zentauren, dann männlicher, alle von Putten umgeben, sowie die Bildung von Paaren, darunter die der beiden einsamen namens Brudus und Mélinda , und führt einige komische Elemente ein, um das amerikanische Publikum dazu zu bringen, die Musik selbst zu akzeptieren ... Ernsthaftigkeit Beethovens. Die dritte ist die Weinproduktion mit der Ankunft von Bacchus (eigentlich Dionysos, weil Bacchus römisch ist) installiert auf einem Esel-Einhorn namens Jacchus . Im vierten Satz erscheinen griechische Gottheiten, die die Bewohner quälen wollen. Zeus, unterstützt von Vulcan (in Wirklichkeit Héphaïstos), beide animiert von Art Babbitt , lösen einen Sturm auf die Zentauren, Satyrn, Einhörner und Pegasus aus. Der fünfte Satz ist der der Beschwichtigung mit anderen Gottheiten, Iris mit ihrem Regenbogen, Apollo auf seinem Sonnenwagen, dann Nyx, die die Nacht bringt, und schließlich Diana für den Mond.

Wie zu sehen ist, sind die Charaktere zwar ausdrücklich griechisch, die Namen, die ihnen von Disney-Künstlern gegeben wurden, sind jedoch oft die römischen Äquivalente.

Name im Film Griechischer Name des Charakters
die Fauna die Satyrn
Bacchus Dionysos
Vulkan Hephaistos
Morpheus
Nyx
Zeus
Iris
Apollo
Diane

Bezüglich dieser Sequenz war Beethovens Synthese nicht das einzige Anliegen. Die Hays-Kommission verordnete daher das Tragen von Blumen- BHs für weibliche Zentauren, damit die Szenen weniger unbescheiden wirken. Der Brief der Kommission, so Koenig, ist vom 24. November 1939 datiert und warnt Disney: „Gegen die Möglichkeit, bestimmte Figuren wie im zweiten Satz von Beethovens Symphonie solche, die als weibliche Zentauren beschrieben werden, mit zu viel Realismus darzustellen. "

Eine Nacht auf dem kahlen Berg und Ave Maria, ein dämonisches Finale, dann leuchtend

John Grant stellt fest, dass der Abschluss von Fantasia mit der Abfolge von A Night on the Bald Mountain und Ave Maria von Schubert hauptsächlich vom Bild des Dämons Chernobog getragen wird . Diese Figur wurde von Bill Tytla animiert und hat Tytla mit knapp zehn Sekunden auf dem Bildschirm bedeutende Anerkennung und sogar die Qualifikation für "Genie" eingebracht. Die vorbereitenden Skizzen wurden von der dänischen Illustratorin Kay Nielsen in Pastellfarben angefertigt, die dank Animator Joe Grant von Disney angeheuert wurde.

Tytla erzählt John Canemaker 1976 in Cinefantastic, dass er einfach ein wenig über Mussorgsky gelesen habe, letzterer mit ukrainischen Begriffen wie "Chorni-bok", schwarzer Kunst, und dass er diese Idee adaptiert habe, um die Szene zu beleben. Laut Lambert lautet die Legende wie folgt: „Jeden 24. Juni halten die Hexen einen Sabbat auf dem Triglav bei Kiew  “, aber es handelt sich um den Gott Svarog / Bělbog , den Gegenpol zu Tschernobog .

Allan weist darauf hin, dass der Einfluss von Nielsens Werk besonders in den ersten und letzten Bildern des Mont Chauve – denen von Landschaften – und im Ave Maria sichtbar ist , ebenso wie der Einfluss des Films Faust, eine deutsche Legende (1926) von Friedrich Wilhelm Murnau . Die Landschaften erinnern an die Stiche von Hokusai oder Hiroshige , denn Nielsen war fasziniert von der Kunst des Fernen Ostens. Der Teil des Ave Maria ist von der romantischen Kunst inspiriert , ohne jedoch die Präzision europäischer Werke, insbesondere der "strengen und mystischen" Werke von Caspar David Friedrich, zu erreichen .

Für Grant ist es die Animation von Chernabog, die dem Filmmaterial seine Meisterwerkqualität verleiht, hauptsächlich mit seiner Erscheinung auf dem Berg. Auf der anderen Seite führt die Animation Disney in damals unbekannte "troubled waters", die Darstellung des Dämons, einige Jahrzehnte vor The Exorcist (1973).

Die Sequenz kombiniert erotische Beschwörungen wie nackte Feuertänzer, dämonische Götzendienste, Geister ... mit christlichen Symbolen, wie der Pilgerfahrt von Fackeln in einem Wald mit gotischer Anmutung. Für den durchschnittlichen Zuschauer ist der Übergang zwischen Mont Chauve und Ave Maria "ein perfekter Kontrast, um den Einfluss des Dämons zu beruhigen", aber einige Kritiker argumentieren, dass "eine solche Gegenüberstellung mit den Implikationen dieses nekromantischen Dramas eine monströse Mischung aus zweien ist". Musikstücke ".

Ein Sound auf dem Höhepunkt der Animation, der Fantasound

Fantasia ist der einzige Film, der vom Fantasound- System profitiert , einem der allerersten stereophonen Verfahren, dem Vorfahren des Surround- Sounds , das von William E. Garity und John NA Hawkins von 1938 bis 1940 für Disney-Studios entwickelt wurde. Dafür kauften die Studios von Walt Disney Pictures acht Niederfrequenzoszillatoren des Typs 200B von der jungen Firma Hewlett-Packard zu je 71,50 Dollar, um die Soundeffekte des Films Fantasia zu synchronisieren .

Der Dirigent Stokowski hat viel in den Film investiert, und für Leonard Maltin hat seine Anwesenheit Disney zweifellos dazu gebracht, ein System zur Tonwiedergabe von besserer Qualität als die Systeme der Zeit zu entwickeln. Disney beauftragte sein Team von Toningenieuren, das damals von William E. Garity geleitet wurde, ein umfassenderes Tonaufnahme- und Wiedergabesystem für den Film zu entwickeln. Barrier beschreibt das System als "dimensional". Die ersten Tonwiedergabetechnologien wie das Vitaphone und das Movietone hatten nicht die gewünschte Wiedergabe, die eines Konzertsaals. Das System verfügt über 11 Lautsprecher, acht hinter dem Bildschirm in zwei Reihen und drei im hinteren Teil des Raums.

Der Satz von Aufnahmen stellt 420.000 Fuß (128.016 m) Band dar, das gemischt und so angeordnet wurde, dass es auf die 18.000 Fuß (5.486,4 m) des letzten Bandes des Films passt . Der Soundtrack für den Film wurde 1938 während einer zweimonatigen Sitzung an der Philadelphia Academy of Music auf neun Aufnahmekanälen aufgenommen, einem für das gesamte Orchester und acht für bestimmte Sektionen über 33 im Orchester verteilte Mikrofone.

Für die Restitution ließ Disney einen Prototypen von RCA bauen , der 100.000 US-Dollar kostete, und dann mehrere andere für Theater zu einem Stückpreis von 30.000 US-Dollar. Bei der ersten Vorführung in New York wurde sein 2000-Sitzer-Auditorium mit dem Fantasound- Wiedergabesystem ausgestattet , das mit vier Bändern (einschließlich einer Steuerung) die neun Aufnahmebänder wiedergab und dann über 90 Lautsprecher abspielte.

Kinostart

Mit all diesen Produktionselementen wird das Budget von Fantasia laut den Autoren auf 2,2, 2,25, 2,28 oder 2,3 Millionen US-Dollar geschätzt, verglichen mit dem von Schneewittchen fast 1,5 Millionen und insbesondere das von Pinocchio, das im selben Jahr veröffentlicht wurde und sich 2,6 nähert Millionen US-Dollar. Jerry Beck weist darauf hin, dass allein die Musik 400.000 Dollar gekostet hat.

Zu Beginn des Jahres 1940, das Disney - Studio von einer angesehenen Aura profitiert, dass die Qualität Filme zu produzieren, die kürzlich erfolgte Freilassung von Pinocchio gelungen Schneewittchen , die beide für ihre Qualitäten anerkannt. Im März 1940 wurde der Kurzfilm Le Vilain Petit Canard (1939) zur „Nummer Sechs der Disney-Kurzfilmparade, die sechs Jahre in Folge einen Oscar gewann“. Diese Elemente verstärken Disneys Idee einer qualitativ hochwertigen Kulturprogrammierung für Fantasia .

Zwei Farmen, schwierig

Walt Disney hatte sich eine erste Wandersendung gewünscht, etwa eine Konzerttour durch die USA mit dem Fantasound- System, musste sich aber danach entschließen, den Film in traditionellen Kinos anzubieten.

Eine Wandershow

Das sich entwickelnde kinematografisch-musikalische Showkonzept erklärt zum Teil, warum die anfängliche US-Veröffentlichung des Films als Wandershow stattfand, begann am 13. November 1940am Broadway Theatre in New York , vertrieben von Walt Disney Productions und nicht von RKO Pictures wie andere Produktionen der Zeit. Diese direkt vom Produzenten angebotene Vertriebsform war in den 1930er Jahren prestigeträchtigen Produktionen vorbehalten, Aufführungen wurden oft von einer Ausstellung begleitet, blieben aber auf große städtische Gebiete beschränkt. Um den Zuschauern zu helfen, den Film zu verstehen, hat das Disney-Studio ein 32-seitiges Booklet bereitgestellt, das die Ideen des Films erklärt und Informationen zu jedem Musikwerk enthält. Dieses Booklet wurde zwischen 1940 und 1941 in allen Kinos bereitgestellt. Auch dies erlaubte Zuschauern, die keine Kenntnisse hatten oder ausreichende Perspektive, um sich nicht allein mit den Interpretationen und Urteilen der Kritiker zufrieden zu geben. Bei der Veröffentlichung stellte das Broadway Theatre Souvenir Program , ehemals Colony Theatre, wo 1928 das erste Mickey Mouse Steamboat Willie veröffentlicht wurde, fest, dass „von Zeit zu Zeit die Reihenfolge und Auswahl der Kompositionen in diesem Programm ändern kann. Walt Disney hoffte, Fantasia mehr zu einem kulturellen Ereignis als zu einem Film zu machen. Um canvass Theater und verkaufen Fanta Ausrüstung , heuert das Studio Verkaufsvertreter wie Irving Ludwig , der Präsident des geworden Buena Vista Verteilung .

Die Premiere in New York hätte aufgrund einer gewerkschaftlichen Meinungsverschiedenheit über die Zuständigkeit für die Installation von Fantasound- Tonanlagen zwischen der International Alliance of Theatre Workers und der International Brotherhood of Electrical Workers fast nicht stattgefunden , aber schließlich ein paritätischer Kompromiss mit Rotationen über 24 Stunden wurde gefunden.

Die Ereignisse haben sich dann verschlechtert. Einerseits mussten die Probleme im Zusammenhang mit der Fantasound- Ausrüstung geduldig sein, andererseits konnte die Unterstützung von Disney das Ende des Krieges nicht abwarten, das Hauptproblem scheint die Lieferung zu sein. Die technischen Besonderheiten des Fantasound erforderten erhebliche Investitionen für Kinos. Der zweite mit Fantasound ausgestattete Raum wurde erst drei Monate später, im Januar 1941, in Los Angeles eröffnet , dann in den folgenden Monaten in zwölf weiteren Räumen.

Maltin erwähnt auch einen Staatsgrund: Als das zwölfte Fantasound- System geliefert wurde, erinnerte die Regierung RCA und Disney daran, dass die nationale Verteidigung Priorität hatte und die Produktion neuer Einheiten eingestellt wurde. Mit diesen zwölf verfügbaren Fantasound- Geräten ist die geplante landesweite Veröffentlichung in dieser Qualität in 76 Kinos unmöglich geworden. Der Film konnte daher nur in seiner Produktionsversion in 14 Kinos gezeigt werden. Eines der Hindernisse für das Projekt „Film-Konzert“ war daher die Investition in das Fantasound- Equipment (siehe unten ).

Diese Operation war für John Grant "fast eine Katastrophe", denn wie jeder weiß, "wählt die Öffentlichkeit mit ihren Füßen" und nur wenige Leute gingen zu dieser ersten Veröffentlichung, obwohl es dann ein Jahr dauerte. Grant gibt als Erklärung die auf 14 begrenzte Anzahl von Räumen an, aber auch, dass das potenzielle Publikum "von der scheinbar kulturellen Seite des Films zurückgehalten wurde und ein leichteres Hobby als Bach, Beethoven, Strawinsky oder Dukas vorzog". Diese Reiseversion war jedoch mit einer Dauer von zwei Stunden die Originalversion.

Es setzte seine Reise für ein Jahr fort, aber als sich die Installation des Fantasound- Systems , das in jeder Phase Stereohören ermöglichte, als zu teuer erwies, musste es aufgegeben werden. Der Jahresbericht 1940 weist ein Betriebsergebnis der Wanderausstellung von 325.183,91 Dollar aus, weit entfernt von den Produktionskosten von 2,3 Millionen Dollar. In vielen Fällen überstiegen die Installationskosten die erwarteten Einnahmen und die Theater lehnten die Installation daher ab.

Ein normaler Ausflug, aber in einem schwierigen Klima

Es entstand eine Version „mit konventionelleren Soundtracks“ (laut Maltin) und „kürzer nach Wunsch des Verleihers“ (laut Grant). Diese neue Version wurde auf 88 Minuten gekürzt, hauptsächlich durch das Ausschneiden der Zwischenspiele und der Interventionen des Erzählers, dann von RKO Pictures in den Vereinigten Staaten verteilt, von der from29. Januar 1941. Grant gibt an, dass RKO bei Disney darauf bestand, den Film zu kürzen, aber er weigerte sich, dies zu tun, da der Autor der Kürzungen nicht angegeben wurde.

Disney hatte bereits versucht, das schlechte Ergebnis von Pinocchio zu kompensieren, indem er bereits im Juli 1940 Schneewittchen und die sieben Zwerge in den USA und Kanada veröffentlichte, gepaart mit vier Kurzfilmen, er konnte es nicht mehr tun. Trotz der Veröffentlichung von Fantasia in herkömmlichen Kinos verbesserte sich die Atmosphäre nicht und einige Monate später brach der Streik in den Disney-Studios aus.

Das Finanzergebnis von Fantasia ist so niedrig wie das von Pinocchio , letzteres erklärt sich unter anderem durch das Fehlen von Einnahmen aus dem europäischen Markt, der zu dieser Zeit 45% der Einnahmen der Disney-Studios ausmachte, aufgrund des Ausbruchs des Zweiten Weltkrieges . Bambi ist wie Fantasia eine Finanzgrube, die drinnen wenig Geld sammelt.

War der erste Spielfilm fertig, wurde der Evolutionsgedanke hingegen aufgegeben. Schließlich ist das Fantasia- Abenteuer für Walt Disney eine Quelle mehrerer Enttäuschungen: die Einstellung des Wanderkonzertprojekts, die Verpflichtung, eine gekürzte Version zu erstellen, um seinen Vertrieb zufrieden zu stellen, und das finanzielle Ergebnis, das das sich entwickelnde Programmprojekt erstickt. Das Prinzip der Sequenzen wurde für andere Filme wiederverwendet, hauptsächlich in den 1940er Jahren, um die geringen Einkommen von Pinocchio und Fantasia aufgrund des Zweiten Weltkriegs auszugleichen . Mitte der 1990er Jahre griff Walts Neffe Roy Edward Disney das Konzept auf und begann mit der Produktion von Fantasia 2000 (1999).

Der Film durch die Jahrzehnte

Trotz seiner katastrophalen Erstveröffentlichungen wurde der Film zahlreiche Male wiederveröffentlicht und das sich entwickelnde Filmprojekt bleibt in der Disney-Geschichte verankert. Für Grant hat der Film Fantasia seit seiner Veröffentlichung die Herzen des Publikums erobert und seine "erbärmlichen" Anfänge vergessen, vielleicht "dank einer künstlerischen Liberalisierung, die falschen Purismus für ein Multimedia-Erlebnis ablehnt" oder vielleicht "zu tun". unser Mangel an kritischem Denken gegenüber unseren Älteren “.

Maltin zählt zuerst die folgenden Veröffentlichungen 1946, 1953, 1956, 1963, 1969 auf und erklärt dann, dass der Film in ständiger Repräsentation ist, die IMDB-Site bestätigt diese Daten für die Vereinigten Staaten und fügt 1977, 1982, 1985 und 1990 hinzu Film wurde im Superscope- Format gezeigt , einem erweiterten Format, das Disney für den Film gewünscht hätte. Jimmy Johnson erwähnt ein Dutzend Auftritte zwischen 1940 und 1975 in den Trafalgar Studios  (in) in London .

Die Gründung von Disneyland Records im Herbst 1956 , um Aufzeichnungen über die Geschichte von Pinocchio zu veröffentlichen , ermöglichte 1957 die Veröffentlichung eines Drei-Disc-Box-Sets mit der kompletten Fantasia . Bei dieser Gelegenheit musste der Direktor der jungen Kompanie, Jimmy Johnson, mit Stokowski die Rechte an phonographischen Vervielfältigungen verhandeln, die er unter der unabdingbaren Bedingung von 5% Lizenzgebühren für ihn und 2,5% mehr für die Philadelphia Orchestra Association akzeptierte .

In den 1960er Jahren wurde eine Szene, die den kleinen schwarzen Pegasus namens Baby Pegasus zeigt, der die Hufe seiner helleren Geschwister glänzt, aufgrund von Rassismus-Vorwürfen geschnitten, zu der Zeit stammten die meisten Schuhputzer in amerikanischen Schuhen noch aus der schwarzen Bevölkerung. Koenig weist darauf hin, dass es sich um einen Ebenholzbüsten-Zentaur und nicht um einen Pegasus handelt, während die Anwesenheit von zwei Zentauretten mit Zebrakörper, die Bacchus umgeben, auf ein heimliches Aussehen reduziert wurde. Die Schnitte wurden gemacht, ohne darauf zu achten, die angrenzenden Teile neu zu synchronisieren. Die Veröffentlichung von 1969 verursachte ein weiteres Phänomen, als die Hippie-Bewegung mit dem Film unter dem Einfluss psychotroper Halluzinogene experimentierte . David Koenig sieht darin ein Revival des Films, dem das von Alice im Wunderland (1951) folgen wird . Der Filmkanal der National General Theatres startete sogar eine Werbekampagne, in der Fantasia als zweiter Easy Rider angepriesen wurde (1969).

In 1977 wurde eine Version des Films mit Ton erzeugt Stereokanäle remixed aber Studio Beamte vorgeschlagen , den Soundtrack wieder mit dem dann im Entstehen begriffenen technologischen Fortschritt von remake Dolby Stereo . Irvin Kostal, Arrangeur von Mary Poppins (1964), beaufsichtigte diese neue Adaption, die 1982 in Dolby veröffentlicht wurde, und seine Aufgabe war es, die Stokowski-Aufnahme neu zu erstellen, wobei er manchmal Bild für Bild agierte. Die Adaption wurde im selben Jahr auch auf CD angeboten. Seine Arbeit hat den Tonschnitt, der durch das Fehlen einer Szene mit dem schwarzen Pegasus / Zentaurenschnitt seit den 1960er Jahren aus rassischen Gründen verursacht wurde, minimiert. Diese Version ist auch durch das Verschwinden der Stimme von Deems Taylor gekennzeichnet, deren Erzählung jetzt von Schauspieler Tim Matheson gesprochen wird . Diese Veränderungen haben laut Maltin Disney-Puristen angepisst. In den 1980er Jahren änderte das Videomedium den Disney-Zeitplan von regulären Veröffentlichungen zugunsten eines Systems geplanter Veröffentlichungen in kurzen Zeitfenstern, die einen künstlichen Mangel füllten.

In 1990 wurde der Film von den ursprünglichen Filmnegative restauriert, Entfernen von Kostal Arrangements, die Film fünfzigsten Jahrestag zu feiern, darunter eine Videoausgabe. Die Videobearbeitung war mit über 9,1 Millionen Exemplaren ein kommerzieller Erfolg. Dieses Ereignis war mit der Entdeckung einer Möglichkeit verbunden, eine Sequenz, die damals als für immer verloren galt, vollständig zu rendern, Moonlight . (Siehe unten)

Beständigkeit des sich entwickelnden Musikfilmkonzepts

Das sich entwickelnde Musikfilmprojekt funktionierte zunächst nicht, aber die begonnenen Projekte wurden für nachfolgende Produktionen wie Moonlight und Peter and the Wolf verwendet, die beide als Sequenz in The Music Box (1946) verwendet wurden, oder der Flug der Drohne für Bumble Boogie in Mélodie Cocktail (1948). Die Sequenzen von Peter and the Wolf und Bumble Boogie hatten zum Zeitpunkt der Veröffentlichung von Fantasia noch nicht begonnen , wurden aber danach abgeschlossen.

In den 1980er Jahren entstanden verschiedene Projekte, darunter eines, das André Previn in seinen Memoiren No Minor Chords erwähnte und von Jeffrey Katzenberg vorgeschlagen wurde , eine der Musik der Beatles gewidmete Fantasie zu machen . Grant weist darauf hin, dass eines der Projekte Musicana hieß, aber aufgrund der Nichterneuerung der Animatoren nach mehreren Jahren der Verkleinerung dieses hochwertige Projekt nicht das Licht der Welt erblicken konnte.

In den 1990er Jahren steht das Disney-Animationsstudio unter der Leitung von Roy Edward Disney , Walts Neffe, der das Fantasia- Projekt mit klassischer Musik neu auflegt , es wird Fantasia 2000 sein . Aber ungefähr zu dieser Zeit, mit der Videoveröffentlichung des Films, nicht vorhandener Unterstützung während der Produktion und wie Peggy Lee für La Belle et le Trochard (1955), verklagte das Orchester des Films das Studio erfolgreich auf Entschädigung für Einnahmen aus dem Verkauf von Kassetten.

Moonlight, die achte Sequenz

Unter den für den Film geplanten zusätzlichen Sequenzen fällt eine besonders auf. Der Kurzfilm Clair de lune , basierend auf Clair de lune von Claude Debussy , war fast fertig, vollständig animiert und mit Ton. Es war bis Juli 1939 in der Aufstellung enthalten, kam aber nie heraus. Anfang 1940 wurde diese achte Sequenz von Fantasia aufgrund der Länge mit den vorhandenen sieben Sequenzen nicht in den Film aufgenommen.

Im Februar 1942 wurde der Film für spätere Dreharbeiten in Technicolor bemalt und eingefärbt, aber nicht gezeigt. 1946 wurde es dennoch komplett überarbeitet, geschnitten und neu aufgenommen, um die Blue Bayou- Sequenz von La Boîte à musique (1946) zu werden, die nach Maltin „inkognito“ ausgestrahlt wurde. Bis 1992 scheiterten Versuche, die Originalfassung von Clair de Lune nachzubilden, an den fehlenden Schnittanimationen für Blue Bayou und Abschnitten mit Stokowski. In diesem Jahr wurde eine funktionierende Version der Sequenz auf Nitratfilm gefunden und nach der Restaurierung konnte die von Disney gewünschte Arbeit gefunden werden. Laut dem zu Beginn des Films vorhandenen Copyright wurde die Fassung 1996 fertiggestellt

EinzelhandelssymbolDetaillierte Mondschein- Zusammenfassung Stokowski erscheint von vorne auf blauem Grund, dann seine Animateure und wieder der Dirigent von hinten, bevor ein Vollmond am leicht bewölkten Himmel erscheint. In einem nebligen Bayou bewegt sich die Kamera auf ein nachts schlafendes Dickicht zu. Ein Reiher schläft dort und wacht dann auf. Nach ein paar Schritten im Wasser, das sich an der Oberfläche kreist, fliegt der Vogel durch die Bäume davon. Es entsteht neben einem Wasserfall, der von einer Wurzel gebildet wird. Der Mond spiegelt sich im Wasser, gestört von einigen Wellen. Ein anderer Vogel spaziert im Wasser, sucht Nahrung und fliegt dann weg, dann schließt sich der erste an. Die beiden Vögel fliegen in der Nacht davon und verschmelzen dann mit der Dunkelheit, bis die Silhouette des Schaffners wieder auftaucht.  

Filmanalyse und Kritik von Kritikern

Steven Watts schreibt, dass Schneewittchen und die sieben Zwerge , Pinocchio , Fantasia , Dumbo und Bambi zu einem zentralen und manchmal beliebten Teil des Vermächtnisses des Studios geworden sind, indem sie einen kreativen Meilenstein gesetzt und eine komplizierte Verflechtung von künstlerischen Elementen und Unterhaltung gezeigt haben. Der Film Fantasia ist aufgrund seines zusammengesetzten Charakters als Ganzes schwer zu analysieren; gemeinsame Achsen unterstützen jedoch die verschiedenen Sequenzen sowie die anderen Disney-Produktionen der Zeit. Aus diesem Blickwinkel ist die Arbeit, abgesehen von den sehr zahlreichen Analysen Sequenz für Sequenz, am besten untersucht. Punch- Kritiker Richard Mallet sagt: "Es ist außerordentlich schwierig, etwas Nützliches über [den Film] zu sagen... Aber natürlich ist das Ganze ein interessanter Flickenteppich." Die Rezeption des Films durch die Spezialisten - die Kritiker - ist geprägt von einem Ton, der den Eindruck erweckt, "dass sie mit Fantasia nicht immer zärtlich waren  ", sondern sich oft auf einen der Aspekte Film konzentrierten, hauptsächlich nach ihrem Beruf, ihr Fachgebiet.

Die häufig diskutierte, aber selten analysierte Hauptachse ist die Geburtsstunde des Films, die ständige Verbesserung der Disney-Produktionen. Ein weiterer wiederkehrender Punkt ist die Beschwörung des eigentlichen Konzepts des Films. Viele Autoren listen die Entlehnungen von meist europäischen Künstlern aller Kunstformen auf.

Allan erwähnt zwei weitere Achsen: das zyklische Thema der natürlichen Ordnung, das von Cartmill aufgegriffen wurde (siehe unten) und das Thema der Ausübung dieser Macht, die diese Natur beherrscht.

Innovation und Technologie

Der Film Fantasia zeigt die Bedeutung, die Innovation und der Einsatz von Technologie in der Geschichte von Walt Disney und seinem Studio beigemessen wird. Als Beweis wurde die Veröffentlichung des Films im Januar 1941 von einem Artikel in der Zeitschrift Popular Science begleitet, aber auch die Ehrenoscars, die für den Fantasound und das Werk Fantasia verliehen wurden . Zu einer Zeit, in der sich Walt Disney in einer Blütezeit befindet, ist er laut Robin Allan "der Zauberer oder Zeus, der die Elemente kontrolliert". Seit der ersten Mickey Mouse im Jahr 1928 sind Disney-Produktionen ein Synonym für Innovationen, mit der Verwendung von synchronisiertem Ton, Farbe, dem ersten Spielfilm, der Verwendung der Multiplane-Kamera für die berühmtesten. Walts Haltung beruht auf seinem "Beharren auf technischer Exzellenz", "seinem Gefühl, seine Filme als Werke zu verkaufen". Allan fügt hinzu, dass Disney und Stokowski "einen kindischen Enthusiasmus für Technologie hatten".

Allan machte den Film zu einer Weiterentwicklung der Silly Symphonies, die "Musik und Animation ohne bestimmte Charaktere oder die Verwendung von Gags erforschten", von denen Vilain Petit Canard im April 1939 das Ende markierte. Diese Reihe von Kurzfilmen, wie die Mickeys Mouse, haben verwenden seit fast ihren Anfängen Auszüge aus klassischer Musik.

Für Maltin ist Fantasia eine "Hommage an die Virtuosität des Teams von Animatoren und Künstlern von Walt Disney" nach all den Bemühungen, die in den 1930er Jahren an Mickey Mouse , den Silly Symphonies , Snow White and the Seven Dwarfs ( 1937 ) und auch Pinocchio .

Einer der Gründe für diese Virtuosität ist das Schulungsprogramm für Moderatoren . Einige Animatoren befürchteten, dass diese Suche nach Qualität sie zu einem totalen Realismus in der Animation treiben würde, zu ihrer katastrophalen Bedeutung, aber als Antwort auf ihre Angst zeigt der Film Fantasia , dass "ihre Kunst mit Hilfe der Vorstellungskraft und der Technologien die Gelegenheit, Fantasie sichtbar zu machen, eine Chance, die sich nie wieder ereignen würde“. Fantasia ist Walt Disneys erster und letzter Versuch, einen Film mit dem Anspruch zu machen, ein Kunstwerk zu sein. Maltin kündigt an, dass viele Kritiker "Disney zu seiner Kühnheit gratulierten, zuerst ein solches Experiment durchzuführen".

Unter den Innovationen, die verwendet wurden oder nicht, können wir erwähnen:

Walt Disney sagte bei der Veröffentlichung des Films: „  Fantasia ist zeitlos. Er kann zehn, zwanzig, dreißig Jahre weitermachen. Fantasie ist eine Idee für sich. Ich werde nie wieder eine Fantasia machen können . Ich kann es verbessern. Ich kann es detailliert beschreiben. Das ist alles ". Es kann mehr als eine Hommage sein, wenn der Name des Magiers, der in der Sequenz des Zauberlehrlings zu sehen ist, Yensid ist , Disneys umgekehrtes Anagramm .

Aber wie Allan betont, lassen die schlechten Ergebnisse von Pinocchio und Fantasia sowie der Streik der Animateure seines Studios die Sequenz des Zauberlehrlings wie Vorahnungen erscheinen und noch mehr, wenn man Mickey als das Alter Ego von Walt betrachtet.

Das umstrittene Konzept der musikalischen Visualisierung

Der Musiker Martial Robert sagt, dass Fantasia der zweite Versuch ist, Musik und Bild zusammenzubringen, bevor das Fernsehen entstand , wobei der Film zu einem Vorläufer des Mediums wurde, wobei Disney einen ersten Versuch mit den Silly Symphonies unternommen hatte .

Aber dies ist nicht der erste Versuch, Musik visuell zu machen. Allan erinnert damit an das Clavilux des Dänen Thomas Wilfred, eine Orgel, die mit einem System verbunden ist, das Licht auf eine Leinwand projiziert und in den 1920er Jahren erfunden wurde und Stokowski sogar in einer Aufführung von Scheherazade von Rimsky-Korsakov und in einer von Prométhée von Alexander Skrjabin verwendet . Walt Disney erinnert sich sogar daran, dass er 1928 eine Demonstration davon gesehen hat, was wahrscheinlich ist, weil Wilfred seine Erfindung 1925 in Paris während der Art-Deco-Ausstellung sowie einer Tour durch die Vereinigten Staaten, die durch Los Angeles zum Neighborhood Playhouse führte, präsentierte . Darüber hinaus wandte sich der Schweizer Künstler Charles Blanc-Gatti , abstrakter Künstler und Musiker-Kolorist, der an der Pariser Ausstellung von 1925 teilnahm, während seiner Europareise 1935 an Walt Disney, um ihm anzubieten, einen abstrakten Film zu drehen, einen Vorschlag, den Disney ablehnte . Während der europäischen Veröffentlichung im Jahr 1946 erinnerten Kritiker wie D. Chevalier daran, dass "die Ideen, Formen und Charaktere von Fantasia größtenteils einem Katalog einer Ausstellung von Musikmalern entnommen wurden, die 1932 in Paris stattfand".

Kurz vor der Premiere von Fantasia schrieb das New York Times Magazine : „Der Disney, der die Märchenfiguren hier zum Leben erweckte, hat die Musik von der Bühne losgelassen, sie fließen und aus dem Zuschauerraum kommen lassen, und er gibt eine neue Dimension und ein neues“ Reichtum“. Trotz der zuvor erreichten Animationskünste wurde Disney mit Fantasia "nicht mehr in der unprätentiösen Sphäre von Kindheit und Märchen, sondern in der Arena der High Art  " beurteilt . Maltin und Telotte verkünden, dass der erste von den Kritikern beanstandete Punkt die Idee, das Konzept von Fantasia ist  : die Visualisierung von Musik; diese kunst ist für viele nicht dazu gedacht, visualisiert zu werden, und dass (Disney) dadurch eine der intrinsischen qualitäten der musik entzieht, den hörer seine eigenen gedankenkonzepte kreieren zu lassen.

Für Michael Barrier ist „  Fantasia mit Abstand der ambitionierteste aller Disney-Filme“. Für Daniel Goldmark ist Fantasia "der ambitionierteste Versuch, klassische Musik in die Animation zu integrieren" und "bietet eine sehr positive Vision der Kultur des Konzertsaals und der Menschen, die seine Musik machen". Die technologische Errungenschaft des Fantasound , die 10 Jahre älter ist als der Surround-Sound , hat es dem Disney-Studio ermöglicht, eine Prestigequelle zu gewinnen. Während Musik oft eine Inspiration für Animationsfilme ist, ist der Hauptunterschied zwischen Fantasia und anderen Animationsfilmen von Disney oder Konkurrenten wie Warner Bros. , ist, dass bei Fantasia die Musik keine Quelle des Komischen ist, sondern ernst genommen werden muss und dank ihrer Länge der Musik ein Prestige, eine Wucht verleiht, eine "gut gemeinte Hommage an den Kanon dieser Kunst". Goldmark stellt auch fest, dass der Film Fantasia im Gegensatz zu den vielen Kurzfilmen, die klassische Musik verwenden (einschließlich Disneys Silly Symphonies ) und „unter dem Radar der Musikkritiker verschwunden zu sein scheinen“, weitgehend Gegenstand von Kritiken oder Kritiken war.

Bill Capodagli und Lynn Jackson schreiben, dass „die Partnerschaft mit Stokowski Disney in kreativer und künstlerischer Hinsicht gute Dienste geleistet hat und einen großen Fortschritt in der Verschmelzung von Animation, Farbe und Ton darstellt“ und dass „obwohl der Film ein finanzieller Misserfolg war… reiche Lektionen und Wissen, die immer wiederverwendet werden können ”

Pierre Lambert resümiert die Kritiker nach der Premiere am 13. November 1940 in New York: „Die Kritiker lobten einstimmig Mickey in seiner besten Rolle, hielten den Film aber trotz seiner Kühnheit und Originalität für ungleichmäßig und zu lang. Die Hauptkritikpunkte betrafen die Freiheiten, die sich Stokowski bei der musikalischen Interpretation genommen hat“, und er schließt daraus: „  Fantasia gehört heute zu den Klassikern des Weltkinos“.

Maltin erwähnt, dass in den 1970er Jahren bestimmte Sequenzen als psychedelische Erfahrungen angesehen wurden, die unter dem Einfluss von Drogen zu sehen waren. Art Babbitts Antwort zu diesem Punkt über die Sequenz von Pilzen, die er animierte, war, dass er auch mit Ex-Lax und Feenamint betäubt wurde ( zwei Abführmittel ).

Zur gleichen Zeit erinnert sich Stokowski während eines Treffens mit einem Journalisten am Royal College of Music im Jahr 1971 an die vielen Briefe von Leuten, die ihm dafür danken, dass er Fantasia gemacht hat , dafür, dass er ihnen mit diesem Film erlaubt hat, ihre irrationalen Ängste zu exorzieren Konzertsaal und lieben die Meisterwerke der Musik.

Künstlerische Anleihen aus Europa

Während Pinocchio in erster Linie von Gustaf Tenggren und Albert Hurter beeinflusst wird , die beide bereits an Schneewittchen und den sieben Zwergen arbeiten , ist Fantasias Stil für Allan "verschiedener und vielseitiger". Er beschreibt Fantasia als „ein zusammengesetztes Repertoire voller Bilder aus der westlichen Kunst“.

Der Film absorbierte europäische Quellen und reproduzierte sie für ein amerikanisches Massenpublikum in einer Vielzahl von Stilen, von akademischer über neue Kunst bis hin zu abstrakter Kunst. Der vorherrschende Stil bleibt der Art déco, der in vier, fast fünf der acht Sequenzen präsent ist.

Alle Musikwerke stammen von europäischen oder russischen Autoren. Fantasia , so Allan, zeige, dass „die Sorge um die Popularisierung klassischer und moderner Musik sehr präsent ist“. Allan erinnert so an die Verwendung des Diagramms eines griechischen Theaters für die Dekoration des Stundentanzes .

Mehrere Autoren sind sich über einen starken deutschen Einfluss einig. Für Girveau zeigt der Film Fantasia mit Une nuit sur le mont Chauve / Ave Maria und L'Apprenti Sorcier den starken Einfluss der deutschen Kunst, des Expressionismus aber auch der Literatur, Malerei und Druckgrafik, zum Beispiel Gedicht The Sorcerer’s Apprentice ist von Goethe während die Lichteffekte von Une nuit sur le Mont Chauve erinnern an Murnaus Faust . Die anthropomorphen Werke des Deutschen Heinrich Kley beeinflussten die Darstellungen der Tänzer des Stundentanzes . Oskar Fischinger , deutscher Regisseur, arbeitete an abstrakten Werken und inspirierte nach seinem Weggang die „flüchtigen Bilder“ von Toccata und Fuge in d-Moll . Das Ave Maria ist von romantischer Kunst insbesondere Caspar David Friedrich inspiriert . Der Expressionismus Deutsch ist in der Zauberlehrling und Nacht auf dem kahlen Berg präsent .

Die Nussknacker- Sequenz mit ihrer Vegetation, ihren Tänzen und dem Einsatz von Feen hat ihre Wurzeln in britischen Werken wie Ein Sommernachtstraum von William Shakespeare oder Präraffaeliten wie William Holman Hunt , Richard Dadd aber auch dem Franzosen Gustave Doré .

Allan findet mehrere Inspirationsquellen für die Pastoral Symphony , die vom Einfluss des Schweizers Albert Hurter und des Jugendstils geprägt ist  :

Für Alfred Berchtold inspiriert der Film Fantasia den Schweizer Komponisten Émile Jaques-Dalcroze dazu, über „das Werk der synthetischen Kunst“ nachzudenken, ein Werk, das uns erlaubt, in der Verflechtung der Künste weiter zu gehen, über das Theater hinaus, in dem „Die Elemente der of zeigen, bleiben oft heterogen“. Jaques-Dalcroze erklärt über den Film, „dass eine neue Kunst geboren wird, dass eine Tür zur Zukunft offen steht“.

Allan stellt jedoch einen stilistischen Zusammenhalt in Fantasia fest , der teilweise auf Art Deco basiert , zu dieser Zeit in der Architektur sehr präsent war und in vielen kalifornischen Gebäuden, öffentlich oder nicht, aufgegriffen wurde. In Fantasia entdeckt Allan den eklektischen Stil des Art Deco in den semi-abstrakten Formen der Toccata und Fuge , den Landschaften des Nussknackers und der Pastoralen Symphonie , in den Vertonungen des Stundentanzes und in der Plastik des 'Ave . wieder Maria .

Mythologie, Religion und die Kraft der Natur

Der Film basiert für mehrere Sequenzen auf europäischen Geschichten. Diese Elemente sind im weitesten Sinne von Mystik durchdrungen: In einer Welt, die von missverstandenen Kräften beherrscht wird, durchkreuzen andere Kräfte die natürliche Ordnung der Dinge, bevor sie zur Ruhe zurückkehren.

  • Griechische Mythologie zur Pastoralsymphonie .
  • Das Gedicht Der Zauberlehrling aus dem Jahr 1797 von Goethe
  • Die ukrainische Legende von Triglav für Eine Nacht auf dem kahlen Berg .

Über diese Kredite leicht zu identifizieren Europa, Fantasie spiegelt eine Form von Animismus , philosophischen Modewort in einem Europa , das neu entdeckt das Ende des XIX - ten  Jahrhunderts primitiven Kulturen. Allan erinnert an die natürliche Ordnung, den Kreislauf der Natur und die Kräfte, die sie bewohnen. Mark Pinsky schreibt: „Trotz des Fehlens einer verbindenden Geschichte bietet Fantasia Bilder und Sequenzen mit Implikationen und Botschaften: inspirierend und verstörend, subtil und stark, wissenschaftlich, heidnisch und christlich“.

Matt Cartmill ist der Ansicht, dass die Sequenzen Une nuit sur le Mont Chauve / Ave Maria und L'Apprenti Sorcier , wie viele Disney-Kurzfilme, insbesondere die Silly Symphonies , eine Harmonie-Chaos-Harmonie-Erzählungsstruktur aufweisen, bei der "von einer Initiale ausgehend" Harmonie, die Welt entwickelt sich im Chaos und findet am Ende ihre Harmonie. Allan spricht in diesem Zusammenhang von einer "gestörten natürlichen Ordnung, die sich entwickelt, wiedergeboren wird, sich in einer letzten Harmonie entwickelt".

Allan erinnert auch an die Präsenz vieler Naturelemente, die mit einer Kraft verbunden sind: Wasser fließt in fast allen Sequenzen, die Berge sind der Lebensraum ungeheurer Macht, die Zauberer existieren, die Götter regieren die Welt, die Feen provozieren die Jahreszeiten ... Johnston und Thomas betrachten die Entfesselung der Elemente als die brutale Darstellung der Natur im Bild des Waldbrandes in Bambi (1942) oder die Flutszene in der Piratenhöhle aus Die Abenteuer von Bernard und Bianca (1977).

Es sind die Naturgewalten, die der Welt Ordnung aufzwingen. Wasser und Sonne sind die beiden treibenden Kräfte. Die Sonne verursacht den Tod der Dinosaurier im Frühlingsritus , die Jahreszeiten in Der Nussknacker mit Hilfe von Feen, sie gebiert ein Ballett im Tanz der Stunden , vertreibt den Sturm in der Pastoral und beruhigt die Welt auf dem Ave Maria am Ende des Films. Wasser seinerseits ist der rote Faden des Nussknackers , ein wesentliches Element im Frühlingsritus , das Leben durch seine Anwesenheit schenkt und es durch seine Abwesenheit zurücknimmt, sichtbar in Form von Fluss, See, Springbrunnen, Regen, Eis, Flocken , Tau, Rauch… Der Wasserfluss ist manchmal natürlich, manchmal kontrolliert.

Für Allan sind diese beiden Naturkräfte, Sonne und Wasser, sowie die zyklische Darstellung charakteristisch für Gesellschaften, die in Ländern mit variablem Klima wie Europa leben. Die Kräfte werden von überwiegend männlichen Autoritäten ausgeübt. Im Film ruft Zeus den betrunkenen Bacchus zu bestellen, Apollo bringt die Sonne nach dem Sturm zurück, Chernabog ist ein männlicher Dämon. Allan erklärt, dass der Film von den Bildern dreier Männer getragen wird: Stokowski, der als Dirigent sichtbar ist, Deems Taylor, der Erzähler-Moderator, und ironischerweise Walt Disney, unsichtbar, aber präsent dank Mickey, dessen Stimme und Alter Ego er ist, aber auch in Gestalt des Zauberers Yensid. Er zieht auch eine Parallele zu dem Walt-Disney-Unternehmer, dem Dirigenten Stokowski, die beide ihre kleinen Welten führen. Diese männliche Dominanz kommt laut Allan auch in zahlreichen Bildern zum Ausdruck, etwa von Gipfeln, Bergen, Bäumen oder dem aufgestellten Podest oder Mickeys phallischem Hut. Die sich dem "phalokratischen Zauberstab von Yensid" anschließt.

Pinsky entwickelt die Geschichte von The Sorcerer's Apprentice , die eine klare Botschaft für die Jüngsten enthält, im Disney-Universum hat die Tatsache, dass die Macht seines Meisters an sich gerissen wird, nichts Gutes, daher ist es nicht ratsam, der Autorität zu trotzen: "Obey your überlegen, machen Sie Ihren Job und versuchen Sie nicht, mit dem Universum zu spielen, wenn Sie nicht bereit sind". Aber es ist die letzte Sequenz, die den religiösesten Charakter hat: Chernabog ist ein satanischer Dämon, "muskulös, klug und finster dargestellt, wie auf den Darstellungen des Mittelalters", er schafft es nicht, die Kirche herauszuziehen und ist zufrieden statt Seelen aus dem Friedhof springen lassen, ist es die Glocke der Kirche und das Licht des Himmels, die ihn zur Flucht, zumindest zum erneuten Einschlafen, zwingen. Pinsky erklärt, dies sei eine "konservative, rückwärtsgewandte Version von politischer Korrektheit".

Perucci Ferraiuolo beschreibt ihn Fantasia als "eine Verherrlichung der Hexerei, des Satanismus durch klassische Musik", er fährt fort, dass "die Präsentation des Ave Maria ein Affront für die Katholiken ist", "Christen hatten keine Schwierigkeiten, den Film so zu sehen, wie er ist". ist, "sind einige Familien und religiöse Gruppen empört über die Darstellungen von Charakteren wie dem Dämon auf dem kahlen Berg, Mickey als Zauberer oder der Pegasus-Familie, die möglicherweise hinter Alpträumen für Kinder steckt oder schwarze Magie preist". Neil Sinyard stellt fest, dass die Silly Symphonies La Danse Macabre (1929) und The Bells of Hell (1929) beweisen, dass Disney makaber und düster sein könnte und dass alptraumhafte Szenen ein regelmäßiger Bestandteil von Disney-Spielfilmen wie Schneewittchen (1937), Pinocchio . sind (1940) oder Fantasie (1940). Diese Präsenz macht sinnlose Kritiken als Verirrung der reiferen Inszenierungen der 1980er Jahre wie Les Yeux de la forêt (1980) oder La Foire des ténèbres (1983), wobei der Zuschauer dort laut Sinyard das Wiederaufleben einer zurückreichenden Tradition sehen muss bei La Danse makaber .

Kritiker willkommen

Ein besonderes Element von Fantasia ist, dass es in zahlreichen Massenzeitungen sowohl in der Musik- als auch in der Filmabteilung gut oder schlecht kritisiert wurde. Sean Griffin erklärt, dass diese atypische Behandlung auf das "hohe Niveau der Kultur" zurückzuführen ist, das erforderlich ist, um den Film zu sehen, und erklärt die Fülle der Kritik an dem Film.

Leonard Maltin erwähnt in seinem Buch über Disney-Zeichentrickfilme, Kritiker nennen das Werk Sakrileg und weisen darauf hin, dass die Musikkritiker weniger begeistert sind, weil ihrer Meinung nach "fast jedes Werk [verwendet] auf die eine oder andere Weise entsprechend angepasst worden wäre". die Bedürfnisse der Animation “. Für Maltin ist die Sequenz des Stundentanzes eine der am wenigsten kritisierten, während seiner Meinung nach die Pastoral-Symphonie am meisten kritisiert wird .

John Grant erklärt, dass Disney laut musikwissenschaftlichen Puristen, deren Worte dann als enge Vision qualifiziert werden, zwei Absurditäten begangen hat: Erstens, dass die Adaption von Stokowski die verschiedenen musikalischen Werke enorm verändert hat; die zweite, dass die Animation selbst gegen diese Erwachsenenversionen verstößt. Für Grant ist Fantasia eine mutige Erfahrung und trotz einiger Unbeholfenheit sind die Qualitäten des Films viel wichtiger.

Film Rezension

Der Historiker Georges Sadoul freut sich über den sehr relativen finanziellen Erfolg des Films: „Der finanzielle Erfolg hat diese Massaker nicht wettgemacht. Es stimmt, dass sich Kriminalität nicht immer auszahlt“ . Dorthy Thompson schrieb in der New York Herald Tribune  : „Ich kam aus den Filmen in einem Zustand, der an einen Nervenzusammenbruch grenzte . Ich fühlte mich wie ein Zuschauer eines Angriffs“.

Grant bietet eine bissigere Filmkritik, auch wenn er die Qualität des Films, die Innovation, erkennt. Auf der einen Seite "ist die Animation manchmal grob, vermittelt aber insgesamt eine hervorragende Unterhaltung" und "was unzähligen Menschen die Freude an klassischer Musik bereitet hat, aber die schlechteste Kritik des Films wäre oft, dass die Musik die Animation trägt und nicht das Gegenteil". Er zitiert jedoch Richard Schickel, der die Sequenz der Pastoralsinfonie als „Ausschweifung der analen Sexualität mit noch sichtbarem Gesäß der Cherubim, mehrere Hinterhand sogar ein Herz am Ende der Sequenz“ betrachtet.

Pierre Lambert ist der Ansicht, dass die Adaption von Une Nuit sur le Mont Chauve "dem Geist Mussorgskys weniger treu ist als die 1933 von Alexandre Alexeïeff produzierte  ", Une nuit sur le Mont Chauve, ein 1933 veröffentlichter Animationsfilm .

David Koenig nennt die folgenden Gründe für den fehlenden Erfolg und erklärt, "dass Fantasia langweilig ist":

  1. dem Film mangelt es an Kontinuität, wie allen Kompilationen, er geht überall hin, es ist nicht möglich, sich an eine Figur zu binden, die Geschichte führt durch ihre Vielfältigkeit ins Leere.
  2. der Film ist "zu lo-oooo-ng". Der erste Mahlvorgang dauerte 135 min, reduziert auf 120, dann 82 min
  3. der Film ist wissenschaftlich entworfen, um Gähnen zu induzieren. Er listet in jeder Sequenz viele Charaktere auf, die gähnen.

Jerry Beck schreibt, dass der Film Fantasia "ein Meilenstein in der Geschichte der Animation ist, ein ehrgeiziger Versuch, klassische Musik, Animation und modernste Techniken zu einer neuen Form der Freizeitgestaltung von Walt Disney zu verbinden".

Maltin und Grant zitieren mehrere begeisterte Kritiken:

  • Das Magazin Look beschreibt den Film als "Meisterwerk" und dass "Disney das Kino wieder revolutioniert"
  • Bosley Crowther in der New York Times sagt, es sei "einfach schrecklich"
  • Die Los Angeles Times schreibt, es sei "ein Erdbeben in der Geschichte des Kinos"
  • Howard Barnes in der New York Herald Tribune sagt: "Dies ist eine mutige und herausragende Produktion"
  • ein unbekannter Autor auch in dem New York Herald Tribune schreibt , dass „Like Snow White , Fantasia markiert einen Meilenstein in der Entwicklung des Kinos“
  • Martha WD Addams schreibt: "Für mich ist Fantasia der größte Beitrag des Kinos seit zehn Jahren ... zu besseren Filmen"
  • das Philadelphia Evening Bulletin  : "Der größte Fortschritt für die Leinwand seit der Einführung des Tons"
  • der Esquire  : "Nichts hat je existiert wie Fantasia ." Es zu beschreiben ist unmöglich. Das musst du sehen. "
  • Pare Lorentz im McCall's Magazine rät von Musikkritik ab, da Fantasia ein Disney- und kein Konzert klassischer Musik ist und obwohl die Musik in dieser Produktion präsenter ist als in jedem anderen Film, bleibt es Fantasie und keine Musik, die wir währenddessen hören eine Show.

Im Gegensatz dazu fühlte sich Dorothy Thompson in der New York Herald Tribune ohnmächtig, "am Rande eines Nervenzusammenbruchs bis zum Verlassen des Raumes, Zuschauerin eines Bombenanschlags, eines Angriffs und unfähig, Anbetung zu empfinden. für die beiden verantwortlichen Meister." Brutalität gegenüber den Sinnen in diesem bemerkenswerten Albtraum. "

Musikkritiker

Für John Roszenfield: "Als Stokowski die Pastoral [Symphony] dirigierte … war er so erschütternd, dass es verwerflich ist." Ernest Lindgren schreibt, dass " Disneys Umgang mit der Seelsorge mein Gefühl für Musik so destruktiv war, dass ich lange Zeit befürchtete, dass ich die Bilder von Disney nicht aus meinem Gedächtnis löschen könnte und die Freude, die ich empfand, für immer gefährdet war." .

Der Komponist und Musikkritiker Virgil Thomson betrachtete Stokowski damals als „den einzigen symphonischen Dirigenten, der sich selbst die Mühe machte, etwas über die musikalischen Reproduktionstechniken zu finden und sie an die Probleme der Orchesterinterpretation anzupassen“. Er vergleicht den Film mit einer „  Erpressung musikalischer Interpretation“. Was Pare Lorentz aus dem Frauenmagazin von McCall widerspiegelt, das sagt: "  Fantasia ist ein Disney-Konzept und keine klassische Konzertkonzeption ... es sind Bilder und Sie werden der Musik während der Show nicht folgen". Richard Capell meint in Musical Opinion , dass "  Fantasia diesen Sommer vor der Damenhutmode tot sein wird".

Grant, obwohl er ein Filmspezialist ist, erklärt, dass es „in der Tat schwierig ist, sich unter den Kritikern einen eigenen Standpunkt zu bilden. Stokowskis musikalische Arrangements sind sicherlich von den Originalen abgeschlachtet, insbesondere der Pastoral- Version, und um dies zu realisieren, muss man nur daran denken, sie in einem Konzertsaal zu hören. Aber aus der allgemeinen Sicht von Fantasia sind Sie nicht in einem Konzertsaal. Barrier schreibt wie Grant, dass Walt Disney "musikalische Werke wie The Rite of Spring " neu geordnet hat, um der Erzählung zu entsprechen, die er sich vorgestellt hatte.

Nach der Veröffentlichung von Fantasia äußerte sich Strawinsky nur offiziell zu dem Film in einem seiner Interviews mit Robert Craft , das 1962 in Expositions and Developments veröffentlicht wurde ; er erklärt, dass die Abfolge des Frühlingsritus "abscheulich" ist! "(auf Französisch im Text) und erklärt dann, dass dies" ein gefährliches Missverständnis erzeugt habe". Mehrere Autoren kritisieren in dieser Aussage die an der Orchestrierung vorgenommenen Änderungen, die er ohne seine Zustimmung für übernommen erklärt. Er hätte sich "sehr genervt über die Änderung des Songs The Rite of Spring  ", aber das Disney-Studio berichtet, dass er bei seinem Besuch während der Produktion gesagt hätte: "Oh ja, ich denke, das mache ich “. Strawinsky war laut Ralph Stephenson kritischer gegenüber Stokowskis Arrangements als Disneys Animation: "Die Sequenz wurde vom Komponisten als legitime Interpretation seiner Musik positiv aufgenommen."

Theaterkritik

In Bezug auf die Hommage an das Ballett sind die Worte von Pare Lorentz zweideutig: „Entweder stieß Disney auf eine alternde Opernauswahl, daher das, was er im Stundentanz tat , oder er fiel mit einer so strengen Darbietung darauf ein. Was auch immer der Grund sein mag , [die Sequenz] der Tanz der Stunden ist nicht so rustikal und gewalttätig, wie manch einer an seiner Stelle im Konzert hätte sein können.

Der kritische Choreograf Walter Terry schreibt: „ Walt Disney hat in Fantasia die reichsten Qualitäten seiner Choreografie vereint: Menschen, Tiere und Blumen tanzen in Balletten, die dem Tanz Freude bereiten, und in Balletten, die sie verherrlichen […] Tanzliebhaber finden das für Vieles huldigt Fantasia ihnen mit ihrem choreografischen Umfang, anregend in ihrem brillanten Einsatz großer Kunst […] und bringt allen großartigen Tanz und einfachen Tanz. "

Anpassungen und Wiederverwendung

In 1956 , Roy O. Disney ermächtigte das Disneyland Aufzeichnungen beschriften ein drei Disc - Album mit einer Broschüre zu veröffentlichen , mit der Musik des Films, die gemeinsam von einer Re-Release des Films veröffentlicht wurde.

das 17. April 2018Im Vorgriff auf Mickey Mouse 90. Geburtstag , ist Disney UK eine interaktive Ausstellung-Show namens Ankündigung Sounds and Sorcery und basieren auf Fantasie bei den Gewölben Theater befindet sich unter der Waterloo Station vom 03-30 Juli September, 2018.

Kino und Fernsehen

Der Film Fantasia 2000 (1999) verwendet die Sequenz Der Lehrling des Zauberers .

Unter den Anspielungen auf den Film gibt es:

Freizeitparks

Der Fantasia- Film wird nur durch seine Sequenzen verwendet. Die erste Idee, Fantasia für eine einzelne Attraktion zu verwenden, stammt aus den 1960er Jahren, als ein Projekt darin bestand, die Attraktion Fantasyland Motor Boat Cruise mit der Sequenz der Pastoral Symphony und Wasserskulpturen neu zu gestalten, aber der Klang von Autopia- Autos hätte die Musik überdeckt , und das Projekt wurde daher aufgegeben.

Die Dinosaurier des Frühlingsrituals wurden verwendet, um die Bildung fossiler Brennstoffe in der 1982 in Epcot eröffneten Attraktion Universe of Energy zu veranschaulichen . In den 1980er Jahren wurde Fantasia ein Gartenprojekt, die Fantasia Gardens , mit Formschnitten, Blumen, Springbrunnen und Statuen; Projekt, das sich zu einer malerischen Bootsfahrt im Magic Kingdom , den Swan Boats, entwickelte , schwanenförmige Boote, die sechs verschiedene Szenen durchqueren, die jeweils aus einer Sequenz des Films stammen, Attraktion seitdem geschlossen. Aus dem Projekt entstand das 1992 eröffnete Parterre am Eingang zum Disneyland Park .

Das Feuerwerk von 1989 Sorcery in the Sky von Disney-MGM Studios verwendete Mickey Mouses Traum von der Machtsequenz in The Sorcerer's Apprentice . Dieser Traum ist auch ein Schlüsselelement der hydropyrotechnischen Show Fantasmic! begann 1992.

In den späten 1990er Jahren sollte eine Attraktion mit Tieren aus der griechischen Mythologie, die teilweise auf der Pastoral Symphony basiert , im Beastlie Kingdom- Abschnitt von Disneys Animal Kingdom (eröffnet 1998) eröffnet werden, ein Abschnittsprojekt, das aus Budgetgründen nicht abgeschlossen wurde. Das Konzept wurde in einen Minigolfplatz umgewandelt, der 1996 eröffnet wurde .

Die Nacht auf dem kahlen Berg wird in der französischen Version des Landes der Märchen während des Baus dieser Attraktion im Jahr 1994 in Paris im Land der Fantasien verwendet .

Die aktuellen Attraktionen sind:

Filmische AusschnitteDreidimensionale ReproduktionenEvokation

Videospiele

Änderungen

Sunflower, eine kleine afroamerikanische Zentaurette, die als rassistisches Stereotyp bezeichnet wurde, wurde bereits 1969 aus allen Kopien des Films entfernt.

Titel in verschiedenen Sprachen

  • Hinweis  : In vielen Ländern wurde der Originaltitel ( Fantasia ) einfach beibehalten.

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Anhänge

Literaturverzeichnis

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Verwandte Artikel

Externe Links