Das Kunstwerk verwendet als Materialien den Körper , die Zeit und den Raum . Die formalen Merkmale sind nach Ansicht von Historikern und Theoretikern der zeitgenössischen Aktionskunst die Präsenz des Künstlers, die Unmittelbarkeit im Hier und Jetzt , der Kontext, in dem die Aktion präsentiert wird, die Entmaterialisierung des Werks und der zum Akteur gewordene Betrachter. Ob orchestriert oder improvisiert, subtil oder direkt, Aktionskunst ist ein lebendiger, manchmal provokanter und unbequemer Aspekt der heutigen Kunst.
Aktionskunst reicht weit in die Geschichte der Menschheit zurück . Von der Aktion notwendig , eine Hand auf einer Felswand zu prägen, durch Initiationsriten , auf den Akt der als verstandene Malerei Arbeit an sich und Kunst - Event , wo der Zuschauer einen Schauspieler wird, bleibt die Aktionskunst ein offenes und widerspenstig Konzept.
Verschiedene Bewegungen Avantgarden des XX - ten Jahrhundert und die zeitgenössische Kunst an der Entwicklung von Aktionskunst wie Futurismus , Dada , Gutai , die Aktionsmalerei , die Situationistische Internationale , der Wiener Aktionismus , Theater unsichtbar , Fluxus , die soziologischen Kunst , die Pop - Art , Mass Moving , Body Art , Performance Art , relationale Ästhetik , Community Art , Social Art und mehr.
Aufgrund ihrer Kurzlebigkeit entzieht sich die Aktionskunst noch weitgehend den Gesetzen des Marktes . Angepasst an die Bedingungen der KünstlerInnen bieten einige Museen innovative Formen des Erwerbs performativer Werke an .
Die Praktiken der Aktionskunst verändern sich ständig. Sie überschreiten traditionelle Codes aus Bereichen wie bildende Kunst , Theater , Tanz und Musik . Die Praktiken der Aktionskunst bestimmen ihre operationellen Kriterien und grenzen ihre Methodiken außerhalb der stilistischen Konventionen der Kunst ab. Interessanterweise fanden die ersten Manifestationen der Aktionskunst in drei verschiedenen Ländern im gleichen Zeitraum von 1956 bis 1959 statt . Dies ist die Veröffentlichung der Manifest Gutai Künstler japanischen Jiro Yoshihara in 1956 , die Umsetzung in Privat ersten Anthropometrien Künstler französisch Yves Klein in 1958 und die ersten zu erreichen Happening 18 Happenings in sechs Teilen des amerikanischen Künstler Allan Kaprow in New York in 1959 . Diese auf dem Performativen basierende Kunstpraxis (einige Theoretiker widerlegen diese Behauptung) fand in verschiedenen Kulturen seit ihren Anfängen Resonanz.
Die Praktiken der Aktionskunst werden an den performativen Kriterien anerkannt, die Künstler sich selbst auferlegen. Sie durchlaufen den Ausdruck des Körpers, sowohl individuell als auch sozial. Sie sind Teil der Gegenwart. Sie erkunden private und öffentliche Räume. Sie beteiligen sich an historischen Bewegungen und innovativen künstlerischen Konzepten. Kritische Analyse ist Teil des Ansatzes von Künstlern und Aktionskunst Theoretikern . Das Konzept entwickelt sich weiter und wird bei Konferenzen und Veranstaltungen zur Aktionskunst in allen Ländern regelmäßig mit unterschiedlichen Praktiken konfrontiert. Ohne Anspruch auf Vollständigkeit ist es nun möglich, die Kategorien der Aktionskunst zu differenzieren, indem man die Komponenten identifiziert, die die Situation, die Haltung und die sensible Erfahrung begründen. Im Laufe der Jahre sind bestimmte Neologismen entstanden, die von Künstlern, Kritikern und Kunsttheoretikern übernommen wurden. Diese Terminologie charakterisiert jede der Aktionskunstpraktiken in ihrer Beziehung zum Künstler, der Interventionsstrategie, dem Präsentationskontext, dem Publikum-Zuschauer-Akteur, dem Grad der Interaktivität der Kommunikation.
Der Begriff Aktionsmalerei wurde von Kunstkritiker geprägt Harold Rosenberg in 1952 . Laut Rosenberg wird die Leinwand für Maler wie Jackson Pollock und Franz Kline zum Schauplatz des Handelns. Die Handlung, die kraftvolle Geste, die Intensität des Pinselstrichs und die Farbgiclées evozieren die instinktive Aufladung, die für die Realisierung der Bildwerke notwendig ist. Auf die auf den Boden gelegte Leinwand träufelt der Maler stehend die Farbe, indem er sich schnell um das Gemälde dreht. So trägt die Leinwand die Spur der Geschwindigkeit der Ausführung und der Gewalt der sie projizierenden Geste. In diesen kuriosen Linien, in denen das Bild verschwindet, entsteht ein Farbkörper, der die des Malers bei der Arbeit ist. Es ist das Ereignis dieses Kampfes, das die Leinwand begrüßt und nicht eine sensible Darstellung, die nur das Ergebnis eines Konflikts mit einem erhabenen Ausgang wäre.
In einem Interview von 1944 sagte Pollock: „Am Boden fühle ich mich wohler. Ich fühle mich dem Bild näher, ich gehöre mehr dazu; denn so kann ich rundherum laufen, von allen vier Seiten arbeiten, buchstäblich im Bild sein. " .
Jede Vorstellung von Anfang oder Ende wird abgeschafft. Die Leinwand von allen Seiten angreifend, um die sich der Künstler wie in einem Tanz dreht, ist das Werk nichts anderes als eine kuriose Milchstraße, ein Geflecht von farbigen und mehr oder weniger dicken Linien, in dem Hintergrund und Form ineinander verschlungen sind.
GutaiGegründet 1954 von Jiro Yoshihara , gutai, gu (Instrument) Taï (Körper) ist eine japanische künstlerische Bewegung , die auf der Wirkung des Körpers und auf der Bedeutung der Materie beruht, die von diesem Körper wirkt. Im Gegensatz zu Action Painting, das nur an Malerei als Material interessiert ist, werden guta gut-Künstler den Begriff des Automatismus viel weiter vorantreiben, sie werden erfinderische Entscheidungen von Material, Unterstützung, Aktion und Präsentationsstil treffen, die noch nie zuvor getroffen wurden. Die Ausdrucksformen zielen darauf ab, die Gesamtheit des Raumes und die Beteiligung der Zuschauer zu investieren und basieren in der Regel auf einer verschärften Körperaktion. Zum Beispiel der Fall von Kazuo Shiraga , der große, mit seinen Füßen bemalte Leinwände herstellt: Er hängt an einem an der Decke befestigten Seil, das es ihm ermöglicht, sein Gleichgewicht zu halten, aber auch, indem er daran hängt, um sein Trampeln des Pigments auf der Unterlage zu modulieren . Das von Saburo Murakami , der plötzlich einen Tunnel aus einundzwanzig Kraftpapierschirmen durchquerte und sie mit seinen Fäusten in einem erschreckenden Lärm durchbohrte.
Laut Ben Vaillier : Es ist in einer Explosion von gestischen Wesentlichkeit „Der wesentliche Beitrag der gutai Gruppe ist nicht in der Ästhetik (Gehalt an Leinwänden , die an den Wänden aufgehängt sind) , was Tapié glauben machen wollte. Diese Leute haben Ideen mit Materie und Aktion. Der eine arbeitet mit Schlamm, der andere mit Rauch, der dritte mit Quellen usw. Sie greifen alle Sinne an, auditiv und visuell mit einer engen Mischung aus Idee, Aktion und Materie. " .
EreignisEreignis oder ein Ereignis ist der Begriff von prägte George Brecht in 1959 die Aktionen zu beschreiben , er im Laufe vorgestellt John Cages Klassen an der New School for Social Research . Die Veranstaltung zeichnet sich durch ihre unpersönliche Dimension und ihren intimen Charakter aus. Bezieht es den Zuschauer kaum in seine Umsetzung ein, so wird das Ereignis offen als von jedem Performer realisierbar postuliert und bezieht den Handelnden vollständig mit ein. Das Ereignis erhält seine Bedeutung zum Zeitpunkt seiner Aufführung, die sich einfach aus den Anweisungen der Partitur und der Banalität des für seine Interpretation notwendigen Zubehörs ergibt.
Diese Aktionen sind von Natur aus tief konzeptualisiert. Brechts Methode besteht darin, einfache Anweisungen in kleine Kästchen zu schreiben, die von jedermann ausgeführt und in verschiedenen Kontexten vor einem Publikum präsentiert werden können. Der Darsteller kann es auf seine Weise interpretieren. Diese Betriebsart führte zur Schaffung von Re-Performances, die es ermöglichen, die von den Fluxus-Künstlern von 1960 bis 1970 geschaffenen Ereignisse zu aktualisieren . Der Künstler Ben Vautier (Benjamin Vautier) erklärt sehr gut die Bedeutung von George Brecht in der Entwicklung der Fluxus-Aktionen und die Motivationen der verschiedenen Autoren von Ereignissen. Es geht um die Einfügung banaler Verhaltensweisen des gelebten Lebens in einen künstlerischen Kontext, die Autorität und das Ego des Künstlers, die die Handlung als Kunst oder Nicht-Kunst bejahen.
KörperkunstDie künstlerischen Aktionen, die im Rahmen der Body Art und des Wiener Aktionismus durchgeführt werden, fallen in die Kategorie der Performance, in der sich der Körper, gegenwärtiges und reales Kunstmaterial, brutal und ohne Kunstgriffe ausdrückt. Body-Art-Künstler beanspruchen einen Bruch mit der Ästhetik, gleichzeitig vereint sich die Kunst mit dem Leben. Die Idee, dass der Körper ein durch soziale Konditionierung geformtes Produkt ist, ist in der Körperkunst allgegenwärtig. In solchen Praktiken präsentiert sich der Körper als Behälter soziologischer Mechanismen, also genau als Träger dieser Gewohnheiten , die Pierre Bourdieu dann wie folgt definiert:
"Kultur wird Natur, d.h. einverleibt, Klasse zum Körper gemacht, Geschmack trägt zur Bildung einer Klasse bei: Prinzip der inkorporierten Klassifizierung, das alle Formen der Verkörperung beherrscht, er wählt und modifiziert alles, was der Körper aufnimmt. , verdaut, assimiliert, physiologisch und psychologisch. "
PerformanceDie Performances drücken einen Prozess der Entmaterialisierung des Objekts zugunsten der Handlung aus. Technisch ist die Performance auf den Einzelnen/Künstler fokussiert. Sein Körper , seine Klänge, seine Gesten werden zu Materialien (theoretisch, wirtschaftlich, politisch, kommunikativ) einer Kunst, die potenziell mit dem Publikum interagiert. An diesen Phänomenen, die sich in allen Kulturformen, nämlich der postmodernen Unmittelbarkeit und der Ich-Kultur, verallgemeinern, partizipiert die Performance in vorbildlicher Weise .
Es gibt so viele Arten von Aufführungen, wie es Künstler gibt. Die kulturellen Merkmale einer ethnischen Gruppe oder einer geografischen Raumzeit sind Kriterien, nach denen die Darbietung organisiert wird. Dieselbe Leistung wird von einer geografischen Region zur anderen unterschiedlich wahrgenommen. Meistens ist die Aufführung nach dem Kontext ihrer Präsentation strukturiert. Es gibt Aufführungen, bei denen der Körper vollständig präsent ist, andere, bei denen das Objekt , die Medien oder die technische Ausrüstung den Hauptteil der Aktivität ausmachen; zu anderen Zeiten geht die Untersuchung von theoretischen Fragen aus, während in bestimmten Fällen Interaktivität zwischen Performer und Publikum besteht.
Laut Alain-Martin Richard: „Bei der Aufführung hat man ein Publikum, das an Orte geht, an denen die Aufführung stattfindet, sei es in einem gemieteten Kino oder anderswo, aber es ist ein anerkannter Ort. Es gibt also ein ganzes künstlerisches Schema, das sich letztendlich in der Performance wiederfindet. " .
Die Aufführungen werden in künstlerisch qualifizierten institutionellen Umgebungen präsentiert: Kunstgalerien, Museen und Aktionskunstveranstaltungen.
Unsichtbares TheaterDas unsichtbare Theater wurde in Lateinamerika erfunden , zu einer Zeit, als es zu gefährlich wurde, offen zu werben. Es war Augusto Boal , der Gründer der unterdrückten Theaterbewegung , der diese Form des Theaters in der ganzen Welt verbreitete . Er möchte durch die Aktionen dieses Theaters eine ästhetische Revolution als Reaktion auf das vorherrschende, aus Europa importierte Modell einleiten . Das unsichtbare Theater hat den großen Vorteil, arm zu sein. Keine technische Ausrüstung, kein Kostüm, noch weniger Make-up. Er ist per Definition allergisch gegen Werbung und Marketing . Es paßt in keine der für das betreute Theater spezifischen Restriktionen bezüglich Sprache, Form und Schauspiel, die Schauspieler werden nicht bezahlt und erheben keine Eintrittsgelder. Alle Akteure entziehen sich damit dem Dienst der Vergnügungssteuer, der Finanzbehörden, der Subventionsverteilenden Ministerien und der Regulierungsbehörden der gewinnbringenden Kunst. Kurz gesagt, er ist schwer fassbar.
Im unsichtbaren Theater ist nicht nur das Publikum ein Teilnehmer, sondern es ist es selbst, das das Stück schreibt, es ist, ohne zu wissen, dass es sich um eine theatralische Aktion handelt. Ihm wird nur die Ausgangsskizze auferlegt. Es ist eine Form des Straßentheaters , des direkten Theaters, das versucht, die Bürger um ein unterdrückendes soziales Verhalten zu vereinen.
„Komm und sieh dir die Show an, die gleich beginnt; Zuhause, mit Freunden, spielen Sie Ihre eigenen Stücke und sehen Sie, was Sie noch nie sehen konnten: das Offensichtliche. Das Theater ist nicht nur ein Event, es ist ein Lebensgefühl! Wir alle sind Akteure: Bürger zu sein bedeutet nicht, in der Gesellschaft zu leben, sondern sie zu verändern. “ (Erklärung von Augusto Boal an die UNESCO , 27. März 2009 ).
MassenbewegungMass Moving ist eine künstlerische Bewegung, die in Belgien und den Niederlanden geboren wurde . Es ist ein Kollektiv von Künstlern und Ingenieuren, deren Ziele es sind, Kunst aus den Museen zu holen, indem sie die Stadt investieren, das Land zu fördern, etablierte Konventionen aufzubrechen, indem sie Strategien spielerischer und partizipativer Kunst anwenden. Ihr Handeln im öffentlichen Raum zeichnet sich durch ihr ökologisches und politisches Engagement aus . Ohne feste Orte, Nomaden, bereist das Kollektiv Mass Moving die Welt und stellt sich transgressive und fantasievolle Aktionen zu sozialen Themen vor. Da die Société du Spektakel und der Kunstmarkt ihre Erholung spürten , beschlossen ihre Mitglieder am 5. Januar 1976 , alle Aktivitäten einzustellen und alle ihre Archive in einem dunklen Feuer zu vernichten . Mass Moving appelliert an den sozialen Körper und an die Anonymität in seinem Handeln. Kooperationen zwischen Künstlern und die Beteiligung der Öffentlichkeit öffnen einen Weg von den Künstlern des späten gefolgt werden XX - ten Jahrhunderts in relationalen Ästhetik in Gemeinschaft Kunst und soziale Kunst.
Eine der jüngsten Aktionen von Mass Moving ist beredt über die Aneignung von physischen und kulturellen Territorien. Dies ist Sound Stream , eine Kette von äolischen Orgeln, die sich von Kamerun bis Norwegen erstreckt. Der Kunsthistoriker Sébastien Biset beschreibt es wie folgt: „Dieses Projekt bezieht in die Aktion den Begriff des Ortes ein, ohne sich allein auf seine räumliche Konzeption zu beschränken. Dieser solide, universelle und vereinende Fluss markiert nicht nur eine Reihe von Orten, sondern investiert und rekonfiguriert sie, indem er mit ihnen andere Beziehungen schafft: Am Rande einer skulpturalen und landschaftlichen Aktion feiert der Vorschlag von Mass Moving Harmonie und Universalität, die eine Art kommunikative Ästhetik ”
ManöverDas Manöver , ein Konzept, das mit dem Kollektiv Inter/Le Lieu initiiert wurde und von Alain-Martin Richard 1990 in Quebec ( Kanada ) theoretisiert wurde, ähnelt der Mass Moving Bewegung durch seinen direkten Eingriff in das bürgerliche Leben. Neben der Investition in den realen öffentlichen Raum konstruiert der Arbeiter dank des Internets sowohl reale als auch virtuelle Situationen. Das Textprojekt Atopie des Kollektivs Les Causes perdus , zu dem auch Alain-Martin Richard und Martin Mainguy gehören, ist ein überzeugendes Beispiel. Hier ist die Beschreibung: „Textual Atopia is a lost Cause ist ein künstlerisches Manöver, das gleichzeitig auf dem Planeten Erde und auf dem Planeten WEB stattfindet. Dieses Projekt wurde am 21. Dezember 2000 in Quebec City gestartet. Die Teilnehmer sind eingeladen, Metallobjekte aus einer perforierten Skulptur um die Erde zu zirkulieren und von Hand zu Hand weiterzugeben. Es gibt 476 kreisförmige, abgeflachte Skulpturen, die als Puck bezeichnet werden. Die Teilnehmer registrieren sich auf der Seite und reichen eine digitale Produktion (Ton, Bild, Text oder Video) ein und markieren damit ihre Präsenz im Projekt. Die Anhäufung dieser Dokumente bildet eine Datenbank, die sie in einer ständig erneuerten Zufallsform in die Tat umsetzt. Einer der Aspekte des Projekts zielt darauf ab, all diese Einzelproduktionen zu einem kollektiven Werk in Bewegung zu machen, das auf der WEB-Site und auch in der Realität sichtbar ist ... physisch ... Material ... Wenn Sie durch die Mäander dieser Site navigieren, können Sie wird auf die Skulptur stoßen, den dekonstruierten Text, der rekonstruiert werden soll, die unzähligen Ton-, Bild- und Textproduktionen, die die Geschichte und die Erinnerung jedes Pucks und von Atopia als Ganzes ausmachen, den Zustand der Atopie in permanenter Modulation. "
Laut der Analyse von Wirtschaftsmodellen, die mit dem Profil von Künstlern aus allen Horizonten der Kunstwelt verbunden sind, unter der Leitung von Dominique Dagot-Duvauroux und einem Kollektiv von Forschern, wären Künstler der Aktionskunst dem 360°-Künstlertyp zuzuordnen. Laut dieser Recherche leben diese Künstler dank Ausschreibungen und Aufträgen, ohne dass ihre Werke notwendigerweise materialisiert oder dauerhaft sind. Dies sind Performances, ephemere künstlerische Interventionen, Installationen oder immersive Multimediadienste . Die Förderung ihrer Werke erfordert positive Reaktionen auf Ausschreibungen. Diese Künstler sind auch als Kuratoren von künstlerischen Veranstaltungen und Ausstellungen, in der Unternehmensberatung und in der Verwaltung von Kunst- und Kulturzentren tätig. Es gibt viele Orte, an denen ihre Aktivitäten verbreitet werden, weil ihre Arbeit nicht unbedingt zu einer materiellen Arbeit führt. Sie müssen ein weitreichendes Netzwerk aufbauen, um ihre Arbeit zu verbreiten und / oder eine starke territoriale Basis entwickeln, die es ihnen ermöglicht, mit der Gemeinschaft zu interagieren. Der Aktionskünstler verfügt oft über eine hochgradig institutionalisierte Ausbildung, die ihm Zugang zur Lehre an Universitäten und Kunsthochschulen verschafft.
Im Westen haben die jüngsten Entwicklungen in der Kunstwelt in den letzten vierzig Jahren zu dieser Beobachtung der organisatorischen Überwindung geführt, in der die Rolle des Staates und die Rolle der Kaufleute verschmolzen sind. Wir müssen von Standardisierung und Verallgemeinerung der besagten Institutionalisierungsform sprechen.
Neue Ansätze werden in Bezug auf den Aktionskunstmarkt erprobt, der Teil der globalen Ökonomie zeitgenössischer Kunst ist. Als Beweis eine museale Praxis, die dem Uneingeweihten fremd erscheinen mag: die Bezahlung von Künstlern für die Vorbereitung einer Ausstellung. Auch einige Künstler können in Form von Honoraren, Tantiemen oder Honoraren entlohnt werden. Andere erhalten ein Ausstellungsrecht von Werken durch Museen, genau nach dem Vorbild des Repräsentationsrechts in den darstellenden Künsten , wo das Werk nicht verkauft, sondern nur präsentiert werden kann. Kurz gesagt, die Aktionskunst befindet sich in einem ständigen Wandel und ihre Wirtschaft ist immer auf der Suche nach Innovation.