Das Drama ist die Kunst, eine wahre oder imaginäre Geschichte in eine konstruierte Erzählung zu verwandeln, die eine oder mehrere Figuren in Aktion umfasst. Im Kino und allgemein in Filmen ist Dramaturgie die Kunst des Geschichtenerzählens durch die Illusion der Wahrhaftigkeit einer aufgezeichneten Aufführung.
NB: Wir dürfen den Begriff "dramatisch" nicht verwechseln, was "nach den Regeln der Dramaturgie" bedeutet und der das Erzählen einer Geschichte mit einem glücklichen oder unglücklichen Ende mit "tragisch" sein kann, was systematisch die Idee von widerspiegelt Unglück. Nur durch Sprachmissbrauch wurden die beiden Begriffe verwechselt.
Einige Autoren machen einen Unterschied zwischen Geschichte und Erzählung , indem sie diesen Synonymen eine zusätzliche Bedeutung verleihen , wie beispielsweise Marie-France Briselance : „Geschichte ist das, was in der Realität passiert ist oder was passiert wäre. Hätte passieren können (in Fiktionen), berichtet in chronologischer Reihenfolge . Die Erzählung ist die dramatische Behandlung dieser Geschichte, das heißt, so , wie es zu sagen, die Betonung Teile der Geschichte beinhaltet, andere entfernt, und Contracting oder dilate Echtzeit narrative Zeit zu schaffen“ .
Andere Autoren verlassen sich nicht auf diese Dichotomie und vergleichen "eine gute Geschichte" mit einem organischen Prozess. Dies ist bei John Truby der Fall: „Man könnte sagen, dass das Thema oder was ich moralische Debatte nenne, das Gehirn der Geschichte ist. Die Hauptfigur ist das Herz und das Kreislaufsystem. Die Offenbarungen sind das Nervensystem. Die Struktur der Geschichte ist ihr Skelett. Das Weben der Szenen, seine Haut “ .
Yves Lavandier analysiert die grundlegenden Mechanismen des Drehbuchschreibens. Seiner Meinung nach sollte die Arbeit des Drehbuchautors von Überlegungen zu 4 Punkten bestimmt werden:
Zusammenfassend bestätigt Y. Lavandier: "Wenn Sie sich vor einen Film setzen, sind Sie kein Bäcker oder Philosoph, kein Lehrer oder Bauer, kein Clown oder keine Krankenschwester, nicht einmal ein Jude oder ein Katholik, schwarz oder weiß, jung oder alt, ein Mann. oder eine Frau, wir sind wie unser Nachbar, ein Mensch mit den gleichen Grundbedürfnisse“ zu sein .
Was M.-F. Briselance nicht leugnet: „Die Dramaturgie hat wie die Psychoanalyse ihre Wurzeln in Mythologien auf der ganzen Welt, denn überall hatten Männer dieselben Träume, dieselben Ängste und erfanden dieselben Geschichten, aus denen sie unendlich machten Variationen “ .
Alle diese Autoren kommen auch zusammen, wenn es darum geht zu wiederholen, dass die Arbeit der Gestaltung der Geschichte und / oder der Erzählung eines Films eine literarische Arbeit ist. Die filmische Sprache, die die des Regisseurs ist, wird dann den Stil bringen und was einen Film zu einem Modell des Genres, einer blassen Kopie oder einer Rübe machen wird. Die beiden Versionen der Geschichte von Der Mann, der trotz des gleichen Themas zu viel wusste (Thema), bilden zwei unterschiedliche Erzählungen und den Stil von Alfred Hitchcock , der beide Filme drehte ( Der Mann, der zu viel wusste (Film, 1934) und Der Mann, der zu viel wusste (Film, 1956) , bringt eine zusätzliche Personalisierung zu diesen beiden ähnlichen Geschichten, jedoch mit unterschiedlichen Berichten.
Wenn sich ein Drehbuchautor dem Aufbau der Dramaturgie-Elemente nähert, die er angehäuft hat, um seine Geschichte aufzubauen, muss er wie jeder, der herausfinden muss, wie er seine Idee anderen mitteilen kann, ein entscheidendes Problem lösen: Wo soll er anfangen und wie soll er fortfahren? ?
François Truffaut , der sich bewusst war, dass die Kunst des Kinos auf der Beherrschung von Raum und Zeit beruht, lieferte eine symptomatische Reflexion: „Zur Zeit von Tirez sur le Pianiste wurde mir klar, dass ich in meiner Arbeit als Drehbuchautor eher banal war und wissenschaftlich. Wenn ich ein Drehbuch anfing, war es immer sehr mühsam: Das Dämmerlicht - in einem Raum - der Alarm geht aus - er steht auf - er legt eine Schallplatte auf - er zündet sich eine Zigarette an - danach geht er zu seiner Arbeit ... Dort wurde immer der erste tag so beschrieben. Als ich ein neues Set hatte, war es identisch: Ich verteilte den Charakter in jedem Raum, damit wir die Wohnung gut sehen konnten. Manchmal war es etwas mühsam. Mir fehlte der Mut, Szenen mitten in der Szene aufzunehmen . “
Die griechische Tradition des Aristoteles , in seiner Poetik , eine Abhandlung, geschrieben um 335 v. AD , das erklären soll, wie ein Geschichtenerzähler (ein Ade ) eine Geschichte erzählen soll, wird am häufigsten als Beginn der menschlichen Reflexion über dieses Problem mit der Theorie der "drei Akte" angesehen: Jede Geschichte ist d '' zuerst eine Ausstellung ( Protasis ), wo das Ziel des Helden erklärt wird, gefolgt von einem dramatischen Knoten ( Epitasis ), bei dem der Held und seine Antagonisten in einen Kampf eintreten, mit einem ereignisreichen Ende ( Catastasis ), bei dem der Held alle Hindernisse überwindet und sein Ziel erreicht und brachte dem Zuschauer eine Katharsis , die "Reinigung seiner Leidenschaften".
Der Barde Homer , vom Ende des VIII - ten Jahrhundert vor Christus. AD versteht, was François Truffaut achtundzwanzig Jahrhunderte später entdeckt, als Beweis dafür, dass der Autor (von Theaterstücken, Romanen oder Filmen) wie seine Vorgänger wandern muss, um die Mechanismen seiner Kunst zu verstehen: "In der Ilias , die durch ihre Komposition in epische Songs, ist ein dramatisches Werk, Homer, die erzählen trojanischen Krieg , die 10 Jahre der Vorbereitung und zehn Jahre Belagerung dauerten, konzentrierte ich seine Geschichte über einen Zeitraum von 55 Tagen, im letzten Jahr des Krieges“gelegen .
Ein weiteres berühmtes Modell des Anfangs einer Geschichte, so spät wie möglich in der Geschichte genommen, Oedipus Rex , der griechischen Tragiker Sophokles, in der schriftlichen V th Jahrhundert vor Christus. AD „Sophokles 'Spiel“, erinnert sich Yves Lavandier, „beginnt, wenn Ödipus bereits:
Es ist diese Ansammlung wichtiger Ereignisse aus der Vergangenheit, die während der Szenen hervorgerufen wird, die die emotionale Stärke des Stücks ausmacht. Drehbuchautoren können ihre Arbeit nicht wie ein Theaterstück oder einen Roman führen. Ihr Film wäre zu gesprächig und ohne Action, es sei denn, sie hätten Rückblenden verwendet , aber diese Art, zu einem vergangenen Ereignis ins Kino zurückzukehren, muss installiert, gezeigt und dann gelöscht werden, um zur gegenwärtigen Erzählung zurückzukehren etwas mühsames Gerät. Er hat daher nicht die Sofortigkeit des Satzes und die Fähigkeit, dass der Autor des Schreibens jederzeit zurückkommen muss, um das Ereignis zu klären. Wenn der Drehbuchautor kann, ist es für zwei, drei, höchstens vier Rückblenden in einem Film. Aber „der Drehbuchautor hat ein außergewöhnliches Werkzeug: die Filmsprache, und er muss immer bedenken, dass ein Szenario eine Geschichte ist, die in Bildern mit Worten geschrieben ist und in Bildern, aber mit Plänen produziert werden muss. Da ein Film keine Realität zeigt, bietet er eine Interpretation der Welt, die die seiner Autoren, Drehbuchautoren und Regisseure ist. Kino ist viel mehr als eine Abfolge von Bildern. Wie die Literatur ist sie Teil einer Schrift, dh eines Werkzeugs der Abstraktion und Vorstellungskraft, das die gefilmte Welt konstruiert, dekonstruiert und dann rekonstruiert. “
Der Beginn eines Films kann ein Rückblick sein, bei dem keine Wörter angezeigt werden müssen. Das Verständnis dieses Rückblicks wird anschließend sowohl durch den Dialog als auch durch das Thema der Sequenzen erfolgen, was dem Zuschauer große Freude bereitet, der den Beginn des Films durch Ausfüllen der Informationen, die er später erhält, mental entschlüsseln kann. Die Verwendung von Rückblenden wird seit vielen Jahrzehnten von der Öffentlichkeit akzeptiert, die instinktiv die für Filme charakteristischen Prozesse des Spielens mit Zeit und Raum versteht. Der Drehbuchautor und Dramatiker Jean-Claude Carrière bemerkt : „Wir interpretieren diese nebeneinander stehenden Bilder, diese Sprache, mühelos. Aber gerade diese einfache Beziehung zu dem wir keine keine Aufmerksamkeit mehr bezahlen, diese automatische, Reflex - Beziehung, die Teil unseres Systems der Wahrnehmung als eine Art zusätzliche Bedeutung ist, hat sich konstituiert [...] eine diskrete , aber wirkliche Revolution“ .
Die Geheimnisse der Schaffung von Filmfiguren sind seit den 1910er Jahren Gegenstand vieler Bücher . Die Technik des Kinos, die Dramaturgie, Beispiele von Szenarien, ein Glossar technischer Begriffe sind 1911 Gegenstand des Buches eines bestimmten Epes Winthrop Sargent, der der erste Autor des Genres ist: Die Technik des "Fotoplay" » , Ein Buch, das eine Antwort auf die Nachfrage nach Studio-Produktionsabteilungen ist, zu einer Zeit, in der die Filmindustrie wirklich beginnt und Menschen nach Menschen suchen, die machbare Synopsen liefern können . Es enthält bereits alles, was im folgenden Jahrhundert zu diesem Thema geschrieben wird. Er rät Drehbuchautoren: „Die meisten Studios benötigen maximal 250 Wörter [20 Zeilen - 1 Seite], und einige geben systematisch lange Synopsen zurück, in denen sie ihre Autoren bitten, sie zu reduzieren. Das 250-Wort - Standard wurde von der Edison Manufacturing Company eingestellt , weil jeder seiner Redakteure eine Kopie aller akzeptierten Projekte“erhält . Denken Sie daran, dass es 1911 kein Fotokopieren gab.
Die heutigen Lehrbücher behaupten nicht, Drehbuchautoren die Schlüssel zum Erfolg zu geben (jeder Autor warnt seine Leser vor den Fallstricken des dramatischen Schreibens), aber sie beziehen sich auf die Regeln der Charaktererstellung als grundlegende Wissensbasis im Theater, das seit der Antike studiert wurde, und die Besonderheiten der Filmsprache. Aristoteles ist aufgefordert, einen Beitrag zu leisten, der sich in seiner Poetik äußerte , um junge Autoren von Tragödien zu beraten, und sie daran erinnerte, dass „die Tragödie eine Nachahmung nicht von Männern, sondern von ihren Handlungen im Leben ist ... solche Eigenschaften von Geburt an, aber es ist ihre Handlungen, die sie glücklich oder unglücklich machen. Somit darf nicht die Zeichen einer Tragödie auf den Charakter anzupassen handeln , an die sie gebunden sind, aber ihr Charakter muss durch ihre Handlungen aufgedeckt werden ... Es kann keine Tragödien, ohne Aktionen“ .
In einem Film bedeutet „eine Figur zu charakterisieren, sowohl eine Figur für ihn zu erfinden als auch seine Persönlichkeit zu inszenieren. "Sagen Sie mir, was Sie tun, und ich sage Ihnen, wer Sie sind", sagt die weit verbreitete Weisheit, die genug bezahlt hat, um zu wissen, dass wir die wahre Natur eines Menschen durch ihre Handlungen kennen. Dieses leicht modifizierte Sprichwort könnte sehr gut definieren, was die Charakterisierung eines Charakters ist: "Zeigen Sie uns, was Ihr Charakter tut, und wir werden wissen, wer er ist" .
John Truby erinnert sich, dass „Archetypen kulturelle Grenzen überschreiten und einen universellen Anwendungsbereich haben… Aber für den Autor ist dies ein Rohstoff, an dem gearbeitet werden muss. Wenn wir das Urbild mit Details nicht weiter , verwandelt es sich in ein Klischee“ .
Seine Liste der Archetypen hat neun Punkte:
Es kann diese Liste überschneidet sich mit den Urbildern der Legende von Isis und Osiris, die ältesten Geschichte der Menschheit ( XXV - ten Jahrhundert - XXIV th Jahrhundert vor Christus), als die Dekodierungs Marie-France Briselance und Jean-Claude Morin in ihrem Buch über den Charakter . Osiris ist zweifellos der König und der Vater. So wie Isis die Königin oder die Mutter ist. Thoth , der Osiris beim Gericht der Toten hilft, ist der Weise, der guten Seelen Glückseligkeit öffnet und die Bösen als Nahrung dem "großen Verschlinger" (dem Dämon) wirft. Der Krieger kann nur Horus sein, der Seth , den Attentäter seines Vaters Osiris, zu einem Duell herausfordert . Der Zauberer ist Anubis , Handwerker des unsterblichen Lebens und der ersten Mumie, der von Osiris. Der Künstler oder der Clown kann den oben genannten Thoth, den Gott des Mondes und die Schriftgelehrten, als einen weisen alten Mann bezeichnen, der die idyllische Welt der Vergangenheit beschreibt und eine apokalyptische Zukunft vorhersagt (für die "Bösen"). Die Geliebte ist eher eine Geliebte, es ist Isis und ihre leidenschaftliche Suche nach den Überresten derjenigen, die sie liebt und wiederbelebt. Der letzte Archetyp, der Rebell, ist offensichtlich Seth, Übertreter und eifersüchtig, brüderlich und räuberisch. Die Eigenschaften dieser Archetypen sind aber auch teilweise für die anderen Archetypen geeignet, wodurch die "Details" hinzugefügt werden, von denen John Truby spricht. Weil Isis nicht nur Königin und Mutter ist und verliebt, sondern auch eine Zauberin, die in der Lage ist, ihren verstorbenen Ehemann wiederzubeleben und "ihn zu reiten, um imprägniert zu werden" . Seth ist der Rebell, aber auch der Krieger, da sein Schutz vor den Göttern, die sich weigern, dass Horus sein Leben nimmt, die Belohnung für den mutigen Kampf ist, den er jede Nacht führt, wenn die Solarbarque nach den Überzeugungen unter der Erde segelt des alten Ägypten, und dass die Schlange Apophis versucht, es zu zerstören, aber von Seth, der ihn unerbittlich belästigt, daran gehindert wird. Wir können die Rolle des Magiers auch Seth zuschreiben, dem es aus Eifersucht gelungen ist, seinen Bruder Osiris durch List und Lüge zu ermorden (er ist daher auch ein Gauner).
Die beiden entgegengesetzten Pole der Dramaturgie im Kino sind der Protagonist und der Antagonist:
Der Protagonist ist nach direkter Übersetzung aus dem Griechischen "derjenige, der an vorderster Front kämpft", mit anderen Worten, der Held, "derjenige, der zu bemerkenswerten Leistungen fähig ist". Der Protagonist wird in seiner Mission von verschiedenen Verbündeten unterstützt. „Sein Ziel ist es, was der Charakter erreichen oder erobern möchte. Sein Einsatz ist der tiefe Grund, manchmal verborgen, der ihn dazu bringt, ein so großes Risiko einzugehen, sogar sein Leben, und der ihn dazu bringt, das Ende des Abenteuers zu erreichen, was auch immer es ihn kostet und was die Entschlossenheit derer zulässt, die mitmachen wollen der Weg “ . "Ein Held ist nur interessant, wenn der Charakter, gegen den er kämpft, interessant ist . "
Der Antagonist ist der Gegner des Protagonisten, ebenfalls umgeben von Verbündeten oder Verrätern des Helden. Seine Welt ist das Gegenteil symmetrisch zu der des Protagonisten. Er zielt auf dasselbe Ziel wie er und bemüht sich, so viele Hindernisse wie möglich vor sich zu stellen, um ihn daran zu hindern, seine Suche voranzutreiben. Sehr oft zielt es sogar darauf ab, seinen Konkurrenten zu unterdrücken. „In struktureller Hinsicht hat dies eine sehr genaue Bedeutung: Der Hauptgegner ist die Person, die am besten in der Lage ist, die große Schwäche des Helden anzugreifen. Und er muss es unerbittlich und ständig angreifen. Der notwendige Gegner zwingt den Helden, seine Schwäche zu überwinden oder ihn zu zerstören. Mit anderen Worten ermöglicht der notwendige Widersacher , die Helden zu entwickeln“ .
Die Konfrontation zwischen Protagonisten und Antagonisten ist nicht die einzige treibende Kraft hinter den Aktionen der Charaktere. Es ist nicht von Angesicht zu Angesicht reduziert, seine Natur ist protisch, subtil.
Yves Lavandier stellt in seiner Analyse der Beziehung zwischen Konflikt und Emotion (des Zuschauers) fest, dass das Unglück anderer ein Faktor von natürlichem Interesse für den Menschen ist. „Ist das Mitgefühl? Oder eher eine gewisse Freude zu sehen, dass man nicht der einzige ist, der leidet und dass es ein schlimmeres Unglück gibt als sein? Wahrscheinlich eine Mischung aus beiden. Dennoch wird der Mensch vom Unglück anderer angezogen . “
In The Sixth Sense (1999 von Manoj Night Shyamalan inszeniert ) wird der Kinderpsychiater Malcolm Crowe zu Beginn des Films von einem seiner ehemaligen Patienten schwer verletzt. Ein paar Monate später, anscheinend erholt von seiner Verletzung, ist er besessen von einer festen Idee: Er hat sich nicht genug für den Patienten interessiert, er hat einen beruflichen Fehler begangen, den er nicht wiederholen darf. Deshalb konzentriert er sich auf die Lösung der psychischen Probleme eines Jungen, Cole Sear, dessen einziger Wunsch es ist, keine Angst mehr zu haben, weil ihm die Opfer gewaltsamer Todesfälle nicht in Albträumen, sondern in der Realität erscheinen. Und sie wissen nicht, dass sie tot sind, sagt er. In diesem Film tritt kein Konflikt auf. Der kranke Mörder ist von Anfang an kein wirklicher Antagonist, er verschwindet sofort. Es tritt kein Konfliktschatten zwischen Cole und dem Arzt auf. Sie geben sich damit zufrieden, über sich selbst zu erzählen, denn der Junge scheint zu verstehen, dass Malcolm auch an einem Übel leidet, von dem er nichts weiß, und er lässt ihn sich anvertrauen. "Das Szenario verbirgt das Wesentliche, das es erst am Ende des Films enthüllen wird. Malcolm wird an seiner Wunde sterben ... Deshalb scheint seine Frau, die er manchmal besucht, ihn zu schmollen und nie zu sprechen . Er denkt , dass sie wütend ist, aber in Wirklichkeit sie ihn nicht sehen“ . Cole, der unter Mitgefühl für Seelen leidet, die wandern, ohne den Frieden des Todes zu finden, löst einen mysteriösen Mord und hilft vor allem dem Kinderpsychiater, sich dauerhaft vom Leben zu lösen, indem er ihm erlaubt, sich von seiner Frau zu verabschieden, was sein brutaler Tod ist hatte ihn beraubt: „Ich weiß, wie du mit deiner Frau sprechen kannst. Sprich mit ihr, während sie schläft, sie wird auf dich hören. Dank des kleinen Jungen löst sich Malcolms wandernder Schatten langsam in der Nacht auf.
In Always , 1989 unter der Regie von Steven Spielberg , tötet sich der Held Pete Sandich, Feuerwehrmann der Luft, während er über einen Waldbrand in zu geringer Höhe fliegt. Von der Welt der Lebenden abgeschnitten, ist er dennoch an die Liebe oder Freundschaft gebunden, die er für seine Verlobte und für einen Pilotenlehrling empfand. Er kommt im Geiste zurück, um sie zu unterstützen und zu beraten. Sein Überleben im Jenseits wird natürlich von allen ignoriert. Pete ist zunächst ein Feuerkrieger und wird der Mentor seines Schützlings. Das völlige Fehlen von Konflikten in der Erzählung und im Antagonisten wird durch den tödlichen Kampf mit dem Feuer kompensiert.
In einigen sehr seltenen Filmen sind der Protagonist und der Antagonist ein und derselbe Charakter. Die Hauptfigur steht nur einem Hindernis gegenüber: sich selbst, und der Sieg, falls es einen gibt, liegt bei seiner eigenen Person. Dies ist der Fall von John Merrick in Elephant Man , der 1980 von David Lynch inszeniert wurde . Der Mann hat Proteus-Syndrom , sein Kopf ist ungeheuerlich entwickelt. Seine Deformität zwingt ihn, sich zu verstecken, aber er muss gut leben, er wird von einem Messegelände der Horrorattraktion ausgestellt. Der Konflikt im Film konzentriert sich auf John Merricks Bemühungen, der normalen Welt zu beweisen, dass seine körperliche Schande ein sensibles Wesen verbirgt, das moralisches Leiden, aber auch Liebe erfahren kann. Sich selbst so zu akzeptieren, wie er ist, ist das Haupthindernis für seinen Weg des Wiederaufbaus.
Yves Lavandier zögert jedoch mit der im Film vorgeschlagenen Charakterisierung. Seiner Meinung nach kann ein Wesen wie John Merrick nur durch seine Krankheit und seine Situation eine irreversible Bitterkeit bekommen. „Die physikalischen präsentierten Monster in The Monstrous Parade oder Elephant Man (...) entsprechen eine romantische-jüdisch-christliche Vision von Ungeheuerlichkeit, was darauf hindeutet , dass der Anomalie erlös ist“ .
Wären die heldenhaften Bemühungen der Athleten der Paralympischen Spiele eine Widerlegung von Yves Lavandiers Standpunkt? Ein behindertes Kind, das von seinen Eltern geliebt und nicht geliebt wird, kann ein fürsorglicher und freundlicher, großzügiger und optimistischer Erwachsener werden. Und im engeren Rahmen der Dramaturgie im Kino ist dieser Übergang von einem Zustand in einen anderen eines Charakters ein positives und starkes Element der Geschichte, da in allen Handbüchern zum Verfassen von Drehbüchern empfohlen wird, "den Helden und den Gegner ähnlich zu machen" bestimmte Aspekte “ , und dass „ der Konflikt zwischen dem Helden und dem Gegner kein Konflikt zwischen Gut und Böse ist, sondern der von zwei Charakteren, die Schwächen und Bedürfnisse haben “ . Der behinderte Protagonist wird dazu gebracht, gegen sein Handicap zu kämpfen, auch auf der Ebene der schädlichen Auswirkungen seines Zustands auf seinen Charakter. Die Tatsache, dass er somit der Protagonist und sein Antagonist ist, ist weder mit der Psychologie noch insbesondere mit den Notwendigkeiten der Dramaturgie unvereinbar.
Aber das Protagonist / Antagonist-Paar innerhalb desselben Charakters führt nicht unbedingt zu seinem Sieg. So fordert Jeanne in dem 1975 von Chantal Akerman , Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Brüssel , inszenierten Film ihre eigene menschliche Person heraus und erliegt dem Nichts, von dem sie überzeugt ist, dass sie gemacht ist. „Jeanne Dielman, die sich so viel aus ökonomischer Notwendigkeit prostituiert , wie ihr Leben zu füllen, nachdem getötet einen ihrer Kunden hat, bleibt unbeweglich, Prostata, zu warten, der weiß , was einen langen Schuss, Dauer : 5 Minuten und 30" . Diese lange Einstellung (die keine Sequenzaufnahme ist ) legt nahe, dass sie ihre Eliminierung durch eine Gesellschaft, deren Bestrafung sie passiv erwartet, im Voraus akzeptiert.
Ein solcher Konflikt innerhalb derselben Figur findet sich, abgesehen von der Anwesenheit eines anderen Antagonisten als ihm, auch in Monster , dem Film, der 2003 von Patty Jenkins geschrieben und inszeniert wurde , wie in De sang. Cold , dem Film, der 1967 von Patty Jenkins gedreht wurde Richard Brooks , basierend auf dem gleichnamigen Roman von Truman Capote .
Ein Charakter, der dem Antagonisten nahe steht, wird zum Hauptziel des Protagonisten, der die Anforderungen dieses Charakters zugeben muss, um das zu bekommen, was er will.
So wird in der westlichen L'Appât , die 1953 von Anthony Mann inszeniert wurde , die Figur von Lina ( Janet Leigh ) erstmals als Komplizin und Liebhaberin des Banditen Ben ( Robert Ryan ) dargestellt, den der Protagonist, der Forscher, gesucht hat. Howard Bounty ( James Stewart ). Zwischen der jungen Frau und Howard wird eine Zuneigung entstehen, die einmal von seiner Frau verraten wurde, die ihr Engagement im Bürgerkrieg ( Bürgerkrieg ) ausgenutzt hatte, um einem anderen Mann zu folgen, indem sie Howard von seiner Farm enteignete, die er in seinen Namen gesetzt hatte. bevor er in den Krieg zog, wo er Gefahr lief, getötet zu werden.
Gegen Ende des Films wird Ben von einem Verbündeten von Howard niedergeschossen, der ebenso interessiert ist wie daran, das (geteilte) Kopfgeld zu erhalten, aber er selbst ertrinkt, während er Bens Körper zurückholt, der von einem Strom weggespült wird. Howard holt Bens Leiche zurück und lädt sie in den Sattel eines Pferdes, um in den abgelegenen Zustand zurückzukehren, der nach dem Banditen sucht, und bietet eine große Prämie an, die der Protagonist einstecken möchte, um eine Farm einzulösen. Lina protestiert und fordert Howard auf, Bens Leiche zu begraben. Und Howard versteht, dass er sich in die junge Frau verliebt hat und dass er ihr diese Rückkehr nicht in Begleitung der Überreste seines Ex-Liebhabers zufügen kann, um eine dauerhafte Beziehung zu ihr aufzubauen. Dann gibt er sein Hauptziel auf, nämlich den Bonus, die junge Frau mitzunehmen. Ohne Geld müssen sie ihr Leben neu aufbauen, aber diesmal miteinander.
In Robin Hood , der 1938 von Michael Curtiz inszeniert wurde , ist Vater Robin De Locksley (der funkelnde Errol Flynn ) ein Opfer seiner Kühnheit. Inhaftiert ist er dazu verurteilt, gehängt zu werden, aber seine Komplizen im Wald von Sherwood werden wissen, wie sie ihn rechtzeitig aus dieser schlechten Situation herausholen können. Dieser Film ist ein Modell der Dramaturgie im Kino, obwohl er eher simpel erscheint. Die Bösen teilen sich die Rollen: Prinz John, eine historische Figur, die von der Legende rezensiert wurde, ist ein Verbrecher, der seinen König Richard I. von England (bekannt als Löwenherz) verraten hat , der einen Kreuzzug unternahm. Mit Finesse des britischen Komikers Claude Rains gespielt , präsentiert er sich als kalter Charakter, der darauf achtet, keinen Schlag zu versetzen. Mord, "verstopfen" (hängen an den niedrigen Ästen der Bäume), ist das Werk des Bösewichts, Sire Charles of Gisbourne, der die dunklen und scharfen Züge des Schauspielers Basil Rathbone trägt . Vater Charles möchte Lady Marian (die süße und leuchtende Olivia de Havilland ), die Nichte des legitimen Königs , heiraten . Robin Hood verliebt sich jedoch in Lady Marian, ein weiterer Grund für Sire Charles, seinen Rivalen zu eliminieren.
Ihre beste Verbündete ist zunächst Lady Marian selbst, denn obwohl sie nicht in Sir Charles verliebt ist, betrachtet sie ihn zumindest als ehrenwerten Bewerber, während sie Robin Hood als gesetzwidriges Gesetz beurteilt, das bekämpft werden muss. Ihre Wende, wenn sie das Verbrechen von Prinz John und seiner verdammten Seele, Sir Charles, versteht, bringt ihr nicht nur Gefangenschaft ein, sondern wird auch vom Anführer der Sherwood Forest Band gerettet, die alle dem König Richard, Lady Marians Onkel, treu ergeben sind.
In Tous en scène , dem Musical unter der Regie von Vincente Minnelli aus dem Jahr 1953, leitet der Choreograf Paul Byrd die Karriere von Gabrielle Gerard ( Cyd Charisse ), einem Star des klassischen Tanzes, dessen Liebhaber er auch ist. Ein Bühnenmusikprojekt, das sich als nichts anderes als eine bombastische und lächerliche Pseudo-Tragödie herausstellen würde, stellt sie Tony Hunter ( Fred Astaire ) vor, einem Tänzer aus der Musikhalle, der zwei Jahrzehnte zuvor die oberste Rechnung besetzt hatte. Sofort tritt eine starke Opposition gegeneinander an: Die junge Frau schiebt den "Stepptänzer" zurück und die alte gutaussehende die "Ballerina". Gabrielle Gerard und ihre Choreografin-Liebhaberin versuchen vergeblich, Tony Hunter zu vertreiben. Die Vorschau ist ein Fehler, das Spiel abgebrochen. Dank des Verkaufs der Meisterbilder, die Tony Hunter gekauft hatte, als ihre Autoren noch unbekannt waren, wird ein neues Stück ins Leben gerufen, diesmal ein echtes Musical. Der Antagonist, der Choreograf, weigert sich, sich diesem Projekt anzuschließen, aber sein Schützling, die „Ballerina“, akzeptiert und trennt sich von ihm. Der alte Tony und die junge Gabrielle schaffen es dann, gemeinsam zu tanzen, und schließlich kommen sie nach dem Erfolg ihrer Show im Leben zusammen.
Im Todestrakt kämpft der Protagonist Roger Thornhill ( Cary Grant ) gegen eine Gruppe von Spionen, angeführt von einem Mann ( James Mason ), dessen Geliebte ( Eva Marie Saint ) für Thornhills Augen ein aktiver Feind und gefährlich erscheint. Zufall, der die Dinge gut macht, und insbesondere die guten Drehbuchautoren, verliebt sich die Heldin in die schöne Spionin und gerät in dieselbe Falle. Roger Thornhill, der die Spionage, der er sich widmen muss, und die Liebe, der er nicht mehr entkommen kann, vermischt, gefährdet die junge Frau, die tatsächlich Mitglied der in die Gruppe infiltrierten Spionageabwehr ist. Thornhill muss seinerseits in die Fußstapfen eines Spions treten und sein Leben riskieren, um die Frau zu retten, die er liebt.
Der Autor eines Stücks muss notwendigerweise einen Protagonisten schaffen, der zum roten Faden der Handlung wird. In einem, drei oder fünf Akten, einem oder mehreren Sätzen sind die Möglichkeiten der zeitlichen und räumlichen Navigation schwach. Während die Aufnahme von Aufnahmen, aus denen Sequenzen bestehen, es dem Filmemacher ermöglicht, sich sowohl zeitlich als auch räumlich zu bewegen, wie in einem Roman, für den er jedoch nicht die Geschwindigkeit der Ausführung hat. In der Tat ist der sofortige Übergang von einer Zeit zur anderen, hin und her und der Ortswechsel innerhalb desselben Satzes ein Geschenk der Allgegenwart, das nur der Schriftsteller dank der Wirksamkeit von Wörtern, Sätzen und Konjugationen besitzt.
Die Filme können somit auf mehrere Charaktere aufgeteilt werden, die nicht die Funktion eines Protagonisten haben, deren persönliche Flugbahn jedoch die Form der Geschichte darstellt. Dies sind die Filme, in denen sich die Charaktere versehentlich kreuzen (aber nach den Wünschen des Drehbuchautors!), Wie beispielsweise Short Cuts unter der Regie von Robert Altman, die in Quebec geschickt als Chassés-croisés bezeichnet werden . Zwei wichtige Elemente verbinden jeden Charakter oder vielmehr jedes Paar von Charakteren mit den anderen: den Ort (ein Bezirk von Los Angeles ) und das Datum (den Tag des Durchgangs der Hubschrauber, die ein Insektizidprodukt sprühen, und den Tag eines Zitterns) gewöhnlicher Erde, in der Region üblich). „Der Zuschauer genießt die besten Stücke aus jedem Teil der Geschichte, die unter dem Gesichtspunkt der Dramaturgie die bedeutendsten. Darüber hinaus sieht er sich investiert mit einem Blick mit Allgegenwart begabt, er beide hier und anderswo, in den verschiedenen Orten , an denen die Aktionen stattfinden, den Blick ein mit einem allwissenden Macht , deren Empfindung aufgeladen ist besonders erfreulich“ . Der Drehbuchautor Frank Barhydt, basierend auf der Arbeit des Schriftstellers Raymond Carver , neun Geschichten und einem Gedicht , verwebt die tragischen oder lustigen Abenteuer jedes Paares, die Charaktere kennen oder kennengelernt haben und sind somit in derselben Dramaturgie verbunden.
Einige Szenarien basieren auf einem untrennbaren Paar von Protagonisten: Siamesen, die keine Zwillinge sind. So bilden die erschreckenden Vollstrecker der niedrigen Werke eines bestimmten Marsellus, Vincent Vega ( John Travolta ) und seines Freundes Jules Winnfield ( Samuel L. Jackson ) in Pulp Fiction , geschrieben und inszeniert 1994 von Quentin Tarantino , ein seltsames Duo von Kriminalprofis. Der erste, ein hübsches Kind mit steifem Frosthaar, ein gelegentlicher Liebhaber aller Arten von Klatschen, und der zweite, ein wahnsinniger Mörder, der sich für biblische Zitate und einen wütenden Moralisten interessiert, verhalten sich "wie ein Mann" angesichts jeder Gefahr.
Der Protagonist ist manchmal ein Objekt, mit dem sich der Betrachter nicht identifizieren kann. Er braucht dann die Unterstützung eines zweiten Protagonisten menschlichen Typs oder zumindest eines Humanoiden.
In Un amour de coccinelle , das 1968 von Robert Stevenson inszeniert wurde , wird Jim Douglas, der Rennfahrer, der keine bemerkenswerten sportlichen Leistungen erbracht hat, von Coccinelle, einem VW, der ihr nicht fehlt, vor seinem Mangel an Talent gerettet. Es sollte gesagt werden, dass es sich um ein etwas magisches Auto handelt, eine Art Fee, die mit Zuneigung auf die kleine Welt derer schaut, die nichts zu gewinnen haben. Vor ihr ein paar junge Leute, deren Liebe sie fördern wird, und ein eher sympathischer Mechaniker. Zum Glück gibt es dieses Trio, denn das Publikum würde in diesem Film nur gute Takelage von Autorennen sehen, wenn es sich nicht mit menschlichen Charakteren identifizieren könnte. Aber der Held ist wirklich das Auto, es ist das Auto, das am schnellsten und vor allem am klügsten ist.
Mit Christine , dem 1983 von John Carpenter inszenierten Film, der auf Stephen King basiert , verwendet das Drehbuch dieselbe Dichotomie zwischen Maschine und Mensch, diesmal jedoch in einer Tragödie, weil Christine eine böse Kreatur ist. Es ist ein Autowrack, „alles verbeult und ramponiert, das sich in den jungen Arnie Cunningham verliebt, der es restauriert hat. Sie wird eifersüchtig und besitzergreifend auf den Punkt zu wollen , ihr Rivalin, ein junges Mädchen zu töten , die zu schön ist und zu menschlich“ . Wieder könnte der Reflex des Zuschauers sein, was wäre, wenn mein eigenes Auto eine Waffe wäre? Wir verstehen, dass dies Stephen Kings Lieblingsbotschaft ist: sein Misstrauen gegenüber der Technologie. Arnies Anwesenheit ermöglicht es dem Betrachter, sich nicht mit ihm zu identifizieren, da der junge Mann sich dafür entscheidet, so gemein wie sein Fahrzeug zu sein, sondern Christines anthropomorphe Eifersucht zu verstehen.
Der Film WALL-E , ein Cartoon von Andrew Stanton , zeigt einige Protagonisten, die nichts anderes als Androiden sind: WALL-E, eine intelligente Maschine, die darauf programmiert ist, die Metalle, die auf einem völlig zerstörten Planeten Erde im Überfluss vorhanden sind, von der Industrie wiederzugewinnen Überproduktion und verlassen von seinen menschlichen Bewohnern, und EVE, ein weiblicher Roboter, wurde auf die Erde geschickt, um mögliche Spuren von Pflanzenleben zurückzubringen, um zu wissen, ob der menschliche Exodus rückgängig gemacht werden könnte. Eine Liebesgeschichte entsteht zwischen den beiden Maschinen, deren Kräfte nicht identisch sind. WALLE-E kann nur mit Hilfe seiner Spuren rollen, EVE fliegt und besitzt Zerstörungswaffen.
Der Betrachter ist amüsiert, sogar bewegt von dieser Geschichte, aber die Autoren fügten ein Ziel hinzu, das für das Publikum verständlicher ist als die keusche Liebe, die die beiden Roboter empfinden. Ein dritter Protagonist nimmt ihren Platz in dieser Mission ein: Captain McCrea, der ein Raumschiff leitet, in dem die Menschheit Zuflucht gesucht hat, weit weg von ihrer Ursprungserde. Der Kapitän hat eine Gabe, die Roboter nicht haben: Er spricht. Dadurch versteht der Betrachter, worum es bei WALL-E und EVE geht.
In Star Wars gibt es zwei Maschinen, die sich stark voneinander unterscheiden: D2-R2 und C-3PO , aber sie sind nicht die Protagonisten der Filme, sondern nur Nebenfiguren, und C-3PO beherrscht alle Sprachen der Welt. Universum, das eine sehr starke Verbindung mit der Öffentlichkeit ist.
Um diesen Punkt zusammenzufassen, eine Reflexion von Yves Lavandier: „Um das zu erreichen Realismus, Dramaturgie sollten nicht zögern , Künstlichkeit zu verwenden“ .
Der Protagonist ist meistens von Verbündeten umgeben, die in der Dramaturgie des Films unterschiedliche Rollen spielen.
Dieser Charakter, der direkt aus der Dramaturgie des Theaters stammt , ist ein enger Freund, dessen Anwesenheit in der Nähe des Helden es ihm ermöglicht, laut zu denken, ohne lächerlich zu wirken. Auf der Charakterebene steht der Vertraute im Dienste des Protagonisten, er bewundert ihn unbegrenzt und er ist seine Folie. „Während es gut ist, allen Charakteren in einer Geschichte ein Ziel zu geben, auch kleinen, manchmal tun es einige nicht. Diese Zeichen haben dann keine andere Verwendung, als einem wichtigeren Zeichen zuzuhören. Sie werden erstellt, um als Befragte zu dienen. Kurz gesagt, verhindern sie den Autor, vor allem im Kino, von ihrem Charakter Monolog mit“ .
Dies ist der Fall von Doktor Watson , „sowohl in den verschiedenen Episoden von Sherlock Holmes , am Ende des schriftlichen XIX - ten Jahrhundert von Sir Arthur Conan Doyle , in den Filmen , die angepasst wurden, den größten Teil des Spaßes aus dem Leser oder der Betrachter entsteht aus diesem unaufhörlichen und widersprüchlichen Dialog zwischen der scharfen und unerwarteten Intuition von Holmes und dem etwas schweren gesunden Menschenverstand von Watson, der in gewisser Weise den Leser oder den Betrachter repräsentiert . “
Dies ist auch der Fall von Oberst Hugh Pickering in My Fair Lady unter der Regie von George Cukor, mit dem Professor Henry Higgins ( Rex Harrison ) die Wette abschließt, Eliza Doolittle ( Audrey Hepburn ), die junge Floristin, in die Sprache eines Fuhrmanns zu verwandeln. in einer jungen Frau der Welt, die wissen wird, wie man die höchste Gesellschaft blufft. Der Oberst (im Ruhestand) ist ein blasser Kumpel, der jedoch, obwohl er trotz seiner Wette das Vertrauen von Higgins gewonnen hat, gut aufgestellt ist, um mit ihm den Fortschritt von Eliza zu sehen und am Ende des Films das Lob des berühmten Linguisten zu singen. Aber sobald Higgins seine Wette gewinnt und es nur darum geht, die sentimentale Geschichte zwischen der alten, gutaussehenden und der jungen Dame zu "schließen", wird der Drehbuchautor Alan Jay Lerner den Oberst los, der jetzt nutzlos ist.
Er ist ein wichtigerer Charakter als der Vertraute, der dafür verantwortlich ist, die intimsten Gedanken des Protagonisten zu sammeln. Seine Aufgabe ist es auch, über ihn zu wachen, das heißt, ihn vor anderen zu schützen, aber auch vor ihm, weil der beste Freund in der Situation an der einen oder anderen Stelle der Geschichte im Allgemeinen klarer ist als sein Freund. In der Serie Dr. House zum Beispiel ist James Wilson ( Robert Sean Leonard ) der beste Freund von Gregory House ( Hugh Laurie ) , der das spöttische und provokative Verhalten seines Freundes und den Ausstecher, den er hat, nicht ohne Bedauern bereut auf jeden einzelnen. „Der Charakter von House ist von Anfang an so aufgebaut, dass er den Betrachter mit seinem ungeselligen Auftreten wütend macht… Im Gegensatz zu House ist Wilson freundlich zu jedem, der ihm in den Weg kommt. Er weigert sich zu urteilen, jeder lebt sein Leben so gut er kann! House kritisiert ihn für sein Verhalten, er sieht es als Zeichen von Schwäche, sogar Feigheit. "Sie sind auf der Erde, um Ihre Meinung zu äußern und sie Ihren Freunden aufzuzwingen". Trotz ihres ständigen gegenseitigen Vorwurf, Uhren Wilson über Haus , als ob er seinen Bruder“war .
Der beste Freund ist oft derjenige, der dem Protagonisten hilft, zu verstehen, was vor sich geht, und ihn daran hindert, ein bestimmtes Hindernis zu überwinden. Es ist die Offenbarung einer Wahrheit, die, bis dahin vom Protagonisten ignoriert, vom besten Freund formuliert werden kann. Er gewinnt so die Sympathie der Öffentlichkeit und sein Zuhören. Der beste Freund ist dann dafür verantwortlich, einen moralischen Standpunkt zum Protagonisten und insbesondere zu seinen Wanderungen zu vertreten, da der interessante Protagonist derjenige ist, der Schwierigkeiten hat, die Komplexität der Probleme zu erfassen, auf die er stößt, und der Autor nicht davon absehen kann, zu sein sich der Fehler seiner Hauptfigur bewusst. „Ein Problem bleibt: Wie kann [der Drehbuchautor] seinen eigenen moralischen Standpunkt dazu ausdrücken, was richtig oder falsch ist, wenn es sich von dem des Helden unterscheidet? Die Standpunkte des Autors und des Helden sind nicht unbedingt gleich. " Wiederum ist James Wilson ein Beispiel für eine moralische Sichtweise, die sich aus den Vorwürfen ergibt, die er seinem Freund gegenüber macht, dem der Betrachter folgt, weil sie das Erstaunen und die Missbilligung des besten Freundes vor dem paradoxen Verhalten und oftmals asozial von House teilt. Aber wie er kann er das Ergebnis nur bewundern, wenn House das Geheimnis eines Krankheitszustands entdeckt, der jeder Diagnose entgeht.
Der Held lässt diejenigen, die er trainiert, Risiken eingehen, und sein zweiter nimmt manchmal die Schläge für ihn. Auf diese Weise werden die Teamkollegen von Harry Calahan , Dirty Harry , einem Polizeibeamten aus San Francisco mit brutalen Methoden, in Inspector Harry systematisch getötet . Dem Protagonisten zu helfen ist eine gefährliche Rolle in den dramatischen Actionfilmen, aber ihre Wutattentat provoziert den Helden als nützlich, wie es in der Ilias , dem Epos von Homer , der Fall war , als der tapfere Achilles seines Geliebten beraubt wird, der von Hector getötet wurde . der Champion der Trojaner, deren Achilles und Griechen die Stadt während des Trojanischen Krieges belagern . Achilles hatte sich im Widerspruch zu seinen Landsleuten in sein Zelt zurückgezogen. Der Tod ihres Geliebten Patroklos gibt ihr den berühmten Zorn von Achilles, der ihn zu einer Tötungsmaschine machen wird. Harry Callahan ist ein Achilles des XX - ten Jahrhunderts.
Durch das übernatürliche Spiel der Zeitverschiebung ist der Charakter von Kyle in Terminator aus zwei Gründen interessant: Er ist gleichzeitig der zukünftige Vorfahr seines Chefs und der rechte Arm dieses einen. Aus dieser Perspektive wird er in die Vergangenheit geschickt, um die zukünftige Mutter des Anführers der menschlichen Rebellion vor Maschinenherrschaft zu schützen. Kyle verhindert, dass sie von einem "Terminator" getötet wird, einem humanoiden Roboter, der die junge Frau daran hindert, sich fortzupflanzen, und ist in gewisser Weise auch sein zweiter, so wie er sein Teamkollege wird, indem er sein Liebhaber wird. „Kyles Glaube ist total, er kennt die Zukunft, er kommt. Er weiß jetzt, dass er John Connors Vater ist oder dass er einer werden muss. Seine Mission ist es, Sarah zu beschützen und ihr ein Kind zu geben ... Er weiß auch, dass er sterben wird, vielleicht um Sarah gegen den Terminator zu verteidigen oder allein unter den Opfern der Atomkatastrophe, da John Connor ihm sagte, dass sein Vater war bereits tot, als er auf die Welt kam “ . Letztere haben oft die Berufung zum Martyrium, und Drehbuchautoren sind diesem Brauch nicht fremd.
In Der Herr der Ringe steht Sam Gamegie bei seiner organisierten Expedition zur Zerstörung des von den Mächten des Bösen ( Sauron ) und des unförmigen Gollum begehrten Meisterrings im Dienst von "Mr. Frodo" ( Frodo Beutlin ) . Aber Gollum, für den Sam Gamegie seine Feindseligkeit nicht verbirgt, weil er die Duplizität des Charakters verstanden hat, gelingt es, das Vertrauen zu ruinieren, das Frodo für seinen Freund und rechten Mann empfand. Der falsche Verbündete Gollum triumphiert somit für einige Zeit und kann Frodo in eine Falle führen, während Sam durch die Ablehnung desjenigen verletzt wird, den er dem Magus Gandalf feierlich zum Schutz versprochen hat . Der Held verrät seinen Teamkollegen und zeigt eine Blindheit, der er entkommen wird, nachdem er sein Leben riskiert hat, Sam wegzuschieben und Gollums Rat zu hören. Sam Gamagie nimmt an einer sogenannten dramatischen Ironie teil , weil er ebenso wie die Zuschauer weiß, dass Gollum ein Verräter ist und dass Frodo, indem er ihm vertraut, großen Gefahren ausgesetzt ist.
In der Odyssee hat Homer, der glaubt, dass der junge Sohn von Ulysses, der auf der Suche nach seinem Vater war, der mehreren Gefahren auf See ausgesetzt war, noch nicht die Reife besitzt, die für eine Reise erforderlich ist, die ihn sehr weit von seinem Ufer entfernt führen kann, an seine Stelle gesetzt Neben einem weisen Charakter, Mentor , einem alten Mann, der eigentlich ein Avatar der Göttin Athene ist , die den jungen Mann beschützen will. Ohne diesen Charakter wäre es unwahrscheinlich gewesen, dass ein sehr junger Mann, der vom Leben nur das des Hofes von Ithaka gewusst hatte , dessen legitimer König Odysseus war, alle auf seinem Weg gesäten Fallen vereiteln konnte. Heute ist Mentor ein gebräuchlicher Name für einen weisen und erfahrenen Berater, einen Mentor.
In Star Wars ist Yoda ein Mentor, und seine Anwesenheit und Lehre sind kein Unbekannter für Jedi Luke Skywalkers ultimativen Erfolg .
Ebenso ist der Magier Gandalf in Der Herr der Ringe ein Mentor, der nach seiner Erfahrung den Protagonisten mehrmals aus schlechten Zeiten zieht und der durch seine Vorahnungen und sein Wissen über die Orte, an denen das Böse regiert, an der Spannung teilnimmt .
Molly Brown ( Kathy Bates ) auf der Titanic ist eine Emporkömmling, die der konventionellen Welt der "ersten Klassen" durch ihr Vermögen aufdrängt, sich aber daran erinnert, was sie vor diesem Beitritt war, und sie berät Jack Dawson ( Leonardo DiCaprio) ) um öffentliche Demütigungen zu vermeiden, indem eine Einladung von wohlhabenden Reisenden an einen Tisch angenommen wird. Wie ein Wohltäter der Fee verwandelt Molly sogar ihren Schützling, indem sie ihn dazu bringt, den Smoking ihres Ex-Mannes anzuziehen. Der Mentor ist in der Tat mit außergewöhnlichen Gaben ausgestattet: Yoda und Gandalf nutzen sie mit Maß aus, außer Gandalf, um die Hobbit-Kinder zu amüsieren.
In dem Film Pinocchio von Disney Studios ist Jiminy Cricket , das kleine Cricket, das die Blaue Fee (sehr kleiner Charakter) beschuldigt, die lebende Puppe durch die Fallstricke des Lebens zu führen, ein Mentor ohne besondere Begabung, ob es sich nun um seine gute Ausbildung handelt (er) ist ein Haushaltskricket) und sein starker moralischer Sinn.
Das Opfer des Helden kann niemals umsonst sein, die Enttäuschung, die Trauer, die Wut der Zuschauer beim Verlassen des Films ist eine Mundpropaganda, die die Einnahmen eines Films verringern kann. Wenn der Drehbuchautor beschließt, den Protagonisten zu töten, muss er den Betrachter mit dramatischen und emotionalen Kompensationen zurückzahlen. Es ist notwendig, dass es dem Helden gelingt, sein Ziel zu erreichen, bevor er stirbt, und sein Tod wird dann als Apotheose des Sieges behandelt, damit die Öffentlichkeit um einen Charakter trauern kann, dem er gefolgt ist, manchmal indem er sich mit ihm identifiziert Leben wie es im Film erzählt wird.
So gelingt es General Maximus ( Russell Crowe ), der in Gladiator als Arena-Kämpfer abgelehnt wurde , den betrügerischen Kaiser zu besiegen, dessen Familie ermordet wurde. Er stirbt jedoch sofort und wird vor dem Kampf feige mit einem Stift getroffen. Sein Sieg, der ihn das Leben gekostet hat, wird von den anderen Gladiatoren und der römischen Armee gefeiert, aber ein Nachwort mit einem schwarzen Gladiator erinnert daran, dass seine ermordete Frau und sein ermordetes Kind ihn in den Elyos-Feldern erwarten , süßer Trost für den Zuschauer, der aber traurig ist belohnt für seine Trauer.
In Saving Private Ryan : „Eine Mutter erfährt, dass drei ihrer Söhne tot sind. Er hat noch einen, der irgendwo in der Normandie ist. Diesen letzten Sohn beschließt das Personal, ihn zu schonen. Andere Männer, zehn, werden auf der Suche nach Private Ryan sterben, was absurd erscheinen mag, aber auch nach dem demokratischen Ideal verstanden wird: Es ist nicht fair für eine Mutter, alle ihre Söhne zu geben, während d 'andere ihre behalten würden' . Kapitän John Miller ( Tom Hanks ) hat die Aufgabe, eine Einheit zu führen, um Ryan zu finden. Wenn er endlich den gesuchten Soldaten vor sich hat, während er selbst tödlich verwundet ist, seine Mission erfüllt ist, wird Privat James Ryan demobilisiert und in der Lage sein, seine arme Mutter zu finden und zu versuchen, sie zu trösten. Die dankbare Erinnerung an seinen Retter "bezahlt" den Betrachter für die Trauer, die er beim Tod des Helden erlebt hat.
Das gleiche Opfer des Protagonisten steht im Mittelpunkt von Filmen wie Titanic , Golden Helmet , Elysium und vielen mehr.