Ein Künstlerbuch ist ein Kunstwerk , das die Form oder den Geist eines Buches annimmt .
Dieser Satz bleibt heute etwas problematisch und seine Definition im Französischen - notwendigerweise Plural - beinhaltet das Studium der verschiedenen Bedeutungen, die ihm zugrunde liegen und sich im Laufe der Zeit entwickelt haben:
Diese Wortschlachten sind nie vorbei und beziehen sich auf die Entwicklung der Künste und formal auch des Buches. Diese reiche und komplexe Entwicklung ist natürlich mit dem Kunstmarkt , dem Bibliophilen , mit der Entwicklung der Drucktechniken , den Produktionsmethoden, den verschiedenen privaten oder institutionellen Standpunkten, die Ausdruck finden, und vor allem mit dem, was unter Künstler gemeint ist, verbunden und Buch : sind nicht auch der Verleger, der Dichter, der Grafiker selbst als Formenproduzenten anerkannt? Wenn wir uns endlich auf die Seite des Objekts "Buch" stellen, sollte es dann systematisch die Form des gebundenen Notizbuches annehmen? Wir können hier deutlich sehen, dass, wenn wir das Wort Künstler auf das des Malers und das Wort Buch auf den Gegenstand reduzieren, der das Werk eines Schriftstellers enthält, der Umfang des Künstlerbuchs plötzlich reduziert wird.
Die Ursprünge des Künstlerbuchs sind notwendigerweise mit der Geschichte des Schreibens, der Malerei, des Drucks (Text und Bild) und damit der Entwicklung des „Buchobjekts“ als solchem verbunden. Das Künstlerbuch greift verschiedene Formen und Raumdarstellungen auf, die seit der Antike ( volumen ) und dem Mittelalter ( codex ) bekannt sind. Bestimmte westliche Handschriften können mit ihren Miniaturen – nach dem Prinzip der Organisation der Verbindungen zwischen Text und Bild – als Vorläufer der Künstlerbücher der Neuzeit angesehen werden.
In Europa stellt die Tradition des Buchdrucks von der Erfindung durch Johannes Gutenberg bis heute eine weitere Quelle des Künstlerbuches dar . Ein Beispiel (vielleicht eines der prächtigsten) des Buches, das die Präsentationsformen kombiniert, ist La Prose du Transsibérien (1913) von Sonia Delaunay und Blaise Cendrars . Es ist ein zwei Meter langes Band, das aus vier geklebten Blättern besteht und nach chinesischer Art als Faltblatt gestaltet ist. Ein weiterer historischer Meilenstein war die Entstehung des Buches Parallel von Pierre Bonnard und Paul Verlaine , das 1900 von Ambroise Vollard herausgegeben wurde. Seitdem wird das Künstlerbuch als Genre der grafischen und plastischen Kunst mit dem Medium Buch betrachtet.
Andererseits ist auch die Entwicklung der Statuten des Künstlers, des Schriftstellers und des Verlegers durch das Konzept der "Auktionalität" zu berücksichtigen: Das Künstlerbuch ist letztlich ein Gerät, das im Laufe des XIX ten Jahrhundert. Hier die wichtigsten Phasen:
Eines der ersten Bücher, die vollständig am Rande eines Systems gedacht, entworfen und produziert wurden, das zu dieser Zeit mit dem Privileg der Veröffentlichung verbunden war, das den Druck regulierte und begrenzte, ist die Sammlung von Gedichten Songs of Innocence and of Experience, die von William Blake in a wenigen Kopien, denen 1788 All Religions are One voranging , Werke, die mit Hilfe seiner Frau Catherine entworfen wurden. Mit dieser Reihe illuminierter Bücher (neun Hauptsammlungen) zeigt sich Blake als multidisziplinärer Schöpfer: Dichter und Maler, Graveur, Drucker und Verleger. Er formatiert seine Texte und seine Gravuren nach einer für ihn spezifischen Technik, die der Radierung nahekommt , indem er auf derselben Kupferplatte die Beziehungen zwischen Text und Bild organisiert, die er zuerst mit Säure bearbeitet hat, dann wurde das Blatt nach dem Druck retuschiert Aquarell, das letztendlich jede Kopie zu einem Unikat machte. Dies ist Teil der langen Tradition, die auf illuminierte Bücher aus dem Mittelalter wie Les Très Riches Heures du Duc de Berry zurückgeht , nur dass Blake hier eine kleine, vollkommen autonome mechanische Produktionseinheit eingerichtet hat, die keiner Arbeit gehorcht.
Laut Yann Sodet wird die Leidenschaft der Buchsammler durch die Illustrationen gesteigert. Durch diese Bewegung entsteht im späten XVIII - ten Jahrhundert , zumindest in Frankreich. Zitieren wir diese Ausgabe von Contes et nouvelles en vers de La Fontaine illustriert von Fragonard (1762) oder später, die von Caprices de Goya (um 1799), oder diesen Faust von Goethe illustriert von Eugène Delacroix (1828), äußerst seltene Werke (Vorläufer des Künstlerbuches ), die der Sammler Henri Beraldi als die ersten Juwelen des modernen Bildbandes betrachtete .
In der Mitte des XIX - ten Jahrhunderts , entstand die Idee , einen Künstler-Schriftsteller und Dichter zu verbinden, im Sinne eines weniger luxuriösen bibliophilen (oder „bürgerlich“), so dass mehr zugänglich. Diese ersten Versuche verdanken wir zumindest in Frankreich Verlegern wie Alphonse Lemerre (verbunden mit Philippe Burty ), Richard Lesclide und Auguste Poulet-Malassis . Der Name „Malerbuch“ wird dann verwendet, um diese Produktionen zu qualifizieren.
Um 1875 entstand parallel zu den britischen Erfahrungen der Arts & Crafts- Bewegung, die die Entwicklung kleiner unabhängiger Produktionseinheiten ( Gilden ) befürwortete , in Frankreich eine neue Schule der Bibliophilie , die das Buch im Lichte einer engeren Zusammenarbeit mit Malern neu gestaltete. Diese Bücher, deren Produktion lange Zeit über technische Probleme reprographischer Art stolperte, wurden im Abonnement verkauft und einige Experimente scheiterten aus kommerzieller Sicht. Aber sie haben immer einen Verleger, einen Schriftsteller – oder einen Text – und einen Künstler involviert, um es in ein Bild zu bringen. So wird Le voyage d'Urien (1893) oft als eines der ersten Werke der Zusammenarbeit zwischen dem Autor und dem Künstler ( André Gide und Maurice Denis ) angesehen. Nur wenige der Künstler gehen dann von sich aus zu einer vollständigen und vollständigen Verlagstätigkeit: zitieren wir beispielsweise Paul Gauguin, der nach Holzschnitten einige Exemplare, Sammlung und Rezension selbst erstellt hat. In den 1960er Jahren erbten einige Künstler diese Art der Arbeit mit Büchern, darunter Bertrand Dorny , Alain de La Bourdonnaye (in Frankreich), aber auch Dietrich Lusici (in Deutschland).
Die Jahre 1900-1930 bezeichnen den wichtigen Zeitraum für das Künstlerbuch. So nennt Walter-John Strachan die Namen der Künstler, die in dieser Zeit die Pioniere dieses Genres waren: Pablo Picasso , Georges Braque , Juan Gris , Pierre Bonnard , Auguste Rodin , Maurice Denis , Émile Bernard , Pierre Laprade , Raoul Dufy , Aristide Maillol , Georges Rouault , André Derain , Marc Chagall , André Dunoyer de Segonzac , Odilon Redon ...
In den letzten Jahren der Belle Époque entschieden sich einige Künstler, das Medium „Buch“ zu überdenken. Lassen Sie uns Marinetti zitieren, dessen theoretische Schriften zu Beginn der 1930er Jahre zur Konzeption futuristischer Bücher führen , die von italienischen Künstlern erfunden und konzipiert wurden, die ungewöhnliche Materialien beschworen; erwähnen wir auch die konstruktivistischen Erfahrungen insbesondere mit Rodtchenko , Olga Rozanova oder Alexeï Remizov . So beginnt beispielsweise Ilia Zdanewich (Iliazd), der 1921 nach Paris zurückkehrt, die Bücher mit dem typografischen Zaoum zu produzieren . Diese Erfahrungen trugen dazu bei, die Grafik zu revolutionieren , Typografie , Bindung , Formate und Text-Bild-Arrangements neu zu denken und die Präsentationsstandards des Buchobjekts grundlegend aufzurütteln.
Marcel Duchamps Ansatz war ein ganz anderer: Lange bevor er über Man Ray und Francis Picabia mit dem Dadaismus in Verbindung gebracht wurde , stellte er sich 1913 vor, Reproduktionen seiner Schriften und seiner Zeichnungen in einer Kiste zu sammeln, was er 1914 tat das Konzept der surrealistischen Kiste , das eine Bewegung wie Fluxus Ende der 1950er Jahre systematisierte.
Schließlich verschwimmen in den Jahren 1930-1950 die Grenzen zwischen Verleger, Künstler und Schriftsteller durch die Erfahrungen eines Georges Hugnet oder eines Pierre-André Benoit noch mehr : Hier wird der Verleger als Künstler gesehen, der Künstler entscheidet sich, ein Redakteur und mehr. Wer, der Autor, der Künstler, der Verleger hat den entscheidenden Anteil, der dem Objekt seine Einzigartigkeit verleiht? Auf diese Frage gibt es keine eindeutige Antwort, die offen bleibt.
Die Avantgarde, die nach 1945 in den USA, Europa, Brasilien oder Japan entstand, prägte die konzeptionelle Herangehensweise des Buches maßgeblich. Aus theoretischer Sicht wurde eine Schrift, die zur Zeit ihrer technischen Reproduzierbarkeit so wichtig war wie Das Kunstwerk von Walter Benjamin erst Mitte der 1950er Jahre verbreitet, aber die Idee, dass man Kunst in Serie machen kann, diese Einzigartigkeit nicht den Status eines Werkes bedingte und schließlich einem in mehreren Exemplaren hergestellten Objekt eine bemerkenswerte ästhetische Dimension zuschreiben kann, keimte bei vielen Künstlern schon lange vor dem Krieg: Dadaismus und Surrealismus haben nicht zuletzt das Verhältnis zwischen Buch und Künstler, insbesondere durch die Beschlagnahme des Buches und die Herstellung einer großen Anzahl von Werken. Schließlich trug die Erfindung des Readymades wesentlich dazu bei, den Status eines Kunstwerks zu entweihen: Duchamp hatte sich bereits in den 1930er Jahren dazu verpflichtet, "beglaubigte Kopien" seiner Readymades herzustellen, indem er die Herstellungsprozesse der sogenannten Manufaktur umlenkte Objekte.
Nach dem Krieg war das Medium Buch beispielsweise für die Begründer der nordeuropäischen Cobra-Bewegung von besonderem Interesse , und der Maler Alechinsky bleibt einer der produktivsten Künstler in Bezug auf Bücher. Eines ihrer Mitglieder, Asger Jorn , trat der Situationistischen Internationale bei und produzierte 1959 zusammen mit Guy Debord ein Werk mit dem Titel Mémoires in Form einer Ablenkung des Konzepts eines Malerbuchs mit einem Sandpapiereinband . Die Lettristenbewegung konzentrierte sich inzwischen besonders auf das Buch als Experimentierfeld. Der belgische Künstler Marcel Broodthaers und seine Fundstücke, der Brasilianer Augusto de Campos und seine konkreten Gedichte , der japanische Performer Jirō Yoshihara der Gutai- Bewegung und seine minimalistische Kalligraphie auf mehreren Trägern haben dazu beigetragen, das Medium Buch und seine Beziehung zur künstlerischen Geste neu zu denken . . Theoretisiert von dem am Bauhaus ausgebildeten Architekten , dem Schweizer Max Bill , hat die konkrete Kunst einen Künstler wie Dieter Roth entscheidend geprägt : Er lernte 1954 Daniel Spoerri kennen, begann dann 1957 in Island Bücher zu machen , nicht einzigartig, aber in mehrere Exemplare, indem er seinen eigenen Verlag gründete: Forlag ed . 1959 gründete Spoerri auch einen Verlag, Éditions MAT , der so genannte Multiples produzierte und auch seinen Freund Roth als Teil dieser Struktur einlud.
Eng verbunden mit Duchamp eröffnete John Cage von 1957 bis 1959 an der New School in New York eine Seminarreihe, aus der die meisten Künstler der Fluxus- Bewegung hervorgingen . Ab 1958 produzierte George Brecht Schachteln, manchmal komische Ablenkungen von Gedankenspielen oder "Puzzles", begleitet von kleinen Texten, die auf Pappkarten und Alltagsgegenständen (Münzen, Muscheln, Perlen usw.) gedruckt wurden. George Maciunas , Joseph Beuys , Yoko Ono , Emmett Williams , Nam June Paik , Ben , Ken Friedman und andere haben diese Art von Objekten ebenfalls in Zusammenarbeit mit Anhängern des Neuen Realismus produziert .
Die 1960er Jahre waren geprägt von der Produktion einer großen Anzahl von Büchern, die von Künstlern der Zeit signiert wurden, darunter La Liberté des mers (Paris, Adrien Maeght, 1960, Lithographien von Georges Braque , Gedichte von Pierre Reverdy ), Poèmes et bois (Paris, Degré quarante et un, 1961, Gedichte und Stiche von Raoul Hausmann , Typografie von Iliazd ), Thésée von Abram Krol (Paris, Krol, 1963, Holzschnitte und Druck von Abram Krol, mit Text von André Gide ), Un suspçon (Paris, Degré quarante et un, 1965, Stiche von Michel Guino , Gedichte von Paul Éluard ), Meccano (Mailand, Tosi & Bellasich, 1966, Stiche von Enrico Baj , Text von Raymond Queneau ), Cerceaux sorcellent (Basel, Beyeler & Paris, Bucher, 1967 , Lithographien von Jean Dubuffet , Text von Max Loreau ), L'Inhabité (Paris, Hugues, 1967, Kupferstiche von Alberto Giacometti , Gedichte von André du Bouchet ) oder noch Le Chien de cœur (Paris, GLM, 1969, Lithographie von Joan Miró , Gedichte von René Char ) ... Diese Bücher sind gekennzeichnet durch eine beachtliche plastische Arbeit der Künstler, deren Realisierung mehrere Jahre dauerte, weil die Vorbereitungen viele Studien und Zeichnungen erforderten und weil es notwendig war, verschiedene Stadien der Stiche herzustellen. Die Drucke waren aufgrund der künstlerischen Produktion begrenzt, deren Qualität durch den Beitrag von Typographen und innovativen Redakteuren wie Guy Lévis Mano , Iliazd oder Adrien Maeght bestätigt wurde …
Gleichzeitig versuchen Künstler wie Art & Language (mit: Art-Language The Journal of concept art ), Edward Ruscha , Jan Dibbets , Christian Boltanski oder Marcel Broodthaers , das Buch textlich und visuell darzustellen experimenteller Weg. Aber die Verwirklichung dieser Bücher in Konflikt mit dem Künstlerbuch war , als wir von Anfang des hörte XX - ten Jahrhundert, veröffentlichten eine große Anzahl von Kopien auf Normalpapier, brachen diese Bücher der damit verbundenen Vereinbarungen bibliophile Praktiken und den Druckmarkt. Ohne Nummern und ohne Vorzeichen stehen sie gewissermaßen in der Linie der Pop-Art, die die Apparate der industriellen Produktion umleitete, indem sie sie mit in großer Zahl durchgeführten Eigenproduktionen umging.
Es ist wichtig, auf das erste "Buch" von Ed Ruscha zurückzukommen. „Im Jahr 1963 erschien ein seltsames kleines Buch, das trotz seines vertrauten Aussehens undefinierbar war und den Titel Twentysix Tankstellen trug . Es vereint sechsundzwanzig fotografische Schwarz-Weiß-Reproduktionen von Tankstellen im Westen der Vereinigten Staaten, mit nur kurzen Bildunterschriften für den Text. Vom kalifornischen Maler Edward Ruscha signiert und von ihm herausgegeben, steht es beispielhaft für ein neues Genre in der bildenden Kunst, das Künstlerbuch. Mit der bibliophilen Tradition des "illustrierten Buches" oder "Malerbuches" brechend, handgemacht und bei dem ein Künstler seine Stiche mit dem Text eines Schriftstellers verbindet, hat das Künstlerbuch einen Künstler als alleinigen Autor, der sich für die Arbeit in die Form des modernen Buches. Das Künstlerbuch präsentiert sich daher als ein Buch von gewöhnlicher Erscheinung, von bescheidenem Format, gedruckt mit zeitgenössischen Techniken wie Offset, in einer weitgehend uneingeschränkten Auflage. » Anmerkungen Anne Moeglin-Delcroix. Wichtig ist hier also nicht die Qualität des Drucks, des Papiers, der Gravurtechnik, sondern der direkte Eingriff des Künstlers in die Gestaltung des Buches. Diese Bücher im "amerikanischen Stil", manchmal abwertend als "Fotobücher" klassifiziert, wurden manchmal als kleine Episode in der Geschichte des Künstlerbuchs angesehen.
Seit den 1960er Jahren sind diese Bücher nichts anderes als „Fotobücher“ und können auch andere Formen als Fotografie annehmen. Auch hier initiierte Edward Ruscha noch weit nach den 1960er Jahren andere Arten von Künstlerbüchern im "amerikanischen Stil", wie zum Beispiel They Called Her Styrene usw. erschienen im Jahr 2000 mit Phaidon- Ausgaben . Dieses Buch ist ein kleines Objekt, das in jede Bibliothek passt. Es misst 12,3 x 18,5 Zentimeter und enthält etwas mehr als 550 Illustrationen, die Arbeiten zu den Worten von Edward Ruscha sind . Das Buch hat keine besondere Handlung, sondern charakterisiert den künstlerischen Bereich und die Identität des Künstlers, die Worte folgen aufeinander. Hier kein Foto, kein Bild mit Bildunterschrift, sondern nur eine Ansammlung von Zeichnungen und Bildern, die Worte darstellen, ohne erklärenden Text.
Das Künstlerbuch ist seit den 1970er Jahren zu einem Genre und einer Ausdrucksform geworden und nicht nur amerikanisch: Jedes Jahr entstehen viele Titel, die entweder über Fachverlage, Kunstzentren oder Institutionen oder direkt von den Künstlern selbst auf eigene Rechnung veröffentlicht werden. Auch wenn es schwierig ist, den aktuellen Stand der künstlerischen Produktion zu definieren, so ist sie dennoch äußerst lebendig, begünstigt natürlich durch neue Digitaldrucktechniken und Self-Publishing . Zahlreiche Veranstaltungen und Ausstellungen zeugen von dieser Produktion. Die FIAC-Show eröffnete Anfang der 2000er Jahre sogar eine Sektion für diese Art von Produktionen.Es gibt auch Neuauflagen ( Reprint ) berühmter Produktionen, wie zum Beispiel die von Richard Long , Lawrence Weiner , Herman de Vries , Peter Downsbrough , Germano Celant, etc.
Die 1999 von dem Künstler und seiner Frau June Newton erstmals veröffentlichte Inszenierung von Helmut Newton , SUMO , wurde von letzterem überarbeitet und neu aufgelegt und gibt TASCHEN im Februar 2018 heraus. Dieses Buch ist in mehrfacher Hinsicht ein Rekord: Es wiegt 35,4 Kilo, hat eine einzigartige Unterstützung, entworfen vom Designer Philippe Starck und wird für 15.000 € pro Buch verkauft. Obwohl das Werk in einer Auflage von 10.000 Exemplaren veröffentlicht wurde, war es nach seiner Veröffentlichung schnell vergriffen, was zu einer sofortigen Wertsteigerung führte. Kopien von SUMO sind jetzt in großen Sammlungen von Kunstbüchern und Künstlerbüchern auf der ganzen Welt zu finden. Die „mythische Kopie n o 1“ von über hundert Prominenten unterzeichnet dargestellt in dem Buch, wurde im Jahr 2000 in Berlin versteigert und hat den Preis von 317.000 € erreicht, das brachte er in dem veröffentlichten Rekord für das teuerste Buch schlägt XX - ten Jahrhundert . Nach diesem Erfolg sind die Ausgaben von TASCHEN und June Newton zurück mit einem in Format und Preis zugänglicheren Exemplar, insbesondere um ein breiteres Publikum zu erreichen. Auch wenn der Preis von 100 € für einen allgemeinen Leser ein recht hoher Preis bleibt, hat das Buch nun ein Format von 26,7 x 37,4 Zentimetern und wird immer mit einer Auflage geliefert, um die Handhabung des Buches zu erleichtern.
Sehr verwurzelt in einer modernistischen Tradition, die um die Wende des 20. Jahrhunderts geboren wurde, fand die „Creation Edition“ in den 1980er Jahren neues Leben , manchmal unterstützt von Künstlern, Dichtern, Forschern und Institutionen. Es sind vor allem die Dichter , die im Künstlerbuch einen Raum finden, um sich mit bildenden Künstlern zu teilen und einen privilegierten Treffpunkt zu schaffen: „Um zusammenzuarbeiten, wollen Maler und Dichter frei sein. Abhängigkeit senkt, verhindert Verständnis und Liebe“, schreibt Paul Éluard. So haben Autoren wie Michel Butor , Andrée Chédid , Jacques Kober , Michel Déon , René Pons oder Bernard Noël (der selbst Illustrationen angefertigt hat), um nur einige zu nennen, mit Malern oder Graveuren bei der Herstellung einer Vielzahl von Künstlerbüchern zusammengearbeitet . Es war zu diesem Zeitpunkt , dass die Verlage von den Künstlern geschaffen , sich gegründet wurden, zum Beispiel: Onciale Sergent Fulbert von Jean-Jacques Sergent , Bewährungs gravée d ' Alain Bar , Atelier Tanguy Garric [3] , Imprimerie d'Alsace-Lozière durch Bernard Gabriel Lafabrie ...
Zu Beginn des XXI ten Jahrhundert , Forschung einiger Künstler - wie Durchsuchungen , die auf experimentelle Arbeit verlassen getragen von der Künstlergruppe aus Weiß Sphinx im Künstlerbuch des Labors - zeigt einen erneuten kritischen Ansatz und Werkzeuge zum Erstellen und Analysieren eines Künstler Buch. Darüber hinaus hat die digitale Revolution natürlich auch den Begriff der Bibliophilie und den Kunstmarkt aufgerüttelt. Der Künstler konzipiert das Buch nicht nur und schreibt es (und nicht mehr nur in Worten), sondern produziert und vertreibt es über das Internet, zusätzlich zu Buchhandlungen oder Fachgeschäften. Die angelsächsischen Vorstellungen von freier Presse und kleiner Presse verbinden sich in Frankreich mit der des unabhängigen Verlagswesens , das einem Künstlerbuch ein Territorium der Möglichkeiten eröffnet. Kurz gesagt, das Künstlerbuch bleibt ein Raum der Freiheit für Schöpfer, wer auch immer sie sind.
Öffentliche Einrichtungen in FrankreichNicht nur in Frankreich (vgl. die Vorreiterrolle des ICA in London) ermöglicht die öffentliche Förderung die Förderung von Künstlerbüchern, den Aufbau durchsuchbarer Sammlungen, die Finanzierung von Forschungen und sogar Kreationen und Veranstaltungen. Diese Pole bilden Reservate, die reich an Künstlerbüchern sind und nicht nur französische. Geben wir als Beispiel:
Assoziative Werkstätten und Zentren für zeitgenössische Kunst, die mehr oder weniger von lokalen Institutionen unterstützt werden, öffnen Orte speziell für Künstlerbücher und kümmern sich auch um die Organisation von wiederkehrenden Veranstaltungen:
Kunst und Bücher haben in Belgien fast zwei Jahrhunderte lang eine bedeutende Produktion genährt . Zwei Institutionen stehen Künstlerbüchern besonders offen: das Königliche Museum von Mariemont und die Königliche Bibliothek von Belgien .
Die Stadt Brüssel verfügt über eine private Bibliothek für Künstlerbücher (Bibart) und eine von einem Sammler organisierte Ausstellung "Histoires de livres". In der Nähe von Brüssel befindet sich auch eine Bibliothek des Museums des Reluire et des Arts du livre, Wittockiana, mit einer renommierten Sammlung von Künstlerbüchern und Buchbindereien.
Das Künstlerbuch behauptet sich tendenziell als eigenständiges multidisziplinäres Ausdrucksmittel. Im Künstlerbuch kommen viele plastische Techniken zum Einsatz (Grafik, Malerei, Fotografie, Skulptur, Collage etc.). Alle Formen und mehrere Schriftfelder kommen dort zum Ausdruck (Bild, Gedicht, Notizen, wissenschaftliche Texte etc.). So sehen wir das Aufkommen von Dichter-Künstlern, die das Buch als den Ort der Gesamtkunst begreifen, wo die Freiheit der Form auf die des Ausdrucks trifft.
Das Künstlerbuch ist ein "genetisches" Dokument, das diesem Werk entspricht. Das Interesse, dem genetischen Pfad der Erstellung von Künstlerbüchern zu folgen, zeichnet sich in folgenden Bereichen ab: