Die Skulptur ist eine künstlerische Tätigkeit, die das Entwerfen und Implementieren von Formen in Volumen, Gelände oder rund ( Statuen ), im Hochrelief , im Flachrelief , durch Modellieren , Direktmaß, durch Schweißen oder Montage beinhaltet. Der Begriff Skulptur bezeichnet auch das aus dieser Tätigkeit hervorgegangene Objekt.
Das Wort Skulptur kommt etymologisch vom lateinischen „ sculpere “, was „schneiden“ oder „Stücke aus einem Stein entfernen“ bedeutet. Diese Definition, die "Skulptur" und "Modellierung" unterscheidet, veranschaulicht die Bedeutung, die der Größe des Steins in der römischen Zivilisation beigemessen wird . Im X - ten Jahrhundert , sprechen wir von „ymagier“ und den meisten Zeit, die Arbeit des Bildhauers ist ein Team mit einem Master und Steinmetzen , wie in der diskutierten romanischen Kunst und romanische Architektur . An den großen Dombaustellen arbeiten mehrere Teams gleichzeitig .
Die ältesten Skulpturen, die von Menschenhand geschaffen wurden und die Zeit überdauert haben, sind kleine rudimentäre geschnitzte Figuren aus Stein oder Knochen, die wahrscheinlich für magische Praktiken, Votivgaben, Tauschgeschäfte und Rituale verwendet wurden, die es ermöglichten, Transaktionen mit übernatürlichen oder soziale Kräfte. Die Venus Lespugue auf Elfenbein des Mammuts ist ein gutes Beispiel. Einige größere Skulpturen haben die Jahrtausende überdauert, die uns von ihrem Schöpfer trennen, wie der rohe Tonbison, der in der Höhle Tuc d'Audoubert in Ariège gefunden wurde , die Flachreliefs des Felsunterstands von Roc-aux-Sorciers in Wien oder die gemeißelte Monolithen von Göbekli Tepe in der Türkei . Es ist wahrscheinlich, dass auch modellierte Objekte in der Erde existierten, aber in Ermangelung von Techniken der Perpetuierung (Kochen) bleibt dies eine Hypothese. Andere Skulpturen, wie sie bei Roc-aux-Sorciers stellen wilde Tiere, zweifellos Darstellungen der Ernährung der Jäger-Sammler - Völker der Magdalénien .
Obwohl dieser zweifellos schamanische Gebrauch zurückgegangen ist, bleibt die menschliche Darstellung ein häufiges Thema der Bildhauer . Je nach Epoche und Zivilisation haben Künstler diese Figuren realistisch ausgeführt oder im Gegenteil größere Freiheit bei der Interpretation ihres Themas genommen.
Im Westen wurde die Skulptur verspätet von der Malerei abgekoppelt . In Paris gehörten diese beiden heute deutlich unterschiedlichen Kategorien von Künstlern im Mittelalter zur gleichen Berufsgemeinschaft von Malern und Bildschneidern . Tatsächlich wurde das Relief eines großformatigen Bildes vor der Erfindung der Darstellungen in der modernen Perspektive durch eine Flachreliefbehandlung der Bildebene wiedergegeben, wie bei den Skulpturen romanischer Kirchen und gotischer Kathedralen (zum Beispiel auf Notre- Dame de Paris, deren verschwundene Farben gerade gefunden wurden).
In Frankreich wurden mit der Gründung der Akademien für Malerei und Bildhauerei 1648 und der Architekturakademie 1671 die beiden Berufe offiziell getrennt, auch wenn während der Renaissance viele Künstler auch blieben .
Im XIX - ten Jahrhundert , gibt es noch die „Bildhauer“ , die Größe von festen Materialien: Stein , das Holz oder Elfenbein , eine ursprüngliche einzigartige Form und die „Skulptur“ , die Modelle führen die Erde zu schaffen ( Ton ) in Gips oder Wachs zu häufiger reproduziert (indirekte Technik des "Vergrößerns mit den Spitzen") oder geformt (Technik des "Guss- Wachsausschmelzverfahrens ", um in Metall in Bronze gegossen zu werden ).
Um ein Werk zu schaffen, können mehrere Wege in Betracht gezogen oder sogar miteinander kombiniert werden.
Die Modellierung: Jean-Antoine Houdon modelliert die Büste des Ersten Konsuls Bonaparte , um 1802-1803. Boilly Louis Léopold (1761-1845), Öl auf Leinwand.
Die Bronzeskulptur erfordert das Schmelzen des Metalls bei 1200 ° C , um in eine Form gegossen zu werden .
Psyche wiederbelebt durch Amors Kuss von Antonio Canova ist eine der Meisterleistungen der Größe des Marmors .
Montage: Jean Tinguely vor seiner Werkstatt während der Montage. 1963. Foto Erling Mandelmann
Die in der Bildhauerei verwendeten Materialien erfordern mehr oder weniger leicht zu erwerbendes Know-how. Erde, die sich leicht modellieren lässt, Weichhölzer, die ohne großen Kraftaufwand geschnitten werden können, sind sicherlich die am weitesten verbreiteten. Aber erinnern Sie sich heute an Materialien, die von Kindern verwendet wurden, Sand, Sandburgen, Stoffpuppen oder kleine Gegenstände in Salzteig in Ton oder Fimo . Einige dieser Skulpturen werden vergänglich sein, in Sand, aber auch solche aus Früchten wie Halloween-Kürbis. Andere bleiben zerbrechlich, wie zum Beispiel trockene Erde, auch wenn Fasern hinzugefügt wurden, oder bestimmte einfach abgenutzte Schalen.
Das Flechten von faserigen Pflanzenmaterialien ermöglicht Leistungen, bei denen der technische Grad viel höher werden kann. Einfach aus Stroh, das wie Gold glänzt, haben junge Songhaï-Mädchen ihre prächtigen Halsketten, so zerbrechlichen, winzigen Skulpturenschmuck, gefertigt. Weiche Materialien, die getragen werden können, können tierischen Ursprungs sein wie Knochen und Elfenbein, oder pflanzlich wie Holz, mit mehr oder weniger harten Arten, oder im Gegenteil flexibel und leicht zusammengefügt oder mit anderen Materialien, Fasern, Federn, Blumen und Blätter.
Die natürliche Farbe von Materialien wird oft teilweise oder vollständig von anderen Farben überdeckt, möglicherweise auf einer Beschichtung, die das Oberflächenbild eines Materials verändert. Das Holz kann mit farbigen Mineralstoffen imprägniert werden, die es nach längerem Aufenthalt in der Erde vor Insekten schützen.
Der Gips wird seit der Antike zum Formen verwendet. Die Römer der Republik bewahrten somit eine Ahnengalerie durch den Abdruck ihrer Gesichter. Dies führte unter dem Imperium zu ihrer Umsetzung in luxuriöse Materialien, verschiedene Marmore, die die Empörung der Zeitgenossen erregten. Rodin hat Gips besonders kreativ eingesetzt. Das Höllentor ist ein Paradebeispiel. Gips bleibt ein relativ zerbrechliches Material.
In sehr trockenen Klimazonen, wie in den Oasen von Xinjiang, oder an Orten, die vor Feuchtigkeit geschützt sind, wie in der Nara-Zeit in Japan, in buddhistischen Gebäuden oder in den Ateliers westlicher Künstler wird seit langem rohe Erde oder trockene Erde verwendet für bestimmte Skulpturen. Aber es bleibt sehr zerbrechlich.
Schließlich wurden einige Skulpturen für die Ewigkeit gemacht. Die Terrakotta- , Keramik-Nutzung dient den geforderten Formen und verschönert oder für andere Verwendungszwecke, wie zB eine gewisse "Tänzerin" der Jungsteinzeit Oberägyptens, weltberühmt. Die Art der Bestandteile , aus denen die Erde vor dem Brennen hergestellt wird, die Vorbereitungsarbeiten, die Beschichtung (die Glasur, die Schmelz) und vor allem der Brenntemperatur selbst, ist Gegenstand sehr methodischer Forschung in China. Bis am Ende mit Steingut (Keramik) dann Porzellan , von bemerkenswerter Beständigkeit. Die Mingqi- Chinesen können alle Formen annehmen, Häuser, Figuren, Gegenstände, fantastische Kreaturen. Da die härtesten und glasigsten Steine wie Jade am schwierigsten zu bearbeiten sind, ist ihre Arbeit die Leistung von Menschen mit hochspezialisiertem Wissen, die ihr Leben dafür einsetzen können. Diese Materialien sind daher teilweise aus mineralischem Ursprung , Kalkstein , Sandstein (Geologie) , Marmor , Granit , Quarzit , usw. und einige haben eine sehr lange Geschichte, die Feuersteine zum Beispiel waren Gegenstand einer unglaublichen Arbeit, die sie in echte Skulpturen verwandelt. Die Feuerstein-Exzenter Maya sind ein gutes Beispiel. Aber die älteste Grabstätte, Neandertaler (Sima de los Huesos, Spanien) , ist "ganz einfach" ein prächtiges Doppelgesicht aus rotem und gelbem Quarzit, 500.000 Jahre alt. Wahrscheinlich sind es die Beschaffenheit und die Farbe des Materials, die ihm seinen ganzen Wert verliehen haben.
Die Metallkunst entwickelte sich schon sehr früh mit Gold, dann Kupfer (wir sprechen von Chalkolithikum ), bearbeitet durch Hämmern und Gießen. Die Bronze , wie Zinn , erhielt verschiedene Gießverfahren, das Wachsausschmelzverfahren oder die vielen Formen, wie in China . Sie unterliegen einer sekundären Retusche, Montage und Politur. Auch andere Materialien unterliegen der Formgebung. Also Zement oder Beton , aber diese Materialien können auch in der Abbindezeit in direkter Größe verarbeitet werden. Der Stahl wird viel mehr verwendet als das Aluminium aufgrund von technischen Problemen konfrontiert Schweißen von Aluminium. Der Bildhauer Richard Serra hat die Qualität der von ihm verwendeten Metalle, wie gigantische Platten aus Cortenstahl oder Konfigurationen, die die Eigenschaften von Blei umsetzen, ausgiebig genutzt , um dem Betrachter das Gefühl von Gewicht "physisch" zu vermitteln.
Das Textil wird seit der Antike auf Holzstatuetten, oft bemalt, verwendet. Ägyptische Grabstatuetten haben einige Exemplare, während die erhaltene XIV ten Jahrhundert in Italien, Säge ständigen Einsatz in zahlreichen Votiv-Skulpturen Porträts zu Fuß oder sogar Pferde , die noch zu der Zeit , indem sie in Gebrauch waren Donatello . In jüngerer Zeit hat der Künstler Robert Morris die natürliche Bewegung eines sehr dicken, geschnittenen Filzfilzes verwendet, der unter seinem Gewicht fällt, um sinnliche Formen zu erzeugen.
Die moderne und zeitgenössische Skulptur verwendet diese Materialien noch immer, aber auch Glas und Spiegel, Rohstoffe, Eis und Wasser, Flüssigkristalle und andere künstliche Materialien wie Kunststoffe und insbesondere PMMA (Polymethylmethacrylat), bekannt unter Handelsnamen wie Plexiglas oder Altuglas, sowie jedes gefundene Objekt. Die Pappmaché ist auch ein äußerst preiswertes Material, Skulpturen und Umsetzungstechniken aus diesem Material sind einfach umzusetzen.
Die Verwendung von Schokolade ist nicht ausgeschlossen. Auf der anderen Seite schafft die Kochwelt gerne etwas, das wie eine Skulptur aussieht, zum Spaß.
In seinen letzten Schriften behauptete Joan Miró , dass man sich in Zukunft Skulpturen aus Gasen als Materialien vorstellen kann. In Anlehnung daran definierte Louis Leygue in seiner Begrüßungsrede für Nicolas Schöffer an der Akademie der Bildenden Künste die Skulptur wie folgt:
"Die Skulptur kann nach drei Prozessen ausgeführt werden: das, was darin besteht, das Material in einen kompakten Block zu nehmen, das darin besteht, ein weiches Material zu formen, um Formen zu schaffen, und schließlich das, was darin besteht, das zu erreichen, was man erreichen möchte."
So erleben wir mit der Verbreitung von Museen und wissenschaftlichen Publikationen eine Wiederentdeckung von Materialien, die im Laufe der Jahrhunderte vergessen wurden.
Wenn bestimmte Metalle wie Gold die Menschen fasziniert haben, liegt es daran, dass dieses Material mit dem Licht spielte. Der ideale Schliff, den Brancusi suchte, spielt auch in den Fotografien seiner eigenen Skulpturen mit dem Licht. Licht ist eine Eigenschaft bestimmter „Materialien“. Ebenso ist Wasser, wenn ein Bildhauer einen Brunnen erschafft, ein Teil der „Materialien“, mit denen er arbeiten muss, und sogar die Bewegung, die dem Wasser verliehen wird. Bewegung ist dann eine Eigenschaft des Materials „Wasser“. Jean Tinguely verstand es, die Beziehung zwischen seinen Assemblagen aus weggeworfenen Objekten, ihren kollidierenden Bewegungen und dem bewegten Wasser mit den Klängen der Skulptur herzustellen.
Nach László Moholy-Nagy ( Modulator Space Light , 1929) interessierten sich Nicolas Schöffer und viele andere Künstler wie Marta Pan für das Verhältnis von Architektur und Skulptur. Die ersten beiden betrachten Licht ebenso als Material wie Bewegung. Marta Pan hat monumentale Skulpturen geschaffen, die in die Architektur öffentlicher und urbaner Räume integriert sind, wie La Perspective im Parc des Sources de la Bièvre in Guyancourt . Nicolas Schöffer wollte 1963 im Zusammenspiel mit dem Pariser Stadtteil La Défense einen „ Kybernetischen Lichtturm “ schaffen . Der Raum, dessen Qualität es ist, bewohnt zu werden, ist für Nicolas Schöffer ebenso ein Material wie die Bewegung, die seine Skulpturen belebt.
Land-Art- Künstler ihrerseits wollten Kunstgalerien und Museen mit den damit verbundenen Konventionen und Zwängen verlassen und uns „Skulpturen“ machen oder zeigen, die mit den jüngsten Traditionen brechen. Die "Materialien" sind hier viele: natürliche Materialien, wie zum Beispiel Basalt-Spiralpad / der Great Salt Lake in Spiral Jetty von Robert Smithson (1970), wo die Dimension der Zeit wesentlich ist. Für James Turrell ist es immer noch hell, natürlich, in Räumen, die im Allgemeinen mitten in der Natur gebaut wurden (der Roden-Krater ). Der oft monumentale Maßstab dieser Skulpturen berücksichtigt die Landschaft, in die die Werke eingeschrieben sind, und die zeitliche Dimension über lange Zeiträume: Die Spirale aus schwarzem Basalt von Robert Smithson galt als den Schwankungen des Sees ausgesetzt. , die schwarze Spirale wird dann von weißem Salz begrenzt, bis sie bei Hochwasser im Salzwasser verschwindet und einige Jahre später wieder ganz weiß erscheint.
Für Dominique Gonzalez-Foerster sind Literatur, Kino und Musik Materialien, die sie wie mit einer Schere verwendet und Fragmente für ihre Installationen auswählt. Es ist daher zu bedenken, dass mit Realisierungen wie denen von Brancusi und Robert Smithson, "an der Schnittstelle von Stille und Bewegung", die Skulptur in einem "erweiterten Feld" zu sehen ist, wie Rosalind es ausdrückt . Krauss und wo Die Installation hat ihren Platz.
So haben zeitgenössische Bildhauer den Weg für neue Forschungen geebnet, indem sie traditionelle Materialien mit anderen in Verbindung bringen, nachdem sie ihre Praxis und die Geschichte, die ihnen von Museen, kunsthistorischen Lehrbüchern und anderen angeboten wird, reflektiert haben. Für andere waren es neue Technologien, neue Materialien und sogar „ Hochtechnologien “, die ihnen neue Materialien boten.
Die Reflexion über das zeitgenössische Schaffen führt einige zu einer Position, die radikal gegen das ist, was sie als „Drifts“ betrachten, die von wichtigen Mäzenen gefördert werden. Welche als skulpturale Kreationen gelten, die wegen der Wahl der so genannten "Materialien" lebhafte Debatten auslösen. So besteht eine Arbeit von Damien Hirst - einem berühmten Künstler der 1990er Jahre, der Installationen produzierte, in denen er sich mit der Beziehung zwischen Kunst, Leben und Tod beschäftigte - aus einer Vitrine, in der ein echtes Kalb mit einer Goldplatte zwischen den Hörnern , ist in Formalin konserviert. Es werden zahlreiche kulturelle Bezüge gesucht, unter anderem Hinweise auf die Götter des alten Ägypten, den Stiergott Apis , die Göttin Hator und Isis . Die durch diese Arbeit ausgelösten Debatten scheinen darauf hinzudeuten, dass für manche nicht alles als „Material“ betrachtet werden kann. Im Hinblick auf künstlerische „Materialien“ würde sich dann die Frage nach der Dauerhaftigkeit von Tabus in zeitgenössischen Gesellschaften stellen, die berücksichtigt werden sollte, wenn man davon ausgeht, dass ein Werk für das Publikum bestimmt ist.
Es gibt zwei Hauptkategorien der Skulptur: Relief und die runde .
LinderungDas Relief ist eine Skulptur, die mit einem Hintergrund verbunden bleibt und sich aus diesem Hintergrund erhebt. Je nach Projektionsgrad der Figuren über die Ebene werden die Reliefs unterschiedlich qualifiziert: das zerdrückte Relief ( stacciato relievo ): dessen Relief ist sehr niedrig. Die Umrisse der Figuren sind fein eingeritzt (zB einige assyrische Reliefs).
Der runde Buckel ist eine Skulptur, die so gestaltet ist, dass sie von allen Seiten oder fast allen Seiten betrachtet werden kann. Die runde Beule ruht oft auf dem Boden oder auf einem Sockel. Es ist manchmal in einer Nische untergebracht.
Wir werden bemerken, dass Michelangelo mit diesen beiden Prinzipien spielt und Statuen aufführt, deren Charaktere aus dem Block (aus Marmor) hervortreten, aber nicht vollständig.
Extreme SkulpturVon Anfang des XX - ten Jahrhunderts gab in mehreren Künstlern ein starker Wunsch , sich zu distanzieren von Naturalismus , Realismus und Kunst figurative : „Es ist nicht die äußere Form der Dinge , die real ist, aber ihr Wesen. Aus dieser Wahrheit kann niemand die Realität ausdrücken, indem er die äußere Oberfläche der Dinge nachahmt “ (Brancusi).
Wenn Brancusi der unbestrittene Begründer der modernen Skulptur und der Meister der Reduktion ist, um eine reine künstlerische Form zu erreichen, ist Marcel Duchamp "der Erfinder" der Readymades.
Brancusi folgt systematisch dem Urgeist und den Grundprinzipien der Form und befreit sie von ephemeren, zufälligen oder zufälligen Aspekten. Das Readymade ist ein Fundstück, das aufgrund seines ästhetischen Charakters als Kunstwerk gilt. Die „Realisierung“ eines Readymades besteht nämlich darin, ein hergestelltes Objekt auszuwählen und als Kunstwerk zu bezeichnen und damit zu definieren . Der von Brancusi und Duchamp initiierte Ansatz führte zu einem großen Teil moderner und zeitgenössischer künstlerischer Praktiken wie dem Nichtfigurativen , der Assemblage, der Akkumulation, der Installation, des In-situ, des Hundertwasser- Konzepts , des Konzepts Gaudi , des Botarro Konzept und vieles mehr.
Jedes Jahr , Anfang Februar, findet anlässlich des Sapporo Snow Festivals ein großer Eisskulpturen-Wettbewerb statt . In Frankreich ist das Äquivalent das Valloire- Festival und in Quebec das des Québec-Winterkarnevals.
Sandskulpturen am Meer sind oft vergänglich.
Der kauernde Schreiber , ägyptische Antike aus dem Louvre-Museum .
Geschnitzte Holztür . Taschkent .
Buddhistisches indisches Flachrelief .
Venus von Milo , griechische Skulptur.
Skulptur in Bronze von Zadkine , der zerstörten Stadt , 1953 Rotterdam .
Einer der Engel Humbert , gotische Skulptur Holz das XIII - ten Jahrhundert, Museum der Schönen Künste von Arras .
Nanas , 1974, Skulptur von Niki de Saint Phalle .
Der Daumen , 1963, César .
Skulptur Yombe Gipfel Zepter, XIX - ten Jahrhundert .
Büste Ludwigs XIV. im Musée des Beaux-Arts in Dijon , Werk des Bildhauers Antoine Coysevox .
Engel mit Bratsche und Laute , Lindenholzschnitzerei , Deutschland (um 1490) - Bode-Museum , Berlin .
Fabrik von Steinstatuen in Bali .
Figuren Kerzenhalter in Creuë . Naive Skulpturen aus dem späten XV - ten Jahrhundert.
Art-Deco- Skulptur von Robert Wlérick .
Lichtinstallation, Spiegel. Lee Bul , 2015.