Jackson Seelachs

Jackson Seelachs Bild in Infobox. Jackson Pollock im Jahr 1928.
Geburt 28. Januar 1912
Cody ( Wyoming )
Tod 11. August 1956
Springs ( Bundesstaat New York )
Beerdigung Ost-Hampton
Geburtsname Paul Jackson Pollock
Staatsangehörigkeit amerikanisch
Aktivität Maler
Ausbildung Art Students League of New York
Manual Arts High School ( in )
Meister Thomas Hart Benton
Vertreten durch Gesellschaft für Künstlerrechte
Arbeitsplätze East Hampton , New York
Bewegung Abstrakter Expressionismus
Gönner Peggy Guggenheim
Beeinflusst von Janet Sobel
Lee Krasner
Mark Tobey
Ehepartner Lee Krasner (aus1945 beim 1956)
Primäre Werke
Herbstrhythmus (Nummer 30)
Unterschrift

Jackson Pollock , geboren am28. Januar 1912in Cody , Wyoming , und starb am die11. August 1956in Springs , New York , ist ein amerikanischer Maler des Abstrakten Expressionismus , der zu Lebzeiten weltweit am bekanntesten war.

Jackson Pollock hat mehr als 700 Werke geschaffen, Gemälde fertiggestellt, gemalte oder skulpturale Essays und Zeichnungen sowie einige Gravuren erstellt.

Er hatte entscheidenden Einfluss auf den Verlauf der zeitgenössischen Kunst .

Die Praxis des All-Over sowie des „  Drippings  “, die er von 1947 bis 1950 häufig verwendete, machte ihn durch die mehr oder weniger im Eifer des Geschehens entstandenen Fotos und Filme von Hans Namuth bekannt .

Ihre Anerkennung, die nach einem Leben voller Elend verspätet war, fiel mit der Entstehung New Yorks als neue Welthauptstadt der Kultur zusammen, kurz nach dem Zweiten Weltkrieg zwischen 1948 und 1950. Pollock war der erste der dritten Welle amerikanischer abstrakter Künstler , die endlich erkannte, der als erster "das Eis brach" (um Willem de Koonings Ausdruck zu verwenden ), indem er anderen Künstlern der New Yorker Schule einen Durchgang in der Sammlerwelt öffnete .

1945 heiratete Pollock den Maler Lee Krasner, der seinen Werdegang und die Förderung seines Werks entscheidend beeinflusste.

Biografie

1912-1937

Jackson Pollock wurde im amerikanischen Westen geboren. Er identifiziert sich mit diesen von Indianern bewohnten Territorien, mit ihren Räumen und ihrem ungezähmten, wilden Charakter, der die Grundlage seiner ersten Arbeiten bilden wird. Seine vier Brüder, die älter waren als er, kümmerten sich immer mit unterschiedlichem Glück um ihn. Zwischen 1912 und 1928 zog die Familie acht Mal um, insbesondere in Kalifornien und Arizona. Ihre herrschsüchtige Mutter Stella beschützt ihr jüngstes Kind überbehütet, obwohl sie am liebsten endlich eine Tochter gehabt hätte… Stellas Initiativen decken sich nicht mit den Mitteln und dem Know-how ihres Mannes. Letzterer war nach Jahren der Not in seinen verschiedenen landwirtschaftlichen Betrieben gezwungen, auf Baustellen fernab des Elternhauses Arbeit zu finden. Er wird Alkoholiker und seine fünf Jungen auch. Jackson wird schüchtern bleiben und sehr wenig in der Öffentlichkeit sprechen; er fühlt sich unwohl, sogar brutal, mit Frauen.

Im Jahr 1923 machte Jackson, damals elf Jahre alt, „gelegentliche Begegnungen mit Gruppen von Indianern  “. In diesem Alter hat er keine Ahnung von ihrer Kunst…; andererseits nimmt er aus der Ferne an einem Ritual teil. Zwei seiner Brüder, Charles und Sand, zeigten bald ein gewisses Talent im beobachtenden Zeichnen und übermittelten ihm in den folgenden Jahren Informationen, Rezensionen über die moderne Pariser Kunst. Jackson macht sich auf, ihnen zu folgen, aber seine Ergebnisse beunruhigen ihn.

Im Sommer 1927 zeigte Jackson die ersten Anzeichen von Alkoholismus . In diesem Jahr besucht er mit Schwierigkeiten die Kurse der High School of Riverside (Kalifornien); 1928 verließ er das Gymnasium, ohne sein Sekundarstudium abgeschlossen zu haben. Im September schrieb er sich an der School of Manual Arts ein, wurde jedoch entlassen, weil er in einer Studentenzeitung den dort angebotenen Unterricht kritisiert hatte. Er teilt linksextreme Überzeugungen und hört von einer Kunst - Wandmalerin - der Linken. Das hörte nicht auf, die Theosophie von Krishnamurti zu reiben .

Im Juni 1930, er wird von einem seiner Ältesten, Charles, zum Pomona College in Kalifornien gebracht, um die von Orozco gemalten Fresken zu sehen . Im September zog er mit seinen Brüdern Franck und Charles nach New York. Er schrieb sich in der Art Students League of New York ein , um an Kursen des realistischen Malers Thomas Hart Benton teilzunehmen . Er lernt José Clemente Orozco kennen, dessen Wandbild er kurz zuvor entdeckte und der mit Benton an Fresken arbeitet. In den folgenden zwei Jahren schrieb er sich wieder in Bentons Klassen für Wandmalerei ein, dann für Live-Modell und Wandbildkomposition. In dieser Lehre liegt der Schwerpunkt auf dem Ausdruck von Volumen in der schraffierten Strichzeichnung, wie in Michelangelos Aktzeichnungen . Darüber hinaus bietet Benton Lösungen der Bildkomposition in Form von Grafiken, die Pollock behalten wird und zu denen er sein Leben lang zurückkehren wird.

Ihr Vater starb 1933 an einem Herzinfarkt. Im Frühjahr und Sommer bildete sich Jackson weiter in Bildhauerei und arbeitete mit dem Steinmetz Ahron Ben Shmuel zusammen.

In den Jahren der Wirtschaftskrise unterstützt das Federal Art Project der WPA mit der Politik von Roosevelts New Deal Künstlerinnen und Künstler sowohl in der Kreation als auch in der Bildung. Die Wandgestaltung ist eine der Möglichkeiten, die Künstlerin in die Gesellschaft zu integrieren, und sie haben von der WPA zahlreiche Aufträge zur Dekoration öffentlicher Gebäude erhalten. Ab 1935 wird Pollock von dieser Künstlerförderung profitieren. Erstmals in die Sektion „Wandmalerei“ aufgenommen, wurde Pollock 1938 wegen Fehlzeiten ausgeschlossen. Er wurde wieder in die Sektion „Staffelmalerei“ aufgenommen und profitierte davon bis 1942. Die Reflexion über das Format wird daher im Zentrum seiner Forschungen stehen .

Im Jahr 1940 Pollock durch die Werkstatt David Alfaro Siqueiros , wird die gemeinsam Banner und Wagen Skulptur für die Demonstration auf gemacht 1 st May In diesem Zusammenhang entdeckte er das Airbrushen , das Schablonieren und die Vorliebe für Materialforschung (insbesondere mit Industrielacken) und neue Techniken.

