Das Altarbild (von lateinisch retro tabula altaris : hinter dem Altar ) ist eine vertikale Konstruktion, die hinter dem Altartisch eines religiösen Gebäudes (Kirche, Kapelle) skulpturale Dekorationen trägt, manchmal bemalt . Die Etymologie des Französisch Wort ist das gleiche wie das des spanischen Wort retablo , während die italienischen Begriffe sind pala d'altare und Dossale , mehr generisch.
Geschmückt mit historisierten oder figürlichen Darstellungen kann das Altarbild aus verschiedenen Materialien (Metall, Elfenbein, Holz, Emaille, Stein) bestehen und seine Verzierungen sind oft vergoldet. Es hat gegenüber dem Antependium des Altars den Vorteil , weithin sichtbar zu sein. Es ist üblich, dass ein Altarbild aus mehreren Abschnitten besteht, zwei für ein Diptychon , drei für ein Triptychon oder noch mehr für ein Polyptychon .
Der Retabel ist ein Bildhauer oder Architekt, der Altarbilder herstellt. Es vereint die Fähigkeiten vieler Handwerker-Künstler (Bildhauer, Maler, Vergolder, Polychromierer, Huchier ), um sie zu erreichen.
Der Altartisch ist das Symbol Christi , und in der frühchristlichen Liturgie war es verboten, etwas darauf zu legen. Dann gegen Ende der IX - ten Jahrhundert , er zum ersten Mal in Frankreich scheint, gewohnt ist , viele Seitenaltare zu haben und die Reliquien der Heiligen zu stellen, bald von anderen gefolgt liturgischen Gegenständen . Diese Praxis wird durch die Admonitio synodalis bestätigt , ein päpstlicher Text, der empfiehlt, nur die Urnen der Heiligen ( capsae ), das Evangeliar und die Pyxis auf dem Altar zu behalten . Ursprünglich war das Altarbild also ein einfacher Sims an der Rückseite des Altars, auf dem diese Gegenstände platziert wurden.
Das über dem Altar angeordnete Altarbild ist wie die Konzentration der gesamten figurativen Einheit, die die Kirche schmückt: das Mysterium der Messe und die verehrte und erwartete Erhebung der Hostie werden vor seiner Oberfläche dargestellt aller Augen; seine Pracht und seine oft beeindruckende Größe bilden die bildliche Stütze der Zeremonie, bei der die dargestellten Heiligen anwesend sind, aufmerksame und wohlwollende Zeugen der Inbrunst der Gläubigen.
Am Ende des XI - ten Jahrhunderts wird die Altarbild einen Bildschirm geschnitzt Stein oder Holz, die erhöhte Wand und stockwerkartig nicht mehr nur hinter den Seitenaltäre platziert. Mit der gregorianischen Reform und der neuen Praxis des Eucharistie-Mysteriums wird der Hochaltar tatsächlich im hinteren Teil der Apsis platziert und der berühmte Priester mit dem Rücken zu den Gläubigen ihm gegenübergestellt. Nach und nach verwandeln sich die dahinter platzierten Wände, die die liturgischen Feste darstellen, in große mobile Altarbilder (aufgestellt bei bestimmten Zeremonien) oder feststehend (für Altäre, die an eine Wand gelehnt sind). Aus der XIV - ten Jahrhundert , die Entwicklung der Malerei auf Holz bietet verschiedene Layout - Optionen, Triptychen oder Polyptychen , mit oder ohne Predella und eine Krönung . Diese Altartische dienen vor allem zu Ehren der Jungfrau Maria , aber auch der beiden Hauptorden Franziskaner und Dominikaner . Einer der ersten Altar , die diese klassische Struktur umfasst (Krönung, Predella und Haupttabelle) ist die Maestà von gemalt Duccio für den Dom von Siena in den frühen XIV - ten Jahrhunderts.
Die Rückseiten der Fensterläden werden dann häufig in Grisaille bemalt , einer Farbe, die an die liturgischen Bußzeiten erinnert, in denen die Altarbilder geschlossen bleiben. Nur zu bestimmten Zeiten des liturgischen Jahres - den Zyklen der großen religiösen Feste und den Festtagen des Kirchenpatrons oder der einer Gilde oder Korporation, die einen Altar hat - bleiben die Altarbilder geöffnet. der Glanz von Gold und die Polychromie unterstreichen die Bedeutung des Gedenkens oder des liturgischen Festes.
Einfache und bis zum frühen XV - ten Jahrhundert , nehmen der Altar allmählich erhebliche Dimensionen und sind in der Regel festgelegt. Das goldene Zeitalter des Altars ist die Gegenreformation : die Hütte konsekrierten Hostien enthält am Ende des in der Mitte des Altars ist XVI th Jahrhunderts und das Altarbild Barock , die das Gewölbe ‚Altar verdrängt up bereitstellen können. Das Altarbild, das das Allerheiligste Sakrament und den Tabernakel hervorhebt, zeugt dann von der theatralischen Anbetung und der Vorliebe für Prunk, die üppige Dekoration. Nimmt die Typologie Ort zu der Zeit, bis die gehalten wurde XIX th Jahrhundert : proper architektonische Retabel, Retabel, Vertäfelungen, Altar-Tabernakel.
Im XVIII - ten und XIX - ten Jahrhundert, verschwinden viele Retabel aus Mangel an Nahrung, einige ihrer Elemente wiederverwendet werden. Die Altarbilder bilden heute oft heterogene Sets, eine Folge ihrer bewegten Geschichte: Nicht selten werden sie verschoben oder die Originalstatuen sind verschwunden und werden durch andere ersetzt.
Der einfache Altaraufsatz besteht aus drei Hauptteilen: der Kiste oder der Hütte, die die Form des Ganzen bestimmt, den bemalten Fensterläden, die sich ihm anpassen, und der bemalten oder geformten Predella , die manchmal mit bemalten Fensterläden versehen ist, auf denen sie ruht. Die Holzpfeiler, die die Tafeln umgeben oder trennen, werden Pilaster genannt, diejenigen, die das Altarbild umschließen, sind Strebepfeiler. Das Altarbild ist in horizontale Fächer (die Register) und vertikal (die Spannweiten) gegliedert. Die meisten Altarbilder sind Teil einer Trendunterteilung der Krippe, meist dreiteilig ( Triptychon ). Der architektonische Rahmen wird oft mit Säulen oder Schriftrollen und einem Gebälk an die Antike (Gebälk rechts oder geschwungen, manchmal mit Rücksprüngen, Zeilenumbrüchen, Sprüngen versehen). Das architektonische Altarbild hat einen oder mehrere Körper (in der Regel mit einem einzigen oder dreiteiligen Mittelkörper).
Das Altarbild ist oft von Nischen durchbrochen, in denen Büsten oder Heiligenstatuen untergebracht sind. Die wichtigste ist die Ausstellungsnische im zentralen Tabernakel. Das Altarbild kann mit einem superciel geschmückt wird, eine corbel , die die Malerei und die Skulptur von Staub und möglichen fallenden Schutt schützt. Die Tafeln und Säulen sind oft mit Girlanden oder Laub oder Früchten, Arabesken, Voluten, Laub, Engeln thuriferous geschmückt . Sein oberer Teil wird normalerweise von einem Gebälk und einer Krone überragt, die mit dekorativen Elementen ( Giebel , Konsole, Türmchen, Laterne , Glockenturm, Giebel, Zinne, Pyramidion , Feuertopf , Herrlichkeit ) geschmückt sind .
Seit XIV th Jahrhundert , das Innere des Trogs und die entsprechenden Fläche der Klappen ist in vertikale Abteile unterteilt geformte Reliefs aufweisen , die durch fein geschnitzt architektonischen Entwürfe gekrönt ist. Die Rückseite der Fensterläden oder Türen ist mit lackierten Paneelen versehen. Da die Handhabung der Fensterläden zu schwer war, wurden ihre Innenskulpturen immer häufiger durch Gemälde ersetzt.
Die Kommandoaltäre aus der Spätgotik haben ein Doppeltürenpaar; das Innere der ersten wird von plastischen Reliefs eingenommen, während das Äußere mit dem Inneren der zweiten Türen ein bemaltes Polyptychon bildet, das auch geschlossen werden kann.
Das Gehäuse eines Altarbildes hat immer eine rechteckige Form. Seit dem Ende des XIII - ten Jahrhunderts wird die Mittelspanne angehoben. Der stromlinienförmige Rahmen des Stalls entwickelt sich jedoch zur Strebe. Die Kontur der geschlossenen Fensterläden entspricht weitgehend der des vorderen Korpus.
Der Korpus kann mit Schutzelementen ausgestattet werden: Türen, die manchmal mit schließenden Fensterläden verwechselt werden, Vorhangfassaden , Staubschutