Das Foto ist der Satz von Techniken, Verfahren und Materialien, die ein Standbildmotiv aufnehmen können.
Der Begriff "Foto" bezeichnet auch das erhaltene Bild, den Fototyp (sichtbares und stabiles Foto, egal ob negativ oder positiv, erhalten nach Belichtung und Behandlung einer empfindlichen Schicht) oder nicht.
Der Begriff bezieht sich auch auf den Zweig der grafischen Kunst , der diese Technik verwendet.
Das weibliche Substantiv "Fotografie" ( Fotografie ) wurde bald von John Herschel vorgeschlagenchelMärz 1839und stammt aus zwei Wurzeln griechischen Ursprungs :
Wörtlich: „mit Licht malen“. Der kürzere Begriff "Foto" wird sehr häufig verwendet. Wenn wir von einem fotografischen Bild sprechen, verwenden wir oft auch die Begriffe „Bild“ oder „Ansicht“ und, aber seit dem Aufkommen der digitalen Fotografie immer weniger , „Druck“ oder „Vergrößerung“.
Auf Französisch wird "Foto" bezeugt von1832in François Raymonds Allgemeinem Wörterbuch der französischen Sprache, sondern als „Beschreibung der Naturgeschichte, die sich mit Licht beschäftigt“ . Die erste bekannte Anwendung der Fotografie als "Technik zur Darstellung der Realität und zur Reproduktion von Bildern durch Prozesse, die auf chemischen Reaktionen mit Licht und optischen Mitteln basieren" erscheint in den Notizbüchern von Hercule Florence , dat21. Januar 1834.
Im Deutschen ist der Begriff bezeugt von25. Februar 1839in der Vossischen Zeitung .
Der Begriff Fotografie resultiert aus einer Reihe zahlreicher technologischer und technischer Innovationen in den Bereichen Optik , Chemie , Mechanik , Elektrizität , Elektronik und Informatik . Es basiert auf dem biologischen Mechanismus des menschlichen Auges .
Die beiden zur Erlangung fotografischer Bilder notwendigen Phänomene waren für manche schon lange bekannt und wurden im Optikvertrag erklärt . Die Reflexionen von Aristoteles und die Werke des Vaters der modernen Optik Ibn al-Haytham machten es möglich, die Realität zu verpacken; es genügt, ein "kleines Loch" ( pinhole ) in einen dunklen Raum (lateinisch: camera obscura ) zu bohren , um im weißen Hintergrund der Box ein umgekehrtes Bild erscheinen zu sehen. Andererseits wussten Alchemisten, dass Licht Silberchlorid verdunkelt . Um 1780 gelang es Jacques Charles , besser bekannt durch seine Erfindung des mit Wasserstoff aufgeblasenen Ballons , eine im Dunkelkammerverfahren erhaltene Silhouette auf silberchloridgetränktem Papier einzufrieren, jedoch auf flüchtige Weise. Thomas Wedgwood (1771-1805) machte ähnliche Versuche mit Silbernitrat ; veröffentlichte er eine Abhandlung in 1802. Für seinen Teil John Herschel in 1819 beschreibt die Eigenschaften von Natriumhyposulfit , die das werden wird Fixiermittel .
Nicéphore Niépce , ein Erfinder aus Chalon-sur-Saône , kombiniert diese drei Verfahren, um Bilder (von durchschnittlicher Qualität und mehrere Tage Belichtungszeit) auf Weißblech zu fixieren, die mit Bitumen aus Judäa bedeckt sind , einer Art natürlicher Teer, der die Eigenschaft hat auszuhärten im Licht ( 1826 oder 1827 ); das erste Foto zeigt einen Flügel seines Anwesens in Saint-Loup-de-Varennes in Saône-et-Loire . Nicéphore starb 1833 und Louis Daguerre verbesserte den Prozess weiter. Durch die Entdeckung des Prinzips der Entwicklung des latenten Bildes findet Daguerre einen Weg, die Belichtungszeit auf einige Dutzend Minuten zu verkürzen. In 1839 förderte er seine Erfindung der Wissenschaftler und Stellvertreter François Arago , der ihm seine Unterstützung gab.
Das konventionelle Datum der Erfindung der Fotografie ist also 7. Januar 1839, Tag der Präsentation von Daguerres "Erfindung", der Daguerreotypie, durch Arago vor der Akademie der Wissenschaften . Es ist eigentlich eine Verbesserung von Niepces Erfindung.
1861 machte Thomas Sutton das erste Farbfoto . 1869 stellten Louis Ducos du Hauron und Charles Cros ein Verfahren zur Entstehung der Trichromie vor .
Es ist möglich, das Foto nach dem behandelten Motiv, den Aufnahmebedingungen, dem Zweck usw. zu kategorisieren.
Eine mögliche Kategorisierung ist die Unterscheidung zwischen Außenaufnahmen, bei Tageslicht oder bei öffentlicher Beleuchtung einerseits und Innenaufnahmen mit flexibler künstlicher Beleuchtung und andererseits Aufnahmen ohne menschliche Anwesenheit, die, mit einer. Diese Klassifizierungsmethode gibt vier Kategorien von Fotografien:
| - | Keine menschliche Präsenz | Eine menschliche Präsenz |
|---|---|---|
| Draußen | Landschaft, Architektur, Tierfoto Makrofotografie... |
Ländliche Fotografie Urbane Fotografie Fotojournalismus Kriegsfotografie ... |
| Innere | Stillleben, Food-Fotografie ... |
Porträt, Mode ... |
Wir müssen natürliches Licht von künstlichem Licht unterscheiden.
Es gibt zwei Arten von natürlichem Licht: drinnen und draußen.
Wir können sechs Arten von künstlichem Licht unterscheiden, die sich nach der Art der Quelle unterscheiden, kontinuierlich (Glühlampen, Wolfram oder LED) oder diskontinuierlich (elektronischer Blitz) und nach der Größe der Quelle (von 10 cm Durchmesser für kleine Fresnel-Strahler). als Mizar oder Magis, mehr als 3 m Durchmesser, wie beispielsweise 330 cm von der Modellierer FP Broncolor über den gesamten Bereich des Modellierer Profoto und Elinchrom ).
Ein Bild besteht aus Kontrasten : Intensität (zwischen Schwarz und Weiß), Farbe (Blau und Rot), Textur (Hintergrund und Gesicht).
Unterbelichtetes Gegenlicht : Der Kontrast zum hellen Hintergrund verwandelt das Motiv in eine einfache Silhouette.
Überbelichtetes Gegenlicht : Das Motiv hebt sich von einem Hintergrund ab, der mit einer unwirklichen Helligkeit gesättigt ist.
Nahaufnahme, hier der niederländische Premierminister Mark Rutte , der größtenteils von Kunstlicht beleuchtet wird.
Die direkte Beleuchtung der Sonne verursacht erhebliche Kontraste, die die Wahrnehmung des Hauptmotivs verwischen.
Ein Reflektor kann verwendet werden, um Kontraste abzuschwächen, indem Schattenbereiche aufgehellt werden.
Wie der Name schon sagt, dreht sich beim Fotografieren alles darum, Licht zu verwenden, um etwas festzuhalten. Dies setzt einerseits voraus, dass Licht aufgenommen werden soll, und andererseits, dass dieses Licht durch seine Kontraste Figuren und ein interessantes Bild bildet : Intensitätskontraste zwischen Schwarz und Weiß, Farbkontraste, kontrastierende Texturen, die durch ihre Anordnung das fotografierte Motiv wiederherstellen. Die Kunst des Fotografen besteht vor allem darin, mit diesem Licht zu spielen, was manchmal darin besteht, die Beleuchtung so zu organisieren, dass sein Motiv besser erfasst wird.
Es reicht nicht aus, dass Licht vorhanden ist, um ein gutes Foto zu machen, es muss auch an das Motiv angepasst sein, das der Fotograf einfangen möchte. Ein Gegenlicht- Foto führte beispielsweise zu einem starken Kontrast zwischen Motiv und Hintergrund, aber die Details des Motivs selbst sind in dunklen Bereichen oft nicht zu erkennen: Hier gilt ein Gegenlicht- Portrait oft als Fehlschlag (und erfordert die Verwendung eines Blitzes , um das Motiv zu löschen). Aber diese Hintergrundbeleuchtung kann selbst einen interessanten künstlerischen Effekt darstellen, um eine abstrakte Silhouette hervorzuheben. Umgekehrt kann der Fotograf die Belichtung korrigieren, um den Hintergrund zu sättigen, und sein Motiv in einem leuchtenden Halo wiederherstellen.
Ebenso erzeugt direktes Sonnenlicht Schatten- und Lichtbereiche, die einen stark kontrastierenden Hintergrund bilden können, der die Lesbarkeit des Hauptmotivs beeinträchtigt. Aus dieser Sicht ist es viel sicherer, ein Motiv in gleichmäßiger oder diffuser Beleuchtung darzustellen. Um dieses Problem zu vermeiden, werden Künstlerateliers vorzugsweise durch nach Norden öffnende Erker beleuchtet.
In Bezug auf das Motiv, das er reproduzieren möchte, fügt der Fotograf ein wesentliches Element der Fotografie hinzu: den Rahmen.
Der Rahmen setzt vor allem eine Grenze zwischen dem, was im Bild wiedergegeben wird und was im Gegenteil ausgeschlossen werden soll. Im Gegensatz zum Maler, der seiner Komposition Elemente hinzufügt, geht es dem Fotografen in erster Linie darum, unnötige Elemente aus seinem Rahmen zu eliminieren, die der Idee, die er vermitteln möchte, fremd sind oder die Aufmerksamkeit des Betrachters ablenken: im Hintergrund vorbeiziehende Figuren, elektrische Kabel, Flugzeug am Himmel ... Nach einem Sprichwort von Porträtmalern muss man sich zuerst für das Dekor interessieren, bevor man sich das Modell ansieht.
Der Rahmen definiert dann den Raum, in dem das Motiv inszeniert wird. Das Foto muss die verschiedenen Teile seines Motivs so darstellen, dass es angenehm und leicht wahrnehmbar ist. Die Kraftlinien des Bildes werden in Bezug auf den Rahmen definiert: Diagonalen , Drittelregel usw. Für eine bestimmte Szene kann der Fotograf seine Komposition durch den Rahmen harmonisieren oder nicht. Bei Dias, die nachträglich nicht beschnitten werden können, ist die Sorgfalt beim Einrahmen besonders wichtig.
Das "Motiv" eines Fotos ist alles, was im Rahmen vorhanden ist. Abgesehen von einer besonders "engen" Rahmung nimmt das Hauptelement oft nur einen winzigen Bruchteil des Bildes ein. Der Rest bildet den Hintergrund, oft im Vordergrund oder Hintergrund, manchmal in derselben Einstellung wie das Hauptelement. Eine gute Komposition sollte dafür sorgen, dass das Dekor das Motiv ausreichend kontrastreich betont und das Auge nicht mit unnötigen Details ablenkt.
Beispiel für ein Foto mit einem schlechten Gestaltung : das Bild schwappt unnötig auf benachbarten Stühlen über und auf den Boden.
Abgesehen von Kompositionen, die mit Textur spielen , ist es selten, dass ein Thema den gesamten Rahmen einnimmt.
Die Drittelregel betrifft die harmonische Beziehung des Subjekts zu seinem Rahmen.
Ein rad schlagender Pfau setzt seinen eigenen Hintergrund.
Das Hauptelement nimmt oft nur einen winzigen Bruchteil des Bildes ein.
Eine geringe Schärfentiefe verwischt den Hintergrund.
Die wesentlichen Funktionen einer Kamera haben sich von Anfang an nicht verändert, obwohl sich die Ausstattung stark verbessert hat.
Das zentrale Element des Gerätes ist seine Linse . Es spielt die Rolle einer konvergierenden optischen Linse , die dahinter das Bild der davor liegenden Objekte bildet. Das Objektiv zeichnet sich durch seine Brennweite aus , das ist die Entfernung, in der das Bild von Punkten im Unendlichen entsteht. Wie die Gesetze der geometrischen Optik zeigen , ist dieses Bild umso größer, je größer die Brennweite ist: Unter sonst gleichen Bedingungen erzeugt ein 300- mm-Objektiv also ein Bild mit einem sechsmal größeren Durchmesser als ein anderes von 50 mm . Als Erbe des einfachen Objektivs hat das moderne Objektiv ein ausgeklügeltes Design, das zu einer allgemein komplexen optischen Formel führt .
Hinter dem Objektiv befindet sich eine empfindliche Oberfläche, die die Funktion hat, das entstandene Bild aufzunehmen. Bei der Silberfotografie wurde diese Oberfläche zunächst von einer Glasplatte gebildet, die eine fotografische Emulsion trägt , dann von einem fotografischen Film . Mit der Verallgemeinerung der Digitalfotografie ist diese Oberfläche heute meistens ein fotografischer Sensor .
Ein wesentliches Merkmal dieser Oberfläche ist ihre Empfindlichkeit , dh die Lichtmenge, die erforderlich ist, um eine bestimmte Lichtintensität , typischerweise ein mittleres Grau, zu registrieren . Je empfindlicher der Sensor ist, desto besser ist es möglich, in dunklen Umgebungen zu fotografieren oder bei gleichen Lichtverhältnissen das Bild schnell aufzunehmen. Das andere wesentliche Merkmal ist die Körnigkeit , die die Schärfe angibt, mit der dieses Bild aufgenommen werden kann: Je größer diese Auflösung, desto detailreicher wird das Bild und kann insbesondere vergrößert werden.
Um nur das durch das Objektiv hindurchtretende Licht zu empfangen, wird die empfindliche Fläche am Boden einer Dunkelkammer platziert , deren einzige Öffnung vom Objektiv eingenommen wird. Offensichtlich ist die Linse vor dem Einstellen der Szene geschlossen und lässt kein Licht durch; und nach der Aufnahme schließt sie sich wieder, um kein zusätzliches Element aufzuzeichnen: Die Aufnahme betrifft nur einen definierten Moment. Es ist die Aufgabe des Verschlusses nur, das Eintreffen von Licht nur zu einem bestimmten Zeitpunkt und für einen bestimmten Zeitraum zuzulassen.
Das vom fotografierten Objekt emittierte Licht wird vom Objektiv irgendwo fokussiert , d. h., das gesamte Licht, das von einem bestimmten Punkt des Objekts emittiert wird, sammelt sich auf demselben Punkt des Bildes, dessen Punkt konjugiert ist, dessen Abstand zum Objektiv ist durch die Konjugationsrelation gegeben . Daher muss die empfindliche Fläche in diesem Fokusabstand platziert werden: Wenn sie näher oder weiter entfernt ist, werden die Lichtstrahlen, die von derselben Stelle des Objekts kommen, nicht mehr fokussiert und in Form von "a" aufgezeichnet um so größer, wenn Sie sich vom Brennpunkt entfernen.
Um diese Fokussierung zu erreichen , die es ermöglicht, den Brennpunkt wieder auf die empfindliche Fläche zu bringen, kann das Objektiv weiter vorgeschoben werden, je näher das fotografierte Objekt ist. Wenn die Fokussierung erreicht ist, erscheinen alle Objekte, die sich auf der konjugierten Ebene des Sensors befinden (d. h. in der Fokusentfernung), auf dem Foto scharf.
Wenn das fotografierte Objekt nicht eben ist, sehen einige seiner Punkte ihren konjugierten Punkt oberhalb oder unterhalb der empfindlichen Oberfläche. Ihr Bild ist dann ein Fleck, je größer sie von der Brennebene entfernt sind und je größer die Öffnung des Objektivs ist. Solange dieser Fleck auf dem endgültigen Bild das Auflösungsvermögen des Auges (für den Betrachtungsabstand des Bildes) nicht überschreitet , ist diese Ausbreitung unsichtbar und daher ohne Bedeutung. Daher ist der Schärfebereich nicht auf die einzigen Punkte beschränkt, die sich in der Fokussierentfernung befinden , sondern ermöglicht eine gewisse Schärfentiefe . Wenn es für ein bestimmtes Motiv erforderlich ist, diese Schärfentiefe zu erhöhen, ist es erforderlich, den Durchmesser der Punkte zu verringern und daher die Öffnung des Objektivs durch Schließen der Blende zu verringern .
Die Blende bewirkt eine Reduzierung der Flecken durch Eliminierung des Lichts, das durch die Peripherie des Objektivs hindurchtritt, wobei der Lichtstrom, der die empfindliche Oberfläche erreicht, umso geringer ist, je kleiner die Blende ist. Um ein korrektes Bild zu erhalten, muss daher die Belichtungszeit angepasst werden, die umso länger sein sollte, je geringer die Empfindlichkeit des Films, je geschlossener die Blende und das Motiv selbst schwach beleuchtet ist. Letztere Einstellung ist die Verschlusszeit , die das Zeitintervall zwischen der Belichtung der empfindlichen Oberfläche und dem Ende dieser Belichtung definiert. Diese Belichtungszeit kann entweder durch Erhöhung der Beleuchtung (durch Beamer oder Blitzlampen ) oder (seltener) durch einen Neutralfilter korrigiert werden, wenn die Belichtungszeit verlängert werden muss.
Um ein Foto zu machen, sind mehrere Einstellungen notwendig. Die Genauigkeit dieser Anpassungen bestimmt die technische Qualität des Bildes, insbesondere seine Schärfe und seine Belichtung. Moderne Kameras übernehmen all diese Anpassungen durch automatische Mechanismen, die oft abschaltbar sind.
| Steuerung | Beschreibung |
|---|---|
| ISO-Empfindlichkeit | Die ISO-Empfindlichkeit ist ein Maß für die Lichtempfindlichkeit des Kamerasensors: Je höher die Empfindlichkeit, desto weniger Licht wird benötigt, um das Bild zu erzeugen. Fotografische Filme haben oft Empfindlichkeiten zwischen 100 und 400 ISO, aber Filme von 50 und bis zu 3200 ISO werden gefunden. Die Empfindlichkeit digitaler Sensoren ist einstellbar, da sie der Verstärkung des Sensorsignals, in der Regel der Analog/Digital-Wandlung, vorgeschaltet ist. Bei einer digitalen Spiegelreflexkamera variiert sie normalerweise zwischen 100 und über 10.000 ISO. Eine hohe Empfindlichkeit erleichtert Aufnahmen bei schwachem Licht, aber dies wird durch ein starkes Vorhandensein von elektronischem Rauschen (bei Digital) oder Körnung (bei Film) bezahlt. |
| Fokus | Die Fokussierung besteht aus einer Bewegung der Linsen des Objektivs, die es ermöglicht, in einem bestimmten Abstand von der Kamera die beste Schärfe zu erzielen. Auf beiden Seiten der optimalen Schärfeebene befindet sich ein Bereich, in dem das Motiv mit akzeptabler Schärfe wiedergegeben wird. Die Ausdehnung dieses Bereichs, Schärfentiefe genannt , nimmt mit zunehmender Fokusentfernung, Verkürzung der Brennweite und Schließen der Blende zu. Manchmal versuchen wir, das Motiv durch eine geringe Schärfentiefe zu "isolieren", wodurch der Hintergrund unscharf wird. Die Qualität dieser Hintergrundunschärfe wird als Bokeh bezeichnet . |
| Öffnung | Die Apertur ist die Einstellung des Nutzdurchmessers des Objektivs (seine Eintrittspupille ) mit einer Blende . Es wird in Form des f/ N- Verhältnisses ausgedrückt , wobei f die Brennweite und N eine dimensionslose Zahl ist, die als "Aperturzahl" bezeichnet wird. Zum Beispiel hat ein Objektiv mit einer Brennweite von 50 mm , das bei 1: 2 geöffnet ist, eine Eintrittspupille von 25 mm Durchmesser. Je kleiner die Blendenzahl, desto offener ist die Blende. Die Blende steuert die Lichtmenge, die den Sensor erreicht, sowie die Schärfentiefe. Tatsächlich ist die Schärfentiefe bei geschlossener Blende größer und bei geöffneter Blende verringert. Es wirkt sich auch auf optische Aberrationen der Linse und auf die Beugung aus. |
| Expositionszeit | Die Belichtungszeit ist die Zeit, in der der Sensor dem Licht ausgesetzt ist. Die Steuerung erfolgt im Allgemeinen über einen mechanischen Verschluss , der Anpassungen von 1/4000 Sekunde (je nach Gerät mehr oder weniger) bis zu mehreren Sekunden ermöglicht. Sie liegt normalerweise zwischen 1/100 und 1/1000 Sekunde für Außenaufnahmen am Tag. Die Belichtungszeit steuert mit der Blende die Lichtmenge, die auf den Sensor fällt. Es wirkt sich auch auf die Bewegungsunschärfe aus: Eine kurze Belichtungszeit (auch als „schnelle Geschwindigkeit“ bezeichnet) ist erforderlich, um schnelle Bewegungen einzufrieren, während eine langsame Geschwindigkeit ein Verwackeln ermöglicht, das verwendet werden kann, um eine Bewegung vorzuschlagen. |
| Weißabgleich | Der Weißabgleich ist die Einstellung der relativen Empfindlichkeit des Sensors für rotes und blaues Licht, um der Lichtquelle zu entsprechen. Eine Halogenlampe beispielsweise hat von Natur aus einen orange-gelben Farbton, der durch eine Erhöhung der Blauempfindlichkeit und eine Verringerung der Rotempfindlichkeit ausgeglichen werden kann. Das resultierende Bild hat einen neutralen Farbton, wenn der Weißabgleich an die Beleuchtung angepasst wird. Diese Anpassung ist eine digitale Verarbeitung, die normalerweise in der Kamera erfolgt, aber auch in der Nachbearbeitung erfolgen kann, wenn das Bild als Sensorrohdaten („RAW“-Format) aufgenommen wurde. |
| Exposition | Belichtung ist die Anpassung der Helligkeit des Bildes durch den kombinierten Effekt von Blende, Belichtungszeit und Empfindlichkeit. Zwei Kombinationen, die dieselbe Helligkeit ergeben, werden als dieselbe Belichtung betrachtet. Die Belichtung wird entsprechend der Helligkeit der Szene, aber auch bis zu einem gewissen Grad dem gewünschten Effekt angepasst. Die Kameras verfügen oft über eine Einstellung namens "Belichtungskorrektur", die es dem Fotografen ermöglicht, die Helligkeit des Bildes zu steuern, ohne die automatische Öffnung, Belichtungszeit und Empfindlichkeit deaktivieren zu müssen. Es gibt auch einen vollständig manuellen Modus, mit dem erfahrene Fotografen die volle Kontrolle über die Helligkeit des Bildes haben. |
Seit ihrer Erfindung ist die Verwendung der Fotografie eng mit der Entwicklung ihrer Technik verbunden. Es wurde die erste wirklich populäre Kunst.
Ursprünglich wurde die Fotografie von Malern als Hilfsmittel für ihre Arbeit verwendet. Dann wurde es schnell zu einem eigenständigen Ausdrucksmittel, dem viele Künstler es neben anderen Ausdrucksformen praktizierten oder sich ausschließlich diesem widmeten.
Maler wandten ihre Kunst auf verschiedene Ausdrucksformen an und spezialisierten sich auf Genreszenen, Dekoration, Historienmalerei oder Porträtmalerei; ziemlich schnell erkundeten die Fotografen verschiedene Wege, um die ihnen zur Verfügung stehenden neuen Techniken zu nutzen. Und diese Anwendungen vervielfachten sich mit den folgenden Fortschritten und der Benutzerfreundlichkeit. Entwickelte sich das Portrait schnell, sobald die Belichtungszeiten auf wenige Minuten beschränkt waren - wir haben dafür Sitze mit Kopfstützen und diversen Armlehnen verwendet -, so schnell wie möglich wucherten andere fotografische Genres.
Das Stillleben und das Porträt passten sich gut an die Zwänge der ersten Verfahren an, die ein Labor neben dem Aufnahmestudio erforderten, da die Emulsionen kurz vor der Belichtung vorbereitet werden mussten und die Entwicklung unmittelbar danach folgte.
Vor der Fotografie hatte die Malerei die Aufgabe, die Wirklichkeit darzustellen. Doch der Einzug der Fotografie stellt die Welt der Malerei auf den Kopf. Es verliert seine Rolle als Repräsentant der Realität und muss sich daher neu erfinden, diversifizieren oder verschwinden. Der Konflikt von Zeichnung und Farbe, der bis in die italienische Renaissance zurückreicht, gewinnt an Kraft und behauptet sich erneut, um daran zu erinnern, was die Malerei von anderen Künsten unterscheidet:
Die Malerei wird in der Folge immer autonomer und wird die Besonderheiten ihres Mediums stärker hinterfragen. Die Verbindungen zwischen Malerei und Fotografie werden immer sehr eng sein, eine Anleihe an die andere: die Bildgattungen in der Fotografie und die visuellen Qualitäten des Fotos in der Malerei, wie der Hyperrealismus, der das Foto selbst zum Gegenstand des Gemäldes macht. .
Gleichzeitig tauchte die Möglichkeit auf, es als historisches Zeugnis zu verwenden, und es entwickelte sich der Begriff der Fotoreportage. So wird der Bankier Albert Kahn versuchen, von 1909 bis 1931 das Archiv des Planeten aufzubauen, indem er Fotografen in fünfzig Länder der Welt entsendet.
Der Sozialreformer Jacob Riis sah darin seit den Anfängen der Fotografie eine Möglichkeit, die öffentliche Aufmerksamkeit auf Armut und Leid zu lenken . In 1880 begann er die Slums des Fotografierens New York City nach Einbruch der Dunkelheit. Als Blitz , verwendet er Magnesiumpulver , das er in einem verbrannten Braten Pfanne. Zweimal steckte er das Haus, in dem er arbeitete, in Brand , ein anderes Mal seine Kleider. Es wird gesagt, dass seine Fotografien bestimmte Reformen von Theodore Roosevelt bei seiner Ankunft im Weißen Haus motiviert haben . Auf der anderen Seite, die Überzeugungskraft einer Reihe von Landschaftsaufnahmen durch genommen William Henry Jackson führte den Vereinigten Staaten Kongress in 1872 zu machen , Yellowstone , die weltweit erster Nationalpark .
Auch die Fotografie ist sowohl Werkzeug als auch Forschungsgegenstand geworden. Guarrigues unterstreicht eine Parallele zwischen Fotografie und Sozialwissenschaften: Beide zeigen "etwas über den Menschen" und enthüllen "wie der Mensch den Menschen erfährt". Als Forschungsinstrument argumentiert Rongeon unter Berufung auf Maresca, dass die Fotografie "zu einer Praxis der Beobachtung und Visualisierung im Feld wird und es ermöglicht, eine gegebene Realität einzufangen und dann zu enthüllen". Fotografie kann auch zu einer Möglichkeit werden, Gedanken zu ordnen und Fakten ohne Worte zu erzählen, durch ein systematisches Protokoll, wie Laplantine berichtet. Als Forschungsgegenstand hat die visuelle Anthropologie dazu beigetragen, diese Reflexionen zu befeuern.
Die Fotografie läutet eine neue Ära der Darstellung ein; wir sind jetzt in der Lage, eine „objektive“ Darstellung der Realität zu haben. Der Mensch stellt die Realität nicht mehr so dar, wie er sie sieht und wie er kann, sondern es ist das "Reale", das das Medium beeindruckt (durch die direkte Einwirkung des Lichts (Photon), das vom Objekt auf die empfindliche Oberfläche reflektiert oder emittiert wird) . So findet die Fotografie schnell ihren Einsatz in der Reportage, in der Anthropometrie , erfunden von Alphonse Bertillon . Wir haben den Ehrgeiz, eine „Inventur der Welt“ durchzuführen.
Diese Objektivität hat jedoch ihre Grenzen. Die Filmfotografie ermöglichte es bereits durch geduldige Laborarbeit, die Realität zu verschleiern, Elemente aus einem Bild hinzuzufügen oder zu entfernen (siehe: Fotomontage ). Doch mit dem Aufkommen der digitalen Fotografie werden diese Spezialeffekte, die bisher nur Kennern zugänglich waren, für fast jeden zugänglich.
Eine andere Sicht auf die Fotografie ist, dass das Reale einfach nicht objektiv dargestellt werden kann. Die beobachtende Person muss auch einen Blickwinkel, die Entfernung zum Objekt, die Bildausrichtung usw. wählen. (Régis Durand, in Le Regard Pensif : "Und es gibt tatsächlich eine fotografische Off- Kamera, die allen Betrügereien vorbehalten ist." ; Stanley Cavell : "Die virtuelle Präsenz des Rests der Welt und ihre ausdrückliche Vertreibung sind auch für die Erfahrung einer Fotografie als das, was sie explizit präsentiert" ; oder auch Pascal Bonitzer: " [...] die Lüge (oder die Möglichkeit der Lüge) ist mit der Existenz eines Off-Screens verbunden " ), aber auch Entwicklung, Drucken (Zuschneiden), Retusche usw. Der Fotografierende interpretiert die ihm gebotene Realität auf seine Weise. So kann in Schwarzweiß eine Atmosphäre durch bestimmte Techniken dramatisch gemacht werden, während die Realität nicht so dramatisch war (z. B. durch Erhöhung der Wolkendichte). Die einfache Tatsache, das Auge auf ein Element zu lenken, indem es fotografiert wird, verändert die Wahrnehmung der Betrachter (Empfänger des Bildes) gegenüber der gesamten Szene, die außerdem auf ein oder mehrere Bilder reduziert gesehen wird. Bei dieser Idee hat der Fotograf durch seine Anwesenheit in der beobachteten Szene mehr oder weniger Einfluss auf die fotografierten Personen nach Piette. In die gleiche Richtung geht die von Rongeon aufgegriffene Idee von Conord: Die Frage nach der Inszenierung einer Fotografie ist zu stellen, nämlich wie die fotografierten Personen gesehen werden wollen und wie der Mensch hinter der Kamera darauf reagiert.
Darüber hinaus sind der Darstellung von Farben, Perspektiven, bewegten Motiven etc. technologische Grenzen gesetzt. Eine Kamera überträgt nicht genau das, was der Betrachter sieht. Es kann Objekte und Gesichter verzerren, chromatische Aberrationen erzeugen , eine Kirche durch Übertreiben der Perspektive neigen usw.
Gegen Ende des Jahres 1880 hielten die Kosten und die Komplexität der Fotografie viele Menschen immer noch davon ab, es weiter zu versuchen. Als George Eastman jedoch 1888 die Kodak auf den Markt brachte , eine handliche tragbare Kamera mit Film , öffnete sich der Weg für den Hobbyfotografen.
Wenn ein Kunde seine Fotos gemacht hatte, schickte er die gesamte Kamera an die Fabrik zurück. Der Film wurde dort bearbeitet, die Kamera neu geladen und dann mit entwickelten Fotos zurückgeschickt, und das alles zu einem relativ niedrigen Preis. Der Slogan „Drücken Sie den Knopf, wir machen den Rest“ war keine Übertreibung.
Das heißt aber nicht, dass sich der Amateurismus so schnell entwickelt hat. Zu Beginn des letzten Jahrhunderts wurde die Fotografie hauptsächlich von einem Profi anlässlich wichtiger Ereignisse im Familienleben wie der Ehe praktiziert. Die aufgenommenen Fotos waren dann Fotos von Gruppen, von Familienmitgliedern. Der Erste Weltkrieg war ein Auslöser für die Demokratisierung der Fotografie aus mehreren Blickwinkeln. Es ist die volle Entwicklung der individuellen Fotografie; jeder Wehrpflichtige wurde fotografiert. Die Fotos wurden dann in der Verwaltung verwendet, ermöglichten aber auch Familien, sich ein Bild des Soldaten zu machen, wenn die politische und militärische Lage instabil war. Gleichzeitig werden immer häufiger Fotos von Ehefrauen, Kindern und Neugeborenen angefertigt, um sie dem Soldaten auf dem Schlachtfeld zu schicken. Dann beobachten wir einen Kreislauf von Bildern, der für die Familie beruhigend und für die überlebenden Soldaten einprägsam ist. Wenn der Erste Weltkrieg der Fotografie jedoch Auftrieb verliehen hat, bedeutet dies nicht, dass die Fotografie in der Gesellschaft sofort zunimmt. Das erste Foto von sich selbst entstand in der Mittelschicht in der Kindheit (manchmal bei der Geburt für Familien, die an diese Technik gewöhnt sind); in den ärmeren bäuerlichen schichten tauchte dieses foto oft erst später auf, anlässlich einer hochzeit oder einer Kommunion, oder gar anlässlich des Militärdienstes für Männer. Der Zufall spielt auch bei der Entwicklung von Familienporträts im bäuerlichen Umfeld eine Rolle, insbesondere dank der professionellen Fotografen, die ihre Dienste auf dem Land angeboten haben. Für viele ist es das 1920 aufgestellte Klassenfoto, das ihr erstes Foto darstellt. Die Fotografie leitete daher eine Zeit ein, in der man Porträts oder Darstellungen von Objekten oder Orten haben konnte, die bis dahin einer wirtschaftlichen Elite vorbehalten waren, als man einen Maler bitten musste , ein Bild zu erstellen. Dies führte zunächst zu bestimmten Fotografien, die dem klassischsten gemalten Porträt sehr nahe kamen. Die Fotografie hat es ermöglicht, ein neues Konzept in die Gesellschaft einzuführen: den Menschen (sein Gesicht, seine Züge, sein allgemeines Erscheinungsbild) sehen zu können, ohne ihn zu kennen oder nicht gesehen zu haben. Dies gilt insbesondere für Prominente, die in Zeitungen erscheinen, und verstorbene Verwandte, die Familienmitglieder nur durch eines ihrer Porträts kennengelernt hätten. Mit diesen Klischees kann man die Vorstellung von Erinnerung und manchmal auch von Trauer in Verbindung bringen. Ab den 1960er Jahren erschienen viele preiswerte automatische Kameras , was zur Etablierung einer neuen Amateurfotografie-Praxis führte. Zu dieser Praxis gibt es jedoch gemischte Meinungen. Die Bourgeoisie folgen dem Schwung, indem sie ihre eigenen Fotografien machen, aus einem Hang zu Technik und Wissen. Andere, vor allem die Vertreter der Bauernklasse, sind widerstandsfähiger und ziehen notfalls den Rückgriff auf einen professionellen Fotografen vor. Trotzdem investiert die Kamera immer mehr Wohnungen, zum Beispiel anlässlich von Geschenken. Auch die fotografierten Themen entwickeln sich weiter. Wir gehen von fast ausschließlich Familienfotos, bis hin zu Urlaubsfotos, die wir gerne in einem Fotoalbum festhalten.
Heute erscheint das Foto als ein wesentliches Element im Leben eines jeden. Wir finden sie überall in ihrem täglichen Leben und beschäftigen sich mit vielfältigen und abwechslungsreichen Themen. Die Milliarden von Schnappschüssen (2017 wurden rund eintausendzweihundert Milliarden Fotografien aufgenommen) jedes Jahr zeigen, dass der Erfolg nie nachgelassen hat und dass Einzelpersonen aktiv daran teilgenommen haben. Und heute ist seine Popularität dank Digitalkameras (die Zahl der weltweit produzierten Kameras überstieg 2010 100 Millionen) gestiegen, die hochauflösende Bilder in Millionen von Pixeln (Megapixel ) liefern . Diese Geräte sind mit kleinen Speicherkarten ausgestattet, die Hunderte oder sogar Tausende von Bildern (Fotos) enthalten können. Sie können es sogar zu Hause mit einem Computer und Drucker ausdrucken .
SmartphonesObwohl die Produktion von Kameras 2017 unter die 20-Millionen-Marke fiel erreichte die Produktion von Smartphones im selben Jahr 1,5 Milliarden. Smartphones sind heute die einfachste und beliebteste Art, Fotos zu machen. Neue Kommunikationstechnologien ermöglichen ein fast sofortiges Teilen von Bildern und machen das Foto zu einem Kommunikationsmittel.
Der Zugriff auf die Möglichkeit, ein Foto zu „machen“, ist mittlerweile weit verbreitet. Die Darstellung der Welt hat sich gewandelt. Soziologen untersuchen die Praktiken und Ergebnisse dieses beliebten Fotos.
Die breite Öffentlichkeit hat Zugang zu dieser „Volkskunst“ und produziert ihre Artefakte.
In der von Hegel abgeleiteten Klassifikation der Künste belegt die Fotografie den achten Platz (im Wettbewerb mit Rundfunk und Fernsehen ). Diese drei Aktivitäten werden manchmal als „Medienkunst“ zusammengefasst.
Fotografie ist ein technisches und mechanisches Mittel, um eine grafische Darstellung von Momenten, Objekten oder Personen zu erhalten. Es ist aber auch ein mehr oder weniger abstraktes Ausdrucksmittel, das die Handschrift seines Autors, des Fotografen , trägt und dessen Objektivität jeder künstlerischen Arbeit gleichkommt. Lange verriegelte in Nachahmung der Malerei ( Pictorialismus , seascapes, Porträts, etc.), Fotografie hat seinen eigenen künstlerischen Weg mit dem Erscheinen gefunden Surrealismus in der Mitte des XX - ten Jahrhundert. Heutzutage verwenden viele Künstler dieses Medium, das oft mit "Dokumentation" in Verbindung gebracht wird, mehr als Kunst als solche, Künstlerfotografen mischen manchmal viele verschiedene Medien (Malerei, Skulptur, Make-up, digitale Kunst) auf einem einzigen Bild. Die Fotografie als Kunst erlaubt es somit wie kein anderes Medium, die Wirklichkeit im Kunstwerk zu verankern, um ihm eine neue Dimension zu geben. Die Förderung der Fotografie als Kunst in Frankreich oft schwierig, Ausstellungen wie die von Roger Ballens an der Halle Saint Pierre in Paris, neigen jedoch dazu , in der Öffentlichkeit , dass die Facette der Fotografie zu zeigen XXI ten Jahrhundert.
In Frankreich muss ein Foto, um als „Kunstwerk“ eingestuft zu werden, vom Künstler oder unter seiner Kontrolle gezeichnet, bis zu 30 Exemplare unterschrieben und nummeriert sein, alle Formate und Medien kombiniert (Artikel 98A des Anhangs III der die Allgemeine Abgabenordnung). Tatsächlich unterscheidet die französische Gesetzgebung zwischen dem Status des „handwerklichen Fotografen“ und dem des „Autorenfotografen“, wobei sich der erste auf den Reportage- oder Dokumentarfotografen und den zweiten auf den Künstlerfotografen bezieht, der zum Verkauf von Kunstwerken berechtigt ist über.
Auch die Fotografie kennt verschiedene künstlerische Strömungen wie in der Malerei, die wichtigsten sind:
1960er Jahre
1970er
1980er Jahre
1990er Jahre
2000er
Jahre 2010