1937-1944

Im Februar 1937, nachdem er Primitive Art und Picasso gelesen hat , trifft Pollock den Autor des Artikels: John Graham (richtiger Name Dombrowski, ein echter Guru in der New Yorker Community). Letzterer, vom Direktor der Guggenheim-Sammlung engagiert, erzählt Jackson von seinem Lieblingswerk, einem Gemälde von Picasso aus dem Jahr 1932, Junges Mädchen vor einem Spiegel , sehr grafisch und wie in Facetten fragmentiert. Dieses Gemälde wird von Mrs. Simon Guggenheim im Museum of Modern Art (MoMA), als das Museum (seit seiner Gründung 1929 von Alfred Barr geleitet) 1939 erheblich bereichert an seinen heutigen Standort umzog.

Die Jahre 1938-1946 gaben Pollock so die Gelegenheit, mit seinem damaligen „Meister“ zusammenzuarbeiten: Pablo Picasso . Viele Ähnlichkeiten zwischen den beiden Künstlern wurden identifiziert, ebenso wie mit Miro , Masson und Hans Hofmann von Ellen G. Landau. Die Ausstellung von Guernica , vonMai 1939, in der Valentine Galerie, dann im Herbst die Picasso-Retrospektive (mit Les Demoiselles d'Avignon und dem berühmten jungen Mädchen vor einem Spiegel ) im MoMA sind die Höhepunkte dieses Moments der Nachahmung, in dem Pollock viel zeichnet . Er häuft die gezeichneten Figuren mit einer ausdrucksstarken Linie an ( Studies, Number 11 ). Sie evozieren proteanische Wesenheiten, Picassos Minotauren ( die Minotaure- Rezension mit Picassos Cover stammt aus dem Jahr 1933), surrealistische Hybridfiguren (die Mode ist in Die Traumdeutung von Sigmund Freud ) und wo auf Skulpturen von Westküsten-Indianern Bezug genommen wird. All dieses Bestiarium findet sich, oft fadenförmig, in den Zeichnungen und Gemälden, die ungefähr in die Jahre 1938-1943 datiert werden. Andererseits interessierte Pollock in den 1940er Jahren (aber wahrscheinlich in den frühen Jahren, laut David Anfam) ein starkes Interesse an D'Arcy Wentworth Thompsons (1860-1948) Buch On growth and form für seine Illustrationen von Formen , oft unter dem Mikroskop beobachtet, aber auch Widderhörner usw. die Pollock sich durch Zeichnen aneignet, indem er unkenntliche Formen macht.

Im Dezember 1937, Pollock geht in die Reha und beginnt eine Therapie, die erste in einer langen Reihe, mit Joseph Henderson, einem direkt bei Carl Gustav Jung ausgebildeten Psychoanalytiker .

1937 hatte Pollock noch eine Leidenschaft für die primitive Kunst, die laut Graham auf "spirituellen Emotionen" beruhte. Dieser Punkt ist für den Künstler in seiner expressionistischen Praxis mehr denn je sehr wichtig. Die Auseinandersetzung mit der Kunst der Indianer Nordamerikas, insbesondere während der Ausstellung „Indian Art of the United States“ (Kurator Rene d'Harnoncourt  (en) ) im MoMA 1941, ist entscheidend für ihre Entwicklung. Er wird später auf die Kwakwaka'wakw- Skulpturen anspielen , von denen eines der gigantischen "Totems" aus diesem Anlass den Museumseingang schmückte. Auch die Interpretation seiner eigenen Zeichnungen mit seinem Jungian Analytiker Henderson findet in ihren Diskussionen ein Echo, in denen sie an die indischen Skulpturen erinnern, die Henderson ebenso faszinieren wie Pollock.

Während der Ausstellung werden Vorführungen von Sandmalereien (und auch mit Pollen, Blütenblättern oder Mehl) von Navajo- Künstlern durchgeführt . Die auf dem Boden ausgeführten Gemälde sind von einem Rahmen oder "Wächter" umgeben. In der schamanischen Praxis wird das betreute Mitglied der Gemeinschaft dann in den Mittelpunkt dieses Gemäldes gestellt. Dann wird es zerstört: Es wird verwendet, um den Patienten zu reiben, und wird dann weit aus dem Dorf geworfen. Hubert Damisch bezieht sich im Katalog von 1982 darauf, aber nicht explizit, um Pollocks Ansatz zu interpretieren. Nach dieser Auffassung ist die Handlung des Malens und nicht der Malgegenstand wesentlich. Der Begriff „  Action Painting  “ trägt diesem Bezug Rechnung, erfährt jedoch nach der Veröffentlichung des Films von Hans Namuth in den 1950er Jahren vor allem an Kunsthochschulen in den USA eine deutliche Wirkung .

Geburt , 1942: Fragmente verzerrter und stilisierter Figuren, die wie ein Totempfahl vertikal zusammengesetzt sind, bilden Pollocks erstes Gemälde, das in einer Gruppenausstellung „American and French Painting“ zu sehen istJanuar 1942, kuratiert von J. Graham (auch mit Gemälden von Lee Krasner ). Die Verschränkung fragmentierter Figuren ist dann der erste Schritt zu dem, was dann durch Überlagerung zur Akkumulation von Figuren in Form von übereinander liegenden „Segeln“ und ihrem völligen Verschwinden im Tropfen wird . Diese These wird von Donald Wigal in Jackson Pollock aufgegriffen : das verborgene Bild . Ein offensichtliches Beispiel für Vertuschung wurde von Karmel erwähnt: das zentrale "Gemälde" von Guardians of the Secret (1943). Umgedreht zeigt es viele fadenförmige Figuren wie einige Zeichnungen Picassos vom Ende der 1930er Jahre: In Normalstellung sind die monumentalen Wachen relativ gut zu erkennen, das Bild im Zentrum ist jedoch "abstrakt" geworden.
In dieser Ausstellung entdeckt Lee Krasner (wieder) Pollock, den Mann und den Künstler, und verliebt sich in beide. Ein paar Monate später leben sie zusammen bei Lee's, jeder hat sein eigenes Studio. Ab diesem Zeitpunkt bevorzugt Lee Treffen zwischen Pollock und Clement Greenberg sowie mit ihrem Lehrer Hans Hofmann . Willem De Kooning ist auch im Spiel.

Im Frühjahr 1943 nahm Pollock mit einer wichtigen Arbeit, Stenographic Figure , an einer Ausstellung teil, die für seine Zukunft zählen sollte. Es wird mit 35 jungen Künstlern, fast alle Amerikaner, im Raum der Galerie The Art of This Century  (in) ausgewählt , dem von Peggy Guggenheim eröffneten „Galerie-Museum“ inOktober 1942. Zu den Mitgliedern der Jury gehören James Johnson Sweeney (der bald Direktor der Abteilung Malerei und Bildhauerei im MoMA werden wird) und Piet Mondrian (der angeblich vor Stenographic Figure sagte  : "Ich versuche zu verstehen, was los ist what ... Ich denke, es ist das Interessanteste, was ich bisher in Amerika gesehen habe.“ Auch Marcel Duchamp , in dieser siebenköpfigen Jury, äußert sich positiv! Pollock landete dann mit Lees Hilfe, immer noch bei Peggy Guggenheim, einen Vertrag über 150 Dollar monatlich bezahlt und seine erste private Ausstellung, die von 9 bis stattfand27. November.

Das Jahr 1943, Gemälde, die zu Schlüsselwerken werden, manifestieren die kreative Fermentation von Pollock: Guardians of the Secret , The Moon Woman cuts the Circle , The She-Wolf and Stenographic Figure … Tatsächlich ist eine ganze Figuration intimer Bilder, die Pollock am meisten ist bestrebt, seine Lesbarkeit durch Unschärfe zu unterdrücken, auch wenn es bedeutet, das Gemälde um 180 ° zu drehen. Er fühlt sich nicht mehr von Mythen oder Archetypen kontrolliert. Außerdem erscheint der Titel der Arbeit erst später bei Freunden oder Besuchern.

