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Die zeitgenössische Kunst ist – allgemein und umfassend – alle Werke, die von 1945 bis heute entstanden sind, und zwar unabhängig von Stil und ästhetischer Praxis, jedoch hauptsächlich im Bereich der bildenden Kunst . In dieser Einordnung folgt die zeitgenössische Kunst der modernen Kunst (1850-1945).
Diese Bezeichnung gilt auch für Museen, Institutionen, Galerien, Messen, Ausstellungen, Biennalen, die Werke aus dieser Zeit zeigen.
Wir sprechen auch von zeitgenössischer Kunst, um – per Konvention – die Kunst der 1960er Jahre und danach zu bezeichnen. Die Pop-Art markiert daher einen Bruch mit der modernen Kunst . Ein weiterer Kongress existiert, im Juli 2010 gibt der Direktor des Forschungszentrums für Europäische Philosophie der University of Kingston in London, Peter Osborne, eine Konferenz bei der Antonio Ratti Foundation und löst eine Kontroverse aus, indem er verkündet, dass „Zeitgenössische Kunst postkonzeptuell “ ist. .
In Frankreich wird der Ausdruck „zeitgenössische Kunst“ auch – mit einer eingeschränkteren Bedeutung – verwendet, um die ästhetischen Praktiken und Errungenschaften von Künstlern zu bezeichnen, die „einen Fortschritt in der Entwicklung der Avantgarde“ und eine Überschreitung der Grenzen zwischen den Bereichen behaupten künstlerisch (über die Grenzen dessen hinausgehen, was der gesunde Menschenverstand unter Kunst versteht, d. h. die bildenden Künste, indem man mit Theater, Kino, Video, Literatur usw. experimentiert) oder eine Überschreitung der „Grenzen der Kunst im Sinne von “ moderne und klassische Kunst“ .
Der Begriff der „Zeitgenossenschaft“ ist in erster Linie ein historischer Begriff. Nach diesem Ansatz würde die zeitgenössische Periode ab 1945 beginnen, mit dem Ende des Zweiten Weltkriegs, und der Einfachheit halber befassen sich die meisten Studien mit der Periode, die 1945 beginnt und bis heute andauert.
„Gleichzeitigkeit“ bedeutet auch „Gleichzeitigkeit“. Was in der gleichen Zeit ist, ist zeitgemäß. Das "Zeitgenössische" wäre also der Weg, der heute gemacht wird. Auf die Kunst übertragen, nimmt dieser Begriff eine ästhetische Spezifität an, die kontrovers werden kann, da die Akteure nicht die nötige Distanz haben, um die Werke effektiv zu würdigen. Die Bezeichnung „zeitgenössische Kunst“ ist daher nicht nur chronologisch zu nehmen, denn alle zeitgenössischen Produktionen gehören nicht zum zeitgenössischen Ansatz und erheben auch keinen Anspruch darauf.
Neue Referenzen machen es möglich, zu definieren, was die zeitgenössische Methode ist. Eine der ersten ist die Übertretung gegenüber der vorhergehenden Epoche; damit möchte der Begriff der "zeitgenössischen Kunst" seine Eigenständigkeit nicht nur gegenüber dem Begriff der sogenannten "klassischen" Kunst, gegenüber der "Bildenden Kunst" und ihren Kategorien (Malerei, Bildhauerei etc.) auch in Bezug auf den Begriff eines "modernen" Weges. Die zeitgenössische Weise hat daher ihre eigenen Ausschlüsse. Sie ist Teil der Fortsetzung der " modernen Kunst " und möchte ihr gewissermaßen ein Ende setzen.
Darüber hinaus wird heute der Ausdruck „zeitgenössisch“ für Künstler verwendet, die noch leben und aktiv sind oder noch sein könnten, was in diesem Fall den Ursprung der zeitgenössischen Methode in den 1960er Jahren mit Pop Art , Konzeptkunst , Fluxus , Happenings oder Videokunst . Mit diesen künstlerischen Strömungen endete die Periode der modernen Kunst und die Theorie von Clement Greenberg , die sie als Suche nach der Besonderheit der Technik definierte.
Bei dieser permanenten Suche nach einer Definition von Zeitgenossenschaft spielen Kunstkritik und Institutionen eine wichtige Rolle. Daher werden Kunstformen, deren Themen nicht die von der „zeitgenössischen“ Kritik geförderten Tendenzen widerspiegeln, vom zeitgenössischen „gelabelten“ Ansatz generell ausgeschlossen.
Aus geographischer Sicht, von den großen mediatisierten Kunstorten, hauptsächlich westlich (Paris, London, New York), und mit dem Fall der Berliner Mauer 1989 dann der Machtanstieg Chinas zu dieser Zeit , die Welt der zeitgenössischen Kunst globalisierte sich, Afrika und Lateinamerika konnten sich dieser Entwicklung nicht entziehen.
Für Anne Cauquelin 1992 sind die Kriterien, die zeitgenössische Kunst charakterisieren, weder allein an den Zeitpunkt der Produktion noch an den Inhalt der Werke (Formen, Bezüge, Materialien) gebunden, sondern sollten jenseits der künstlerischen Seite, in der Gesellschaftspolitik , in der Philosophie gesucht werden Themen und in einer globalisierten Wirtschaft.
Marc Jimenez spricht 2005 von der „Undefinition“ der von der zeitgenössischen Kunst geschaffenen Kunst, verbunden mit der von Harold Rosenberg identifizierten „De-Definition von Kunst“ , die es der Kunstkritik überlässt , Kunst und Nicht-Kunst abzugrenzen.
Das Aussehen der Fotografie ausgeübt Einfluss auf viele Künstler wie des XIX E Jahrhundert, wie Degas und erlaubt Geburt zu geben , moderne Kunst . Kunst hat nicht mehr nur die wichtige Funktion, die Wirklichkeit getreu darzustellen, die Fotografie kann dies besser, die Kunst kann jetzt andere Formen ausprobieren, den Kanon der Schönheit brechen und neue Experimente und konzeptionelle Ideen vorschlagen.
Die zeitgenössische Kunst hat Grundlage für die Experimente der modernen Kunst (Anfang XX - ten Jahrhunderts), einschließlich dem Wunsch , die Kunst aus traditionellen und institutionellen Spielstätten zu nehmen. In diesem Sinne verliert die Kunst nach und nach ihre repräsentative Funktionalität. Zeitgenössisches Schaffen bleibt ein Spiegel einer Realität, die von Konflikten und Machtergreifungen durch diese Angriffe auf die Rationalität geprägt ist. Kunst spiegelt die Krisen der Gesellschaft und bleibt Ausdruck von Werten. Das Verhältnis von Kunst und Geschichte lässt sich weder qualitativ noch quantitativ beurteilen, führt aber zu einem eher institutionellen Kunstverständnis: Sammler, Zentralen, Galerien, Museen etc. einem breiteren Publikum zu öffnen. Die Akteure der modernen Kunst bleiben jedoch in ihrem Wunsch, ihre künstlerische Meinung außerhalb des institutionellen Rahmens zu äußern, um die Öffentlichkeit anzusprechen, mit den Institutionen verbunden; ihr Ansatz war, sich einer Ideologie zu widersetzen ( Heartfield to Nazism) oder im Gegenteil an der Verbreitung eines politischen Gedankens teilzunehmen.
Trotz des Endes der Ideologien, die der modernen Kunst auferlegt wurden, greifen aktuelle Künstler dieses Erbe eigenständig auf, indem sie ihr starkes Engagement für Institutionen zum Ausdruck bringen. Insbesondere, wenn ihre Sensibilität gestört ist.
Heute erlebt die zeitgenössische Kunst den Niedergang moderner Ideologien (in den 1960er Jahren, dann ab 1990 mit dem Fall des Kommunismus). Es basiert auf neuen Verhaltensweisen: stilistische Erneuerung, künstlerische Mischung, verschiedene Ursprünge, technologische Künste (Zugang zur mathematischen Leistung von Computern und Software-Ergonomie), Annäherung an die Realität. Technologien haben der Kunst schon immer Werkzeuge gebracht. Heute nutzt der Künstler sie als Instrument der Medienberichterstattung und erfindet neue. Es basiert auf der historischen Kultur, aufgeführt; liest, besucht, versteht, sucht, spezialisiert, fokussiert sein Thema und geht über das bisher Geleistete hinaus. Er bezieht manchmal Stellung, will demonstrativ oder schockierend sein, auf jeden Fall sucht er mediale Berichterstattung.
Für Anne Cauquelin , in den 1910er Jahren , Marcel Duchamp schaffte die künftige Vernetzung der zeitgenössischen Kunst trägt, mit Spekulationen über den Wert der Ausstellung auf einem Objekt , das einfach ein hergestelltes Objekt sein kann ( fertige ).
Die Ausstellung When Attitudes Become Form von 1969 spielte eine zentrale Rolle beim Übergang von der modernen zur zeitgenössischen Kunst.
Der Unterschied zwischen moderner Kunst und zeitgenössischer Kunst ist nicht klar gemacht , und in Frankreich, das Nationalmuseum für moderne Kunst nicht am Ende des machen, XX E Jahrhunderts, den Unterschied in ihren Sammlungen . Der Begriff „zeitgenössische Kunst“ wird von Museumskuratoren geprägt, und es könnte Kunst sein, die ihre Funktion und ihre Arbeitsweise verändert, auch wenn es sie erschwert. Für Catherine Millet ist zeitgenössische Kunst wirklich "zeitgenössisch" in dem Sinne, dass sie mit ihrer Zeit im Einklang ist, während die moderne Kunst sich davon löst.
Für Anne Cauquelin , der Übergang von der modernen Kunst ist der zeitgenössischen Kunst auch , dass ein System der Verbrauch auf ein System der Kommunikation, wo die Akteure des Netzwerks sind auch die Manager, und wo die Öffentlichkeit nicht mehr. Als eine Rolle passiver Zulassung und Verbrauch.
Zeitgenössische Kunst basiert auf den Experimenten der modernen Kunst und beansprucht regelmäßig den Bruch, den Marcel Duchamp und andere eröffnet hatten, die die Kunstpraxis von den klassischen Zwängen der Repräsentation befreit hatten.
Das postmoderne Denken hat die meisten Probleme der zeitgenössischen Kunst formuliert, befreit von ideologischen Strömungen ( Kommunismus und Kapitalismus ), ohne jedoch engagierte Künstler daran zu hindern, politische oder ideologische Missbräuche zu kritisieren.
In Frankreich ist die Schaffung von bildenden Kunst Fakultäten bildet eine Grundlage für die akademische Lehre der Anfechtung bildenden Kunst ; Themen, die dem Bereich der Kunsterziehung, Soziologie , Ethnologie , Ästhetik und anderen bisher fremd waren , leiten die künstlerische Forschung im Einklang mit ihren jüngsten Entwicklungen.
Der formalen Suche nach Schönheit folgen neue Wege der ästhetischen Forschung, von denen die radikalsten, Konzeptkunst , Minimalismus , Performance , Körperkunst , die Bedeutung und die Wahrnehmung von Kunst, die manchmal auf den ersten Blick hermetisch orientiert ist, dauerhaft verändern der Uneingeweihte.
Gewisse Strömungen, wie die neuen Realisten , die freie Figuration und die Trans-Avantgarde , aber auch gewisse Querdenker haben die klassischen Medien jedoch nicht verlassen, sondern ihre kreativen Ansätze radikal verändert.
Die Explosion der Medientypen (Malerei wird oft zugunsten von Installationen, Performances oder anderen vernachlässigt) und der Inhalt der Werke verändert die Netzwerke der Kunstvermittlung tiefgreifend; zu neuen Galerien kommen neue Ausstellungskontexte und das Auftreten neuer Verbreitungsmedien hinzu.
In Paris war der Salon Comparaisons im Musée d'art moderne de la ville de Paris ab 1954 der Treffpunkt für alle Aussteller dieser Strömungen, die im selben Raum mit figurativen und abstrakten Malern der Malerei konfrontiert wurden .auf Staffelei.
Ab den 1980er Jahren traten die Künste mit einer starken „technologischen“ Komponente auf, mit der Videokunst die Kommunikationsästhetik, die Computerkunst dann, in der Folge die digitale Kunst , die Biokunst usw. Die Liste ist nicht vollständig und folgt sehr genau den Fortschritten in der industriellen Forschung.
In den 1990er Jahren verlieh die westliche zeitgenössische Kunst vielen Künstlern aus sogenannten „Entwicklungsländern“ ihr „Etikett“, die in der Vergangenheit praktisch abwesend waren. Die Paradigmen der Globalisierung und der Verlust klassischer raum-zeitlicher Maßstäbe haben persönliche Ansätze geschätzt, bei denen biografische, soziologische, sogar religiöse Komponenten im Arbeitsprozess wertgeschätzt werden.
In der Rezeption und Vermittlung zeitgenössischer Kunst spielt die internetgebundene Kommunikation vor den Ausstellungen selbst, die zunehmend staatliche Vermittlungsstrukturen einbinden, eine immer wichtigere Rolle. Sie weicht „contemporary art Consultants“ (auf Englisch The Contemporary Art Consultants ), die kostenlos zu zukünftigen Werten beraten. Die Veränderungen in den am weitesten entwickelten Ländern (insbesondere der wachsende Anteil des tertiären Sektors ) haben zu einem zunehmend generalisierten Kunstbedarf geführt, der die Aufgabe der Künstler, Krisen verpflichtet, nicht einfacher macht.
Zeitgenössische Kunst, die in den Augen der Öffentlichkeit oft undurchsichtig und provokant ist, wird oft als Emanation offizieller Kunst angesehen . Heute ist es jedoch viel mehr akzeptiert und verbreitet als früher; eine Flut von Werken von ungleicher Qualität macht es verwirrend und erfordert oft eine persönliche Investition des Publikums (siehe Moderne Kunsttheorien ).
Im Internet gelistete Werke zeitgenössischer Kunst sind auch ein potenzieller finanzieller Glücksfall, der die Auswirkungen der Mode zu Lasten wirklich origineller Werke nicht ausschließt .
Neben klassischen Medien ( Ölmalerei , Pastell, Rötel, Bronze, Marmor etc.) liebt die zeitgenössische Kunst vor allem neue Medien, auch „Nicht-Medien“. Insbesondere die ephemere oder „andauernde“ Berufung einer Reihe von Werken stellt den Begriff des Mediums selbst in Frage, das oft eher zu einem einfachen Vermittlungsvektor als zu einem stabilen Medium wird. Dies knüpft an die in den 1980er Jahren einsetzende Transformation der Informationsmedien an , die sich allmählich zugunsten einer „Beziehungslogik“ entmaterialisieren:
Einige Medien wie die Fotografie - die "visuell" ist ( Joel-Peter Witkin ) - das Kino - das "experimentell" wird (Serie Cremaster of Matthew Barney ) - haben den vollen Status der Kunst (neben Malerei, Skulptur oder Musik) erlangt und bilden heute today autonome Kategorien.
Der heute vielfach in Frage gestellte Begriff der Multimediakunst stellt den Status von Werken in Frage, die aus Installationen, oft gemischten Performances, hervorgegangen sind, wie sie in den 1950er Jahren entstanden .
Kritik an zeitgenössischer Kunst begann in den 1990er Jahren, 1991 kritisierte Marc Fumaroli die Institutionalisierung der Kunst in The Cultural State: A Modern Religion . Jean Clair veröffentlichte 1997 The Responsibility of the Artist . Aude de Kerros , L'Imposture de l'Art Contemporain im Jahr 2015. In den Vereinigten Staaten veröffentlichte Michelle Marder Kamhi 2014 Who Says That's Art? (Wer sagt, dass es Kunst ist?) ... Kritiker werden von verschiedenen Standpunkten aus angesprochen: Mangel an ästhetischer Grundlage, übermäßige Institutionalisierung, Verlust aller Bezugspunkte, Logorrhö, schädlicher Gebrauch in medizinischen Behandlungen, Ablenkung von der Kunst zur Unterhaltung ...
Die folgenden fünf Auszüge fassen den Kern der Kritikpunkte an der sogenannten „zeitgenössischen“ Kunst zusammen:
Im Werkverzeichnis des Salon des Indépendants von 1999 veröffentlicht der Präsident des Salons, Jean Monneret , eine heftige Broschüre gegen die vereinbarte Definition der zeitgenössischen Kunst, nachdem er lange Zeit die Beamten kritisiert hatte, die den Unterricht der bildenden Künste und die Wahl regeln vom Staat und Gemeinden erworbene Werke ( S. 51 ):
" Zeitgenössische Kunst ? Alle lebenden Künstler sind Teil der zeitgenössischen Kunst. Es sind die Künstler, die Kunst machen. Alle Künstler. Frei!
Der Staat will jedoch der Öffentlichkeit vorgaukeln, dass es nur eine Kunst gibt, die des Interesses würdig ist, die sogenannte „zeitgenössische“ Kunst, nämlich Staatskunst. Als ob die Installation, die Performance oder die unkultivierte Kunst – solange die Legende, die sie begleitet, die Logorrhö ist – an sich die historische, lineare, unbestreitbare Fortsetzung der künstlerischen Tradition wäre. In der sogenannten „zeitgenössischen“ Kunst gilt: Je weniger es zu sehen gibt, desto mehr gibt es zu sagen! In einer Ausstellung zeitgenössischer Kunst verschmelzen oft ein Lüftungskanal, Notfalleinrichtungen oder die Verfliesung von Sanitäranlagen mit den ausgestellten Werken. Die Frage ist dann, wo ist die Arbeit? Sowohl die Harmonie zwischen Behälter und Inhalt ist perfekt.
In Wirklichkeit geht die Staatskunst einen einzigartigen Weg, der die Kunst der besten Künstler willkürlich aus historischen Salons ausschließt . Demokratie würde erfordern, dass der Staat, der das Geld der Steuerzahler berücksichtigt, für die heutige Realität in all ihrer Vielfalt ohne Ausgrenzung Rechenschaft ablegt…“
In Taylors Moralreport vom Juli 2006 ( S. 6 und 7), Rückblick auf die Gründung von Baron Taylor , unterscheidet der Vizepräsident, der Maler und Journalist Philippe Lejeune , den Begriff der bildenden Kunst von dem der zeitgenössischen Kunst.
„[…] Wir üben eine Kunst namens „Malerei“ aus, diese Tätigkeit galt einst als Teil der bildenden Künste […]. Besorgt um die Moderne, vor allem darum bemüht, einen so schwer zu ertragenden Imperativ wie Schönheit loszuwerden, besteht der Streit zwischen der Antike und der Moderne, in dem wir leben, ganz einfach darin, den Bezug zur Schönheit zu entfernen. Unfähig, die traditionellen Werte der Kunst nach den Erfahrungen der Mitte des letzten Jahrhunderts weiter zu verändern, wagten sie, immer mit dem gleichen scheinbaren Etikett, eine völlig andere Ware bereitzustellen. Sie hatten die Ehrlichkeit, seien wir ehrlich, ihren Namen zu ändern. Zeitgenössische Salons sind keine Malereisalons mehr , sondern Salons für zeitgenössische Kunst […].
Zeitgenössische Kunst stellt an Orten aus, an denen „Malerei“ ausgestellt wurde, was natürlich für Verwirrung sorgt. Aber anstatt eine neue Kunstform zu definieren, wenden wir die Regeln einer anderen Disziplin darauf an, wie ein Spieler, der Bridge müde ist, die Regeln der Belote anpasst… Zeitgenössische Kunst lehnt alle Regeln ab, außer der des Ausschlusses. Sie wissen, dass ein berühmter Slogan war, alles zu verbieten. Zeitgenössische Kunst lebt nur von Ukas. Alles außer Repräsentation […].
Zeitgenössische Kunst wird als konzeptionell bezeichnet, das heißt, wir schaffen es, ausgehend von einem Konzept, eine Sensation zu schaffen.
Die Schönen Künste haben ein ganz anderes Ziel, ein ganz anderes Programm. Ausgehend von der Erfahrung konfrontieren sie diese mit dem kollektiven Gedächtnis, um genau zu einer Idee zu gelangen, also zu einem vergleichbaren Element […]. "
Nach seinem Prozess gegen das MNAM (Georges-Pompidou-Zentrum) schreibt Fred Forest auf der Rückseite seines Buches Operation and Dysfunktion der zeitgenössischen Kunst :
„Dieses Buch neigt dazu, die Grenzen und Widersprüche eines Systems aufzuzeigen, das in der gegenwärtigen Eliteform nicht länger bestehen kann, zugunsten einer Handvoll privilegierter, immer gleicher Menschen, die von Selbstgefälligkeit und öffentlichem Manna profitieren. Kampf des irdenen Topfes gegen den eisernen Topf, das ist die detaillierte Beschreibung meines Prozesses bis zum Staatsrat gegen das Georges-Pompidou-Zentrum und damit gegen die öffentlichen Institutionen der zeitgenössischen Kunst wegen ihrer Verweigerung der Transparenz bei Ankäufen und ihre Nichteinhaltung des Gesetzes von 78 über die öffentliche Buchführung. Jenseits der Kunst wird hier in erster Linie ein Bürgeransatz verfolgt, der die eigentliche Frage nach der Verwendung öffentlicher Mittel und der Kultur in einer Demokratie stellt. "
Im September 2011 stellte Daniel Buren in der Zeitschrift L'Œil in einem langen Interview die Unfähigkeit, Verwirrung und den Bankrott des Ausdrucks „zeitgenössische Kunst“ fest:
„Im Allgemeinen würde ich sagen, dass die atemberaubende Gesundheit, die es bekommt – Biennalen auf der ganzen Welt, Messen auf Schritt und Tritt und geschäftige Auktionshäuser – etwas paradoxe Aspekte eines Bereichs sind, der gedanklich kurz vor dem Bankrott steht . Es ist kein Moment mehr in der Geschichte, sondern alltäglicher Mode. "Zeitgenössisch" ist ein völlig bedeutungsloser Begriff, aber es ist einer der erfolgreichsten Funde, die jemals gefunden wurden, um alles, was ein Künstler präsentieren könnte, im Keim zu ersticken, auch nur ein wenig neu und verstörend. . […]“
Im Januar 2021veröffentlicht Benjamin Olivennes einen Essay, L'Autre Art contemporain , in Form einer Gegengeschichte der Kunst und eines Handbuchs des Widerstands gegen den Konformismus. Dieses kleine Buch will ein Handbuch des Widerstands gegen den Diskurs über zeitgenössische Kunst sein. Er gründete seinen Griff auf einer mythischen Vision der Kunstgeschichte : die XX - ten Jahrhunderts war in erster Linie das Jahrhundert Avantgarde, jeder weitere gewesen als die vorherigen in der Befragung von Begriffen wie Figuration , Schönheit , und auch die Arbeit. Aber nicht nur diese alten Vorstellungen weiter in der existieren sogenannte Kleinkunst , vor allem aber war es eine andere XX e künstlerische Jahrhundert Malerei Tradition , die in der Darstellung der Realität und wieder auftaucht in den frühen 2020er Jahren bestanden hat, von Bonnard zu Balthus , von Morandi bis Hopper , von Giacometti bis Lucian Freud . Dieser Essay macht den Markt für zeitgenössische Kunst ungültig .
Am 4. th auf Resilience World Congress durch organisierte Resilio (Internationale Vereinigung für die Förderung und Verbreitung der Forschung über Resilienz) in Zusammenarbeit mit der Aix-Marseille - Universität, in seinem Vortrag auf Elastizität in der Kunst, was für Kunsttherapie Elastizität , Ksenia Milicevic betont:
„Die zeitgenössische Kunst, die nur das Spiel ist, vermittelt durch die Widerlegung des Schönen und basierend auf dem Hässlichen Neurosen, Ängste und verschiedene Pathologien, die, ohne in einem ästhetischen Rahmen ausgearbeitet, sondern in erster Linie präsentiert zu werden, einen schädlichen Einfluss auf die Zuschauer. Anstatt es mit der Harmonie der Welt und der Energie des Lebendigen zu verbinden, schlägt er Zersetzung und Tod vor ( Biokunst , Körperkunst , Performance , transgressive Kunst , schlechte Malerei ). "
Zeitgenössische Kunst zeichnet sich insbesondere durch einen Wettlauf um Neuheiten aus, mit einer sehr großen Anzahl von Bewegungen und einer Weiterentwicklung des modernen Avantgarde- Konzepts .
Die Versteigerung der Scull- Sammlung 1973 markierte einen Wendepunkt, indem sie zeigte, dass das Sammeln von Kunstwerken nicht nur ein Luxushobby, sondern auch eine Einnahmequelle war. Dieser Verkauf fördert die Veröffentlichung der Werkpreise und die Etablierung eines lebendigen Kunstmarktes in den Vereinigten Staaten. Häufige und bedeutende Ankäufe vermögender Privatsammler führen zu einer Reihe von Preisrekorden, die bis mindestens in die 2010er Jahre immer häufiger werden.
Deutschland, am Ende des Zweiten Weltkriegs verwüstet und besetzt, dann geteilt , baut sich vor allem dank amerikanischer Subventionen wieder auf. Seine kulturelle Eigenständigkeit erlangte es jedoch schnell wieder, insbesondere dank Künstlern wie Joseph Beuys . Dieser wirksame Widerstand spiegelt sich in der Gründung der documenta 1955 in Kassel und 1967 in der ersten Messe für zeitgenössische Kunst , der Art Cologne , wider .
Zeitgenössische britische Kunst gewann in den liberalen 1980er Jahren mit der Generation Young British Artists (YBA) und provokativen Figuren wie Damien Hirst , Tracey Emin und Sarah Lucas an Bedeutung . Der Sammler und Geschäftsmann Charles Saatchi macht viel für die YBA, deren Preise für Werke die amerikanischer Auktionswerke erreichen. London wird zu einer Großstadt zeitgenössischer Kunst, was sich insbesondere in der Eröffnung der Tate Modern widerspiegelt , während sich Deutschland an den Rand gedrängt sieht.
Sensation- Ausstellung mit Werken junger britischer Künstler im Brooklyn Museum im Jahr 1999. Im Vordergrund The Physical Impossibility of Death in the Mind of a Living Being , von Damien Hirst , 1991.
For you ("Für dich"), Arbeit vor Ort von Tracey Emin in der Liverpool Cathedral , 2008.
Charles Thomson . Sir Nicholas Serota trifft eine Kaufentscheidung ( Sir Nicholas Serota trifft eine Kaufentscheidung ) (en) , 2000 aktueller Stuckismus . "Ist das ein echter Emin (10.000 Euro ) / oder eine wertlose Fälschung?" "
Während Paris das künstlerische Zentrum der Welt war, verlor es diesen Platz am Ende des Zweiten Weltkriegs im Kontext philosophischer und politischer Debatten über die Unterstützung des Kommunismus . Die französische Kunstszene wird als radikal wahrgenommen und erst die Gruppe der Neuen Realisten um Yves Klein und Pierre Restany erreichte in den Jahren 1960 eine starke internationale Bekanntheit. Die Künstler dieser Bewegung, wie Martial Raysse , César oder Niki de Saint Phalle nehmen ihre Unabhängigkeit. Trotz der Präsenz von Malern wie Pierre Soulages oder Künstlern wie Christian Boltanski bleibt die zeitgenössische Kunst stärker von der Konzeptkunst geprägt als anderswo.
Für Nathalie Obadia hat Belgien im Vergleich zu seiner Größe einen außergewöhnlichen Einfluss. In der Tradition von Marcel Broodthaers und René Magritte genießen Künstler wie Luc Tuymans , Wim Delvoye oder Jan Fabre , alle drei Flamen , einen großen internationalen Ruf. Sie werden jedoch nicht von einer starken Kulturpolitik getragen, da diese viel weniger organisiert ist als in Frankreich.
Searching for Utopia („Auf der Suche nach Utopie“), Skulptur von Jan Fabre, installiert in Nieuport im Rahmen der Ausgabe 2003 der Beaufort- Triennale .
Luc Tuymans spricht über sein St. Croce Wandtriptychon , 2010, MCA Museum of Contemporary Art in Chicago .
Caterpillar , Skulptur von Wim Delvoye installiert in Middelkerke , ebenfalls im Rahmen von Beaufort 2003.
Weiter hinten im europäischen Maßstab ist das Land dennoch Gastgeber einer großen Messe: der Art Basel in Basel . Ihre Kunsthändler wie Bruno Bischofberger und Ernst Beyeler waren dennoch zwischen den 1960er und 2000er Jahren sehr mächtig.
Leo Castelli ist eine bedeutende Persönlichkeit unter Galeristen und Kunsthändlern. 1957 eröffnete er seine Galerie in New York und beteiligte sich sehr stark an der Verbreitung einer amerikanischen Kunst, die dominant wurde. Mit jedem seiner Hauptkünstler bildet er ein Team, das dann für viele Galeristen Vorbild und für Nathalie Obadia ein „Drehpunkt der amerikanischen Soft Power “ ist. Ileana Sonnabend ist auch eine einflussreiche Galeristin mit einem anderen persönlichen Verhältnis zu Künstlern.
Die Händler- Sammler- Paarung wäre sehr effektiv bei der Förderung eines Künstlers oder einer Künstlergruppe. Nationalität würde besonders berücksichtigt, insbesondere amerikanische und chinesische Einkäufe dienen als Referenz. Private Sammlungen können durch Schenkungen oder Vermächtnisse Institutionen hervorbringen , wie es in den USA mit dem Whitney Museum oder dem MoMa der Fall ist .
In Frankreich sind die Sammler hauptsächlich Männer (73% der Sammler laut einer Umfrage von 2015), älter, gebildeter und mehr Ile-de-France als die durchschnittliche französische Bevölkerung. Obwohl einige von ihnen, wie François Pinault , zu den wichtigsten der Welt gehören, bleiben sie im Land diskret, insbesondere wegen ihres Verdachts auf ihren Status.
Die Museen haben die Rolle der Legitimation von Werken und Künstlern und stellen eine Verbindung zwischen zeitgenössischer Kunst und vergangener Schöpfung her und beteiligen sich an der Archivierung dieser Schöpfung.
Aus dem Readymade würde das Publikum eine enorme Verantwortung tragen, da es entscheiden muss, ob das, was es beobachtet, ein Kunstwerk ist oder nicht.
Ab den 1950er Jahren ermöglichten Messen eine Strukturierung des zeitgenössischen Kunstmarktes über die Organisation von Galerien hinaus. Die großen Messen bestimmen den Kunstkalender, dem sich Akteure der Branche, aber auch der Luxusgüter anpassen müssen. Für Nathalie Obadia ist es eine „ Eventisierung “ des Kunstmarktes, die es Galeristen ermöglicht, Sammler anzuziehen.
Institutionelle Orte, deren Auftrag es ist, Werke zu bewahren, kaufen zeitgenössische Kunst und zeigen die so entstandenen Sammlungen. Sie organisieren auch Ausstellungen, indem sie Werke aus anderen öffentlichen oder privaten Sammlungen ausleihen.
AfrikaFür Nathalie Obadia gibt es 2019 keine einzige afrikanische Szene, da die 54 Länder des Kontinents starke Unterschiede aufweisen. Obwohl afrikanische Künstler entstanden sind, sind diese größtenteils in Paris oder London ansässig , und es gibt keine mit westlichen Ländern vergleichbare Struktur, außer möglicherweise in Südafrika .
AmerikaZeitgenössische Kunstzentren haben zum Ziel, die Werke zeitgenössischer Künstler zu präsentieren. Sie unterscheiden sich von Museen dadurch, dass sie die ausgestellten Werke nicht aufbewahren. Sie stellen daher keine Sammlungen dar. Sie organisieren Ausstellungen nach ihren redaktionellen Entscheidungen, die für jeden Ort spezifisch sind, mit dem Ziel, die zeitgenössische Kunst zu verbreiten und zu fördern. Wir finden solche Zentren von unterschiedlicher Bedeutung auf der ganzen Welt.
AfrikaDie FRACs oder regionalen Fonds für zeitgenössische Kunst sind 1981 gegründete Kulturinstitutionen , die die Förderung zeitgenössischer Kunst zum Ziel haben. Ihre Mission ist es vor allem, ein Erbe aufzubauen , das Schaffen zu unterstützen und die Mittel, die durch die Sensibilisierung der Öffentlichkeit für zeitgenössische künstlerische Ansätze geschaffen wurden, weit zu verbreiten.
Die Zahlen aus dem Verkauf von 1 st Oktober 2004 bis 30. September 2005: 58 US%, 27% in Großbritannien, Frankreich 3% Italien 2%, Deutschland 2%, andere 8%
Messen für zeitgenössische Kunst sind der Ort, an dem große Galerien ihrem internationalen Publikum eine Auswahl ihrer Künstler präsentieren.
Das Stück „Art“ von Yasmina Reza ist für Arthur Danto und Marc Jimenez eine Allegorie der zeitgenössischen Kunst. In diesem Stück sind drei befreundete Männer über den Kauf eines monochromen Gemäldes, den ästhetischen Charakter und die Figuration gespalten.