Im November 1943Der Erfolg ist in Sicht, aber er ist noch in weiter Ferne. Es gibt nur wenige Verkäufe (wir befinden uns mitten im Krieg), die Bewertungen sind eher negativ, aber wir schätzen den amerikanischen Charakter, eine neue Tatsache, während die europäische Kunst immer noch den Markt dominiert. Peggy bestellte auch Mural bei ihm ("All the Animals of the American West", laut Pollock, für sein Haus (Januar 1944). Mural wird erstmals im April im MoMA der Öffentlichkeit präsentiert.Mai 1947, in der Ausstellung „Große moderne Malerei“. ImMai 1944, ein erstes Pollock-Gemälde wird vom MoMA gekauft: She Wolf .

1945-1950

Der Maler Lee Krasner , von Hans Hofmann in moderner Kunst ausgebildet, war 1942 seine Lebensgefährtin, aber sie heirateten nurOktober 1945. Dann schleppt sie ihn nach Long Island, um ihn vor seinem Alkoholismus zu schützen. Dorthin ziehen sie Anfang November in ein altes Bauernhaus in Springs ( East Hampton (New York) ), ohne Warmwasser oder Heizung und mit sehr wenig Geld. In der sehr kleinen „Scheune“, die kurzerhand zu einer „Werkstatt“ umfunktioniert wurde, produzierte Jackson Pollock seine „klassischen“ Arbeiten, wobei die Leinwand zunächst auf den Boden gelegt und dann nach einer Trocknungszeit begradigt wurde. Der Kritiker Clement Greenberg (ein Freund von Lee Krasner, der die Lehren von Hans Hofmann „theoretisierte“ und von Lee übermittelte) unterstrich, dass Pollock nicht vom Rechteck der Leinwand ausging. Tatsächlich war es eine ganze Rolle Leinwand, die teilweise abgerollt wurde. Da das Gemälde nicht bis an die Ränder reichte, musste er die Grenzen festlegen, und die Rahmung war für Pollock eine entscheidende Wahl. Diese Praxis war völlig neu und brach mit der französischen Malerei, die von Cézanne geerbt wurde, wo wir vom Rahmen aus beginnen, um das Gemälde zu bauen. Um diese neue Praxis zu qualifizieren, prägte Greenberg den Begriff all over (wo die Bildelemente gleichmäßig über die gesamte verfügbare Fläche verteilt sind) ( The Nation ,1 st Februar 1947: eine Gesamtgleichmäßigkeit [Rand-zu-Rand-Gleichmäßigkeit]).

Die Gemälde von Janet Sobel (1894 - 1968), einer amerikanischen Künstlerin ukrainischer Herkunft, die als erste All-Over- Malerei praktizierte , beeinflussten Pollock. Er hatte seine Arbeiten 1944 in Greenbergs Gesellschaft in der Galerie The Art of This Century  (in) gesehen . In seinem Essay American-Type 'Painting (1955) erwähnt Greenberg diese Arbeiten als die ersten Formen von All-Over , die 'er sah, und behauptet, dass "Pollock zugegeben hat, dass diese Gemälde ihn beeindruckt haben."

Auf einigen seiner Gemälde goss Pollock bereits 1947 die Farbe direkt aus dem Topf und kontrollierte die Fließfähigkeit und Dicke der Linien ( gießen  : gießen) oder das Tropfen der Farbe auf flachgelegte Leinwände (oder auf Papier: Malerei (Silber über Schwarz, Weiß, Gelb und Rot) („Peinture (Argent sur noir, blanc, jaune et rouge)“), 1948, Malerei auf Papier auf Leinwand, 61 × 80  cm , Centre Pompidou). Im Katalog von 1982:

„Ich dehne meine Leinwand kaum, bevor ich male. Am liebsten nagele ich meine ungedehnte Leinwand an die Wand oder den Boden. Ich brauche den Widerstand einer harten Oberfläche. Am Boden fühle ich mich wohler. Ich fühle mich dem Bild näher, ich gehöre mehr dazu; denn so kann ich rundherum laufen, von allen 4 seiten arbeiten und buchstäblich im gemälde sein. Es ist eine Methode ähnlich der der westindischen Maler, die auf Sand arbeiten. "

Diese Operation, die aus horizontalem Arbeiten besteht, bewirkt einen einzigartigen Bruch in der kulturellen Praxis des Bildes. Ihre symbolischen Implikationen und die darauf folgende Echowirkung in der zeitgenössischen Kunst diskutierten Yve Alain-Bois und Rosalind Krauss anlässlich der Ausstellung „L'Informe. Handbuch". Der Text spielt im Rahmen einer theoretischen Analyse auf "Full Fathom Five" von 1947 an. Aber die Bedeutung dieses Titels, der aus Ariels Lied in Shakespeares Der Sturm stammt ("Bei fünf Faden unter dem Wasser ... liegt mein Vater / ...", zitiert in) evoziert den Prozess des Auslöschens - der Erinnerungen - unter mehreren Schichten . Wiederkehrender Prozess in der Praxis von Pollock. Für eine detaillierte Studie von Pollocks Praxis siehe Carmean und Pepe Karmel.

1948 beschloss Jackson Pollock, keine Titel mehr zu vergeben und seine Leistungen nach Zahlen zu benennen. Auf diese Entscheidung angesprochen, sagte Lee Krasner, Pollocks Hauptanliegen sei es, die Öffentlichkeit für "reine Malerei" zu interessieren, anstatt sie mit Schlagzeilen abzulenken. Pollock, inAugust 1950, erklärte: "Ich habe beschlossen, die Verwirrung nicht weiter zu verschärfen", die durch Titel verursacht wurde, die sehr oft von Gästen vergeben wurden und die Pollock akzeptiert oder abgelehnt hat. Die erste Ausstellung mit nummerierten Gemälden stammt aus dem Jahr 1951 bei Betty Parsons . Aber die Nummern wurden ein wenig zufällig vergeben, ohne Rücksicht auf die Chronologie. In einigen Fällen bezeichnete Pollock sie auch nach Farben oder ihrem wesentlichen Merkmal (Das Holzpferd, Weißer Kakadu) .

1948 gründeten Robert Motherwell , William Baziotes , David Hare, Barnett Newman , Mark Rothko und Clyfford Still ihre sehr kurzlebige Kunstschule The Subjects of the Artist. Denn ihnen zufolge hat ein Student alles zu gewinnen, wenn er „sowohl die Themen moderner Künstler als auch deren Handwerkskunst“ kennt. Damit unterschieden sie sich von einer formalen Herangehensweise an die moderne Kunst. Sie waren Anti-Greenbergiens und führten Bedeutung wieder ein, während andere nur Ausgewogenheit von Formen und Farbenspiel, Flachheit usw. Aber Pollock selbst hat die theoretischen (aber noch nicht formalistischen ) und oft undurchsichtigen Diskurse von Clement Greenberg nicht sehr klar verstanden . Am liebsten hörte er den ganzen Tag Jazz: Dizzy Gillespie , Bird (Charlie Parker), Dixieland und Bebop .

Pollock war damals der erste amerikanische Maler des abstrakten Expressionismus , der durch das Echo in der Presse der breiten Öffentlichkeit bekannt wurde. In diesem Sinne wird er den anderen Künstlern der New Yorker Schule den Weg ebnen . Aber diese werden erst nach seinem Tod populären Erfolg haben.

Jackson Pollock war 1950 auf dem Höhepunkt seines Erfolgs. Er wurde mit einer Gruppe amerikanischer Künstler ausgewählt, um die Vereinigten Staaten bei der Biennale in Venedig zu vertreten . Er häuft große Werke mit Tropfen und Strömen an, ohne sich jemals zu wiederholen. Die Figuration, die noch in Gemälden von 1948 auftritt, die durch das kontrollierte Verschütten eines Lackfadens entstanden sind, erscheint noch 1949 in den Figuren, die mit einem Malmesser auf mehreren frisch gemalten Leinwänden in Tropfen gekratzt wurden , darunter Out of the web: Nummer 7.1949 . Einige Gemälde aus dem Jahr 1950 wurden auch von Karmel analysiert und zeigen bei einer Neigung von 90 ° im Uhrzeigersinn recht deutlich Figurenfragmente. Das Ganze ist jedoch global total "abstrakt", und es ist diese radikale Abstraktion, die vor allem als "der" Stil von Jackson Pollock beibehalten wurde. Beachten Sie auch ein Volumenerlebnis: Ohne Titel, Bemalte Terrakotta , 8 Zoll ( 20,3  cm ).

Er hat getrunken weniger , da auf Federn zu bewegen, und fast mehr nach dem Herbst 1948 dank Tranquilizer, Hypnose (die Erinnerung an Erinnerungen), Spaziergänge, Partituren kultivierter Gäste, und mit dem Wirtschaftsboom , dem ersten ernsthaften Umsatz.. Großformatige Leinwände (aber auch viele in einem „verkaufsfähigeren“ Format, beispielsweise 78 × 57  cm ) und mit einem komplexen „all over“ -Rhythmus überraschten eine wachsende Zahl von Kritikern positiv. Die Intensität der Arbeit und die Zwänge des Erfolgs akkumulierten 1949 und 1950. Er reflektierte mit dem Bildhauer-Architekten Tony Smith und mit dem Architekten Peter Blake über die Artikulation seiner monumentalen Gemälde, Wandmalereien, mit dem architektonischen Raum (siehe: Carmean, Varnedoe).

Im Spätsommer und Herbst 1950 produzierte der Fotograf Hans Namuth Fotoserien des Künstlers in Aktion. In Schwarzweiß fixiert das schwache natürliche Licht die „Bewegung“ der Aktion. Die Idee, dass das Handeln des Künstlers wesentlich ist, lag schon lange in der Luft. Diesen Hinweis auf den Ort des künstlerischen Handelns finden wir oft wie eine Arena in den 1930er Jahren, im doppelten Sinne des Wortes: die mit Sand bedeckte Fläche ( Stierkampf , Mithraskult ) und der Ort, an dem man seine Gefahr riskiert Ehre, sogar dein Leben, indem du dich bloßstellst. Die künstlerische Praxis der 1930er Jahre, literarisch und bildnerisch, war oft darauf ausgerichtet, das Intime und die Fantasien des Autors auf transgressive Weise zu enthüllen. Auch in den 1930er Jahren war dies in Frankreich mit den Schriften von Leiris ( L'Âge d'homme ) und Georges Bataille sowie mit den Gemälden von Picasso und Masson der Fall . Diese Werke waren in den Vereinigten Staaten bekannt. Diese Auffassung einer künstlerischen Praxis, bei der das Wesentliche im riskanten Handeln, der Entblößung des Selbst in der Arena, liegt, wurde hierzulande von dem Kritiker Harold Rosenberg ( The Tradition of the New , 1955) aufgegriffen , als er den Begriff „ Action Painting  “ prägte  (erstmals veröffentlicht in dem 1952 erschienenen Artikel „  The American Action Painters  “).

Die logische Fortsetzung der Fotografien des Künstlers in Aktion war für Hans Namuth die Herstellung eines Farbfilms (mit einem Kontrabass-Solo von Morton Feldman ). Tatsächlich wurden im Oktober zwei Filme gedreht undNovember 1950. Pollock wird dazu gebracht, seine eigene Rolle bei der Herstellung von zwei Gemälden zu spielen, eines auf Leinwand, das aus der Ferne aufgenommen wurde, und das andere auf Glas, wobei das Glas notwendig ist, damit der Betrachter den Maler in Aktion und gleichzeitig beim Malen sehen kann feste Ebene. Barbara Rose bemerkte, dass der Betrachter mit diesem Gerät nichts von dem sehen kann, was der Künstler sieht. Als der Film zu Ende ist, trinkt Pollock wieder und dreht das Glasgemälde monatelang außerhalb des Studios um.

1951-1956

Pollock möchte dann in seiner persönlichen Sprache gedeihen, mit den Drippings und der vor den Drippings . „Ich denke, Nicht-Objektivisten werden dies beunruhigend finden“, in seinen eigenen Worten, Anfang 1951; er führt deutlich sichtbar jene Figuren wieder ein, die zuvor in den über der Leinwand in die Luft gezeichneten Musterschichten "verhüllt" waren. Er bleibt Alfonso Ossorio und Tony Smith (1912-1980) sehr nahe und folgt ihrem Rat, sich zu erneuern. Auf japanischem Papier, das Smith anbietet, zeichnet er Tinte, indem er auf der Übertragung der Tinte von einem Blatt auf ein anderes spielt, darunter platziert, und fertigt mindestens eine Skulptur an. Er verweist auch auf D'Arcy Wentworth Thompson Buch , Wachstum und Form aus dem Jahr 1917, die präsentiert die Formen vielen einfachen Plotten.

Im Jahr 1951 begann Pollock, mit Spritzen auf Leinwand zu zeichnen, sodass die Linien sehr lang waren, was einem Bleistiftstrich entspricht. Greenberg bleibt für die schwarzfigurigen Gemälde in der Ausstellung von 1952 sehr begeistert, lobt ihre maximale Belastung mit minimalen Mitteln, ihr entmaterialisiertes Pudern, anders als die Suche nach Materialität, die er 1949 wahrnahm (Lesen Sie die kritischen Analysen von Greenberg von YA Bois und T. de Duve). Danach experimentiert Pollock wieder mit der Wirkung einer dicken oder flüssigen Farbschicht, verschmiert und spielt mit Materialverschmelzungen: Das sehen wir in The Deep (1953).

Nach einem Jahr 1951, in dem Schwarz dominierte, führte er 1953 wieder Pinselfarbe aus Portrait and a Dream ein. (An dieser Stelle „lass Greenberg“ Pollock los.) Die Titel beziehen sich weiterhin auf die Rituale, auf seine Handlungen unterstreichen Sie die Oberfläche: Ostern und das Totem , Blaue Pole  ; Titel, die von seinem neuen Galeristen Sidney Janis angefordert wurden. Sein neuestes Gemälde Search ist typisch für diesen Forschergeist, bei dem die Farbe dominiert. Pollock hat in den letzten Jahren seines Lebens wenig (aber ständig neue Praktiken) hervorgebracht.

Er starb bei einem Autounfall am 11. August 1956in der kleinen Stadt Springs auf Long Island im Bundesstaat New York . Er war betrunken und fuhr sehr schnell. Im Auto überlebte seine Partnerin Ruth Kligman den Unfall, während Edith Metzger, eine Freundin von Ruth, ums Leben kam.

Über seinen Alkoholismus, der für diesen Unfall verantwortlich ist, ist viel geschrieben worden; es war zuallererst eine Tatsache der Gesellschaft. Fast alle Künstler seiner Generation waren Alkoholiker, viele begingen Selbstmord, viele fuhren gefährlich: Vom Durchschnittsamerikaner als Schwächlinge betrachtet, fügten sie hinzu, auf Gefahr hin, ihr Leben zu verlieren. Soweit es Pollock betrifft, hatte ihn die familiäre Ursache seiner Krankheit mit fünfzehn zum Alkoholiker gemacht.

Kommentare zur Arbeit

Die eingehende Auseinandersetzung mit Pollocks Werk hat in den letzten Jahren die Beständigkeit des Wunsches, ein Bild zu machen, sichtbar gemacht, am Ausdruck der eigenen inneren Welt durch diese Bilder zu arbeiten und zu zeigen, dass ihre scheinbare Auslöschung in einem Gemälde „abstrakt“ war irreführend.

„Wenn ich in meiner Malerei bin, ist mir nicht bewusst, was ich tue. Erst nach einiger Zeit, um zu lernen, sehe ich, was ich tun wollte. Ich habe keine Angst, Änderungen vorzunehmen, das Bild zu zerstören usw., denn ein Gemälde hat sein eigenes Leben. Ich versuche es auftauchen zu lassen. Erst wenn ich den Kontakt zum Bild verliere, ist das Ergebnis chaotisch. Ansonsten herrscht totale Harmonie, einfacher Austausch und das Bild ist gelungen. "Statement veröffentlicht unter dem Titel "  Mein Gemälde  " in der einzigen Ausgabe der Rezension Possibities , herausgegeben von Robert Motherwell und Harold Rosenberg, New York, Winter 1947-1948, die ebenfalls einen gestrichenen Teil zitiert, der aber im Entwurf für diesen Artikel erscheint .

Im Juni 1956, Selden Rodman sprach mit Pollock in East Hampton:

„Ich interessiere mich nicht für ‚abstrakten Expressionismus' und er ist sicher weder gegenstandslos noch gegenstandslos. Manchmal ist meine Kunst sehr figurativ und die übrige Zeit immer ein bisschen repräsentativ. Wenn Sie Ihr Unterbewusstsein porträtieren, werden Figuren auffallen. Ich kann mir vorstellen, dass wir alle von Sigmund Freud beeinflusst sind . Ich bin seit langem von Carl Jung beeinflusst ... Malerei ist ein Seinszustand ... Malerei ist Selbstfindung ... Jeder gute Künstler stellt das dar, was er ist “.

Der Kontext des Erfolgs

Pollock, Krasner und Greenberg: der künstlerische und kritische Kontext

Die "energische Extravaganz seiner Werke", der einzigartige, "unerhörte" Charakter seiner Malerei von 1943, seine "unerbittliche Spontaneität", "die einzigartige Art, wie er unzählige Erinnerungen, Begeisterungsstürme und intime Fixierungen vermischt, um sie zu verschmelzen" , dies sind zunächst einmal die Hauptgründe für den Erfolg. Trotzdem lebte Jackson Pollock die meiste Zeit seines Lebens in extremer Unsicherheit, obwohl das Life- Magazin 1949 mit einer gewissen Ironie eine Überschrift auf der Titelseite hatte: "Ist Pollock der größte lebende Maler?" " Das Jahr 1949 war auch das einzige Jahr, in dem beträchtliche Verkäufe dem Ehepaar ermöglichten, seine Schulden zu begleichen und ein kleines Haus in Springs zu restaurieren.

Pollocks aggressives Verhalten, wenn er betrunken war, wirkte sich sofort negativ auf sein Image aus: Seine alten Freunde mieden ihn, die Galeristen waren misstrauisch gegenüber ihm und seinen potenziellen Kunden (obwohl es schwierig war, sie vom Wert seiner Malerei zu überzeugen) zögerte, das Risiko eines Empfangs einzugehen, der durch seine bloße Anwesenheit verdorben worden wäre. Auf der anderen Seite spielten sein Verhalten und seine Malerei, seine Ausdruckskraft, die scheinbare Geschwindigkeit der Ausführung, auf Dauer das mythische Bild des typisch amerikanischen Künstlers, frei und ein wenig "wild", aber so voller Energie!

Erst nach Pollocks Tod begann die Arbeit von Lee Krasner zur Förderung seiner Malerei Früchte zu tragen. Der Mythos des Künstlers mit tragischem Schicksal, der dem amerikanischen Raum, seiner Geschwindigkeit und seiner Energie zu entsprechen wusste, dieser Mythos wird immer gefragter. Verkauf im gegenseitigen Einvernehmen inNovember 2006für $ 140 Millionen, die Leinwand n o  5 ist, im Jahre 1948 gemalt, einer der teuersten Werke aller Zeiten.

Clement Greenberg verstand es, mit Einsicht präzise Qualifizierer zu verwenden, an die sich seine Leser, oft mit äußerster Mühe, anpassen mussten. Seine Herangehensweise an Pollocks Werk war nuanciert und seine Begeisterung manifestierte sich zwischen 1943 und 1947 nach und nach. Er betonte formale und ausdrucksstarke Qualitäten und stellte Vergleiche mit den größten Namen an. In After Abstract Expressionism von 1962 kehrt er mit dem Anliegen einer exemplarischen Klärung auf diese Zeit zurück:

„Der wirkliche Durchbruch erfolgte […] im Oktober 43 und März 44 [Pollock und Hofmann] […]. Dort sah ich abstrakte Malereien, die malerisch waren [er erwähnt auch ihren „extravaganten Charakter, im brutalen Umgang mit Farbe“), die mir zum ersten Mal den Eindruck einer totalen Offenheit vermittelten. "

Und dann konkretisiert er ihn, indem er ihn dem „erstickenden Griff des synthetischen Kubismus  “ (mit seinen skizzierten Flächen) entgegenstellt:

„Ein lockerer Umgang mit der Bildmaterie… Malerisch (bildhaft) war nicht der Begriff, aber er meinte es wirklich. " „Weder Kandinsky noch Klee […] hatten einen so lockeren, schnellen Stil […] von Massen, die färben und verschmelzen, statt getrennt bleibender Formen; breite Rhythmen deutlich sichtbar ..." "Es war dann wie ein allgemeines Tauwetter (im amerikanischen Künstlermilieu) ..."

Er beendet diese Beschreibung, indem er Pollocks Werk mit der Barockkunst im Sinne von Wölfflin verbindet . Eine lohnende doppelte Annäherung.

„Kurz gesagt, eine Konstellation physikalischer Eigenschaften analog zu denen, die Wölfflin definierte, als er seinen Begriff der Malerischen aus der Barockkunst ableitete . "

Der gestische Expressionismus Pollocks könnte unter diesem formalen Gesichtspunkt durchaus mit der Barockkunst verglichen werden.

Der Kampf der Kritiker: die umstrittene Neuheit

Kunstkritiker interessieren sich wegen der lobenswerten Chroniken des mächtigen Clement Greenberg für den "Fall Pollock", vor allem aus dem Jahr 1945. Die Unterstützer und Kritiker des Künstlers sind verbittert über zwischengeschaltete Artikel, die dazu beitragen, ihn nach und nach bekannt zu machen. So schreibt Eleanor Jewett:

„Seine Gemälde scheinen auf der Theorie zu beruhen, dass sie umso wichtiger sind, je mehr sie sich auf kindliches Gekritzel beziehen […]. Seine Farben sind heftig und die Atmosphäre der Ausstellung ist definitiv nervös und laut. "

Howard Devree hingegen drückt aus, wie sehr Pollocks große Leinwände ihn beeindrucken, „als überladen mit einer heftigen emotionalen Reaktion […], um eine echte Kommunikation mit dem Betrachter herzustellen. "

Parker Tyler, der im selben Jahr anerkennt, dass Pollock eine Stärke der Materie und einige Talente als Kolorist hat, prangert dennoch seinen Mangel an Talent und einen "Hauch von gebackenen Makkaroni bei einigen seiner Muster" an. Diese Kritik führt zum Lob von Manny Farber, der die Malerei des Künstlers als "meisterhaft und wundersam" definiert; Über das von Peggy Guggenheim in Auftrag gegebene „Mural“ ist sie begeistert:

„Das Wandbild ist… ein fast unglaublicher Erfolg. Es ist gewalttätig im Ausdruck, immer wieder faszinierend im Detail, ohne Oberflächlichkeit und so gut organisiert, dass es in einem friedlichen, zurückhaltenden und unbeschwerten Ausdruck die Mauer bildet. "

Wenn Clement Greenberg Jahr für Jahr Jackson Pollock verteidigt, wird dieser in den folgenden Jahren weniger kritisiert. Erst 1948, anlässlich seiner neuen Ausstellung in der Betty Parsons Gallery, fand er zu den Medien zurück: Alonzo Lansford spricht von seiner Bildtechnik als einer Art Automatismus der Malerei „lebendig, originell und spannend“. Robert M. Coates stellt fest, dass Pollock der komplexeste New Yorker Künstler ist und von "einem Gefühl schwindelerregender Energie" spricht:

„Ein solcher Stil birgt seine Gefahren, denn die Kommunikationsverbindungen zwischen Künstler und Betrachter sind so dünn, dass höchste Aufmerksamkeit erforderlich ist, um die Botschaft zu erfassen. "

Im Jahr 1949 greifen Kritiken, die in Time und New York World-Telegram veröffentlicht wurden , Pollocks Werk ernsthaft an. Clement Greenberg ist nicht der einzige, der reagiert. Paul Mocsanyi spricht von einer „Kombination des Ekstatischen und Monumentalen, die nicht ohne eine gewisse Größe ist. Elaine de Kooning, Ehefrau des Malers Willem de Kooning , schreibt auch:

„Jackson Pollocks neue Abstraktionen, gewalttätig in der Zeichnung und im Auftrag von Pigmenten, sind im Ausdruck paradoxerweise friedlich. Hier wirken die komplexen und leuchtenden Netze […] wie eingefroren in ihrer Position. Seine fliegenden Linien spritzen intensiv die unvermischten Farben, um kraftvolle, skulpturale Konstruktionen zu schaffen, die still und abseits stehen, ohne Verbindung zum Hintergrund. "

In einem Brief an die Galeristin Betty Parson schreibt der französische Maler Georges Mathieu :

„In einer aktuellen Ausgabe von Art News habe ich gesehen, dass in Ihrer Galerie eine Ausstellung mit Werken von Jackson Pollock war. Ich halte Pollock für den größten lebenden amerikanischen Maler und möchte ihm einen Artikel in einer Zeitschrift widmen, die ich gerade herausbringen werde. "

Kritiker werden sich ab Ende 1949 weiter vermehren, was zu einem anhaltenden Krieg der Chroniken führt. Carlyle Burrows prangert die immer offensichtlicher werdenden Wiederholungen an, wenn Stuart Preston die kräftigen Farben der neuen Leinwände lobt. Immer mehr Kunstkritiker verbinden das Lager von Bewunderern: Amy Robinson in Art News , Robert Coates in New Yorker Henry McBride New York Sun . Time ist die einzige Zeitung, die ihre negativen Kritiken fortsetzt und die Werke von Pollock und De Kooning Rücken an Rücken ablehnt  : "Wenn diese Art von Gemälden die größte Lebenskraft in der zeitgenössischen amerikanischen Kunst darstellen, wie einige Kritiker argumentiert haben, ist es der Kunst schlecht gestalten. "

Mit der Exposition gegenüber dem US - Pavillon auf der 25 th Biennale von Venedig , zwischen3. Juni und der 15. Oktober 1950, Pollocks Werk nimmt eine internationale Dimension an und ist bis heute umstritten. Alfred H. Barr Jr. gibt in Art News den Ton an und ruft "ein energetisches Abenteuer für die Augen" hervor, ein Satz, der sofort von anderen Kritikern wie Douglas Cooper wiederholt wird. Der italienische Kunstkritiker Bruno Alfieri beschreibt Pollocks Malerei als "Fehlen der Repräsentation", als "Chaos", als "Mangel an Harmonie", "strukturelle Organisation", als "fehlende Technik": "Pollock brach alle Barrieren zwischen seine Malerei und sich selbst: sein Bild ist die unmittelbarste und spontanste Malerei. […] Verglichen mit Pollock wird Picasso […], der jahrzehntelang mit dem ewigen Albtraum seiner zerstörerischen Unternehmungen den Schlaf seiner Kollegen störte, ein friedlicher Konformist, ein Maler der Vergangenheit. "

Nach seinem Tod vervielfachte sich die internationale Kritik; Gerade diese posthumen Kritiken des Jahres 1958 tragen am meisten dazu bei, das Werk von Jackson Pollock einer breiten Öffentlichkeit bekannt zu machen. Darrio Micacchi ist im Organ der Kommunistischen Partei sehr hart:

„Auch in seinem Stil besitzt Pollock nicht mehr den Mut zur Malerei. […] Seine Technik lässt schnell nach und verarmt, während seine Bildsprache ihre Verbindungen und Wurzeln verliert. […] Seine Malerei kennt keine andere Regel als die des Zufalls. […] Wenn Pollocks Erfahrung eines lehren kann, dann, dass diese Erfahrung mit sich selbst endet und keine Schüler haben kann. […] Es ist die Eroberung einer Wüste durch einen Mann, der das Licht der Vernunft in sich und in seinem Werk ausgelöscht hat. "

Während Freek van den Berg ironisch bei einem Vergleich zwischen dem Maler Pollock und dem Schmuddelkind verweilt, schreibt Will Grohmann:

„Hier ist die Realität, nicht die von gestern, sondern die von morgen. […] Und welche Verfeinerung der Bildkonzeption. […] Alles ist im Geiste eines natürlichen und universellen Ereignisses erfunden. "

John Russel schreibt, dass Pollocks Werk „noch kraftvoller ist … als die Dinge, die jemals darüber gesagt wurden. „ John Berger spricht von Gemälden des“ hochbegabten „Pollock“ als Innenwände seines Geistes. "

Der kulturelle Kontext. Hans Namuth

Die 1950 von Hans Namuth aufgenommenen Bilder des „  Aktionsmalers  “ kursierten in der Presse, die anfingen, „Prominente“ der Kunstwelt zu leben. Diese Bilder haben in der Öffentlichkeit das Klischee vom „befreiten“ Künstler geprägt, dessen Arm wie ein Seismograph reagiert, der in sein „Unbewusstes“ gesteckt wird. Zuvor waren Künstler nie bei der Arbeit vertreten - der 1952 entworfene Film Clouzot , Das Geheimnis von Picasso wurde 1955 realisiert.

Andere von Namuth sorgfältig komponierte Bilder machten Pollocks populären Erfolg in den Vereinigten Staaten: Es sind Porträts, wie Willem de Kooning sagte , "von dem Mann, der an einer Tankstelle arbeitet", die Arme verschränkt, "ein bisschen provokant, verführerisch, aber grob ausgezogen". air, die in einer Scheune malt, nicht in einer Werkstatt, mit Stöcken und Industriefarbe. Sein populärer Erfolg brachte die Anhänger schnell auf die Idee, "in der Art" von Pollock eine Art Kitschmalerei zu machen , die Greenberg 1939 zu Recht zuerst in Avantgarde und Kitsch , dann in einem Artikel von The Nation of . angeprangert hatte23. Februar 1946 :

„Wir wollen eine allgemeine Popularisierung […] modischer Kulturgüter […], um die Unterschiede zu verwischen, wenn nicht sogar ganz auszulöschen. "

Auf diese Popularisierung, die sein Werk völlig verzerrt hat, reagiert Pollock mit der Rückkehr zur Figuration. Das7. Juni 1951, schrieb er an Ossorio:

"Ich habe eine Zeit lang auf Leinwand in Schwarz gezeichnet - einige meiner frühen Bilder kamen durch - denke, die Nicht-Objektivisten werden sie verstörend finden - und die Kinder, die denken, es sei einfach, einen Pollock herauszuschneiden. "

Die zweite Ausgabe von L'Atelier de Jackson Pollock chez Macula im Jahr 1982 bot die Gelegenheit, einen Text von Barbara Rose in französischer Sprache zu veröffentlichen. Sie unterstreicht die Bedeutung der Schwarz-Weiß- Bilder von Hans Namuth, die sehr beliebt waren. Filme hingegen, die an Universitäten vertrieben wurden, berührten das Publikum in Kunsthochschulen und neue Generationen von Künstlern, allen voran Allan Kaprow und Donald Judd , zutiefst .

Bereits 1972 konnte Dore Ashton mit großer Präzision den kulturellen Kontext evozieren. Insbesondere mit der Emigration von zwei Dritteln der Psychoanalytiker aus Europa kam es zu einer echten Mode, wo das Konzept des Unbewussten in die surrealistische Mode und ihr automatisches Schreiben integriert wurde . Jungs Position (die von Henderson, Pollocks Jungianer Ende 1938-1939), deren ästhetische Konzeptionen ein relativ aufnahmefähiges Klima fanden, wurde vom amerikanischen Kulturmilieu besser integriert. Der psychologische Aspekt von Ulysses von James Joyce machte ihn zu einer Referenz in der künstlerischen Welt. Jackson besaß neben seinen Leaves of Grass von Walt Whitman eine Kopie . Die "unverständlichen Tiefen der modernen Seele" lauerten in jedem New Yorker Café. Wer die theoretischen Texte nicht gelesen hatte, wusste, was los war. Der Film Noir hat sich stark darauf bezogen. Ab 1947 wurde der sartreanische Existentialismus in der amerikanischen Kultur mit The Age of Anguish in Verbindung gebracht, wie es in Audens Gedicht von 1946 und seinen "in die Existenz geworfenen Dingen" formuliert wurde .

Der politische und gesellschaftliche Kontext

1983 wurde Serge Guilbauts berühmtes Buch Comment New York stahl die Idee der modernen Kunst, das 1996 auf die Übersetzung ins Französische wartete, von den Editionen der University of Chicago veröffentlicht . Es trägt den Untertitel Abstrakter Expressionismus, Freiheit und der Kalte Krieg . Dieses Buch betrifft Pollock insbesondere in seinem ersten Kapitel, das sich mit der Entmarxisierung der Intelligenz in New York zwischen 1935 und 1941 beschäftigt. Pollock beschwört in seinen Briefen seinen Realismus als eine für das Volk lesbare Ausdrucksweise, die sich mit der Popularität auseinandersetzen muss Themen. Für die1 st Mai 1936, er beteiligt sich mit Siqueiros an der Herstellung von Bannern und einem Streitwagen…. Der Trotzkismus ging von einem Übergang aus, der das linke kulturelle Milieu dem Machtantritt Stalins und seiner Politik immer hilfloser gegenüberstand. Das zweite Kapitel befasst sich mit der Etablierung der amerikanischen Kunst als Folge des Zweiten Weltkriegs. Das dritte Kapitel beschäftigt sich mit den "Bedingungen für die Schaffung einer nationalen Avantgarde" 1945-1947. Es stellt sich heraus, dass der Erfolg von Jackson Pollock auf einer einzigartigen Kombination von Umständen beruhte, in denen das Verschwinden des Pariser Ortes zu einem gewissen Selbstbewusstsein im amerikanischen Kulturmilieu führte. Die nächste wichtige Staffel kam von der Presse, manchmal ironisch. 1953 forderten politische Kreise schließlich Pollocks Teilnahme an der Ausstellung „12 Contemporary American Painters and Sculptors“ im National Museum of Modern Art in Paris. Anschließend wurde die Ausstellung in Zürich, Düsseldorf, Stockholm, Helsinki und Oslo präsentiert.

Es ist sicher, dass der kommerzielle Erfolg von Pollock, der als erster Abstrakter Expressionismus der Durchbruch war, zum Teil auf der Entstehung einer neuen wohlhabenden Klasse beruhte, die dem Boom in den Vereinigten Staaten entsprach. Im Herzen des McCarthyismus wurde die künstlerische Rebellion in eine aggressive liberale Ideologie umgewandelt. Der neue Liberalismus identifizierte sich mit dieser Kunst nicht nur, weil diese Malerei moderne (als amerikanisch wahrgenommene) Züge aufwies, sondern vor allem in höchstem Maße Individualismus und Risiko verkörperte. Schließlich könnten diese Gemälde mit ihrem betont monumentalen Charakter sehr gut von der Zeitung Vogue als hervorragende Dekorationselemente in architektonischen Räumen moderner Art präsentiert werden.

Um Pollocks populären Erfolg zu erklären, verkörperte dieses Gemälde vielleicht einfach das Ideal einer Epoche, den Zeitgeist: Selbstakzeptanz, transgressive Freiheit und die Geschwindigkeit, die es selbst in diesen Worten ausgedrückt hat:

Keine Skizze Akzeptanz dessen, was ich tue- die Erfahrung unserer Zeit in der Malerei- keine Illustration von- (aber das Äquivalent) konzentriert Flüssigkeit.

Fraktale Analyse der Arbeit

Die von Richard Taylor, Adam Micolich und David Jonas vorgeschlagene fraktale Analyse der Werke von Jackson Pollock zeigt, dass das Prinzip der statistischen Autosimilarität respektiert wird. Diese Analyse besteht darin, mit Hilfe eines Rasters von N Quadraten auf der Leinwand zu überprüfen, dass der Anteil der Muster unabhängig von der Anzahl der untersuchten Quadrate und damit unabhängig von der Größe der Quadrate konstant bleibt. Schwarze Farbe nimmt 36% der Fläche eines Quadrats ein, zwei Quadrate … oder n Quadrate. Das gleiche gilt für die anderen Farben, die 13% der Leinwand einnehmen. Die fraktale Dimension der Dichte d beträgt ~ 1,66. Im Herbstrhythmus (Nummer 30) ist d 1,67.

Die fraktale Dimension ist konstitutiv für die Technik von Jackson Pollock und nicht konsekutiv. Es definiert mathematisch all-over . Die Analyse hat somit ergeben, dass die ersten Werke eine fraktale Dimension größer 1,1 und am Ende ihrer Lebensdauer 1,7 haben. Außerdem hatte Pollock ein Werk der fraktalen Dimension 1.9 zerstört, das er für schlecht, zu dicht hielt, während es von Hans Namuth verfilmt wurde .

Eine solche Analyse kann es ermöglichen, jeden falschen Pollock aus der sogenannten „klassischen“ Periode zu erkennen.

Mehrere Kunstkritiker stellen Verbindungen zwischen Pollocks Werk und dem des kanadischen Künstlers Jean-Paul Riopelle her . Ein Gemälde von Jean-Paul Riopelle, das 1950 auf der Ausstellung  Véhémences Confrontées präsentiert wurde , die vom Kunstkritiker Michel Tapié und dem Maler Georges Mathieu in der Galerie Nina Dausset in Paris organisiert wurde, ist von einem Werk von Jackson Pollock inspiriert, das Michel Tapié als . bezeichnet "amorph", also formlos oder rein materiell.

Werke, Auswahl

Abgebildet bis auf wenige Ausnahmen im Katalog 1999.

Nachwelt

Hinweise und Referenzen

Anmerkungen

  1. "  Über Wachstum und Form  : Thompson, D'Arcy Wentworth, 1860-1948  " , unter Free Download and Streaming: Internet Archive (Zugriff am 25. November 2015 ) .
  2. Und er ist nicht der einzige: Die Künstler des abstrakten Expressionismus haben diese Leidenschaft. Siehe Kirk Varnedoe in Primitivismus in der Kunst des XX - ten  Jahrhunderts , Bd. 2, s.  615-653 .
  3. Es kann auf die Wikimedia-Commons-Galerie und verwandte Links verwiesen werden . Die 1901 produzierte Baugruppe reproduziert ein „ungefähres Äquivalent“ der Erfahrung der Ausstellung von 1941 in dem den Künsten der Nordwestküste gewidmeten Raum. Die Totems, die durch das Zusammenfügen verschachtelter „Masken“ entstehen, finden in Pollocks Zeichnungen dieser Jahre ein Echo.
  4. Die Nähe der Demoiselles d'Avignon , (für Pollock ein wesentliches Werk, wie er später erkannte) im MoMA sollte uns gleichzeitig daran erinnern, dass Picasso selbst von der Entstehung seines Gemäldes als „  Exorzismus  “ gesprochen hatte.
  5. Mehrere Spezialisten des Künstlers weisen darauf hin, dass dieser mit der Nabelschnur um den Schlag herum geboren wurde, erwürgt genug, um an diesem Tag dort blau gewesen zu sein; seine Mutter nennt ihn „schwarz“: Anfam 2015 , S.  32, unter Berufung auf Naifeh und Smith 1999 , S.  43 der englischen Ausgabe.
  6. Für ein pädagogisches Gerät ( Interaktive Funktionen ) auf der angegebenen Seite externer Link unten SFMoMA auf der Website.
  7. Élisabeth Lebovici "L'Américaine", in Beaux Arts magazine n o  75, Januar 1990 p.  55 .
  8. Siehe hierzu auch Dore Ashton  : Ashton 1992 p = 216.
  9. Naifeh und Smith fügen "Anti-Pollock-Agenten" hinzu Naifeh und Smith 1999 p.  574 .
  10. Harold Rosenberg war wie Greenberg ein Freund von Lee Krasner . Aber dieser Artikel, der jeden künstlerischen Wert der Aktion im Action Painting bestreitet, schuf eine Beziehung offener Feindseligkeit zwischen ihnen.
  11. Siehe aufgezeichnete Interviews von Pollock.
  12. Lesen Sie die Zitate im Katalog der Pariser Ausstellung von 1982
  13. "Wenn ich in meiner Malerei bin, ist mir nicht bewusst, was ich tue. Erst nach einer Art "Kennenlernen" sehe ich, worum es mir geht. Ich habe keine Angst davor, Veränderungen vorzunehmen, das Bild zu zerstören usw., weil das Gemälde ein Eigenleben hat. Ich versuche es durchkommen zu lassen. Erst wenn ich den Kontakt zum Bild verliere, ist das Ergebnis ein Durcheinander. Ansonsten herrscht pure Harmonie, ein leichtes Geben und Nehmen, und das Bild kommt gut zur Geltung. »Übersetzung: Collectif 1982
  14. „Die Quelle meiner Malerei ist das Unbewusste. Beim Malen gehe ich genauso vor wie beim Zeichnen. Das ist direkt – ohne Vorstudien. Die Zeichnungen, die ich mache, sind relativ zu meiner Malerei, aber nicht für sie. "
  15. „Der „abstrakte Expressionismus“ ist mir egal… und er ist sicher nicht „ungegenständlich“ und auch nicht „nicht-gegenständlich“. Ich bin manchmal sehr repräsentativ und die ganze Zeit ein bisschen. Aber wenn man aus dem Unbewussten heraus malt, entstehen zwangsläufig Figuren. Wir sind alle von Freud beeinflusst, denke ich. Ich bin schon lange Jungianer… Malen ist ein Seinszustand… Malen ist Selbstfindung. Jeder gute Künstler malt, was er ist. "
  16. Élisabeth Lebovici, "L'Américaine", in der Zeitschrift Beaux Arts Nr. 75, Januar 1990, S. 55.
  17. Serge Guilbaut (2006, S.  241 ) übersetzte diese kleine handschriftliche Notiz, die in Bernice Roses Buch Jackson Pollock zitiert wird . In Malerei zeichnen (MOMA NY 1980, S.  12 )
  18. Zugang: Fraktale Analyse von Pollocks Drip Paintings: Natur [PDF]
  19. Vergleichbar mit dem Sandgemälde in (en) Frederic H. Douglas und Rene d'Harnoncourt (Ausstellungskatalog: 22. Januar – 27. April 1941), Indian Art of the United States , New York, Museum of Modern Art,1941( online lesen ) , s.  134, illustriert S. 118, Ausgabe 1948.

Verweise

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  10. Naifeh und Smith 1999 , p.  322. Siehe auch: (en) Frederic H. Douglas und Rene d'Harnoncourt, Indian art of the United States , New York, The Museum of Modern Art,1941, 211 S. + Literaturverzeichnis = 219  S. ( online lesen ) , s.  28-29. Frederic H. Douglas  (in) war einer der ersten Wissenschaftler, der die eigenen künstlerischen Leistungen der indigenen Völker Amerikas, Afrikas und Ozeaniens anerkannte. Rene d'Harnoncourt  (en) war Kurator, bevor er 1949 der des MoMA wurde. Der Kurator des MoMA war 1941 Alfred H. Barr, Jr.
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  41. Auf dem Gelände des Centre Georges-Pompidou .
  42. Siehe die Bemerkung von Elaine de Kooning in Kim Evans DVD, 2006, vgl. Literaturverzeichnis.
  43. Nachgedruckt in: O'Connor 1967 , S.  40
  44. Alle Schriften und Stellungnahmen sind im Werkverzeichnis veröffentlicht: O'Connor and Thaw 1978
  45. veröffentlicht in Conversations with Artists , New York (1957) und zitiert im Katalog von 1967: O'Connor 1967 , S.  73.
  46. Anfam 1999
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  48. Anfam 1999 , p.  7 bis 13
  49. Gintz 1979 , p.  11
  50. Eleanor Jewett, Chicago Daily Tribune , 6. März 1945.
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  52. Parker Tyler, Ansicht , Mai 1945.
  53. Manny Farber, Neue Republik , 25. Juni 1945.
  54. A [lonzo] L [Ansford] Art Digest , 15. Januar 1948.
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  56. Paul Mocsanyi, United Press Red Letter, 9. Februar 1949
  57. Elaine de Kooning, Art News , März 1949.
  58. Brief vom 4. April 1948, in Francis V. O'Connor, Jackson Pollock , The Museum of Modern Art, New York, 1947.
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  62. Bruno Alfieri, "Piccolo discorso sui quadri di Jackson Pollock", L'Arte Moderna , August 1950.
  63. Dario Micacchi, L'Unità [Rom], 12. März 1958.
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  74. MJ, „  Pollock Wandbild in Malaga  “, Connaissance des Arts , Paris , n o  747,April 2016, s.  40.

Anhänge

Literaturverzeichnis

Dokumentarfilme

Zum Thema passende Artikel

Externe Links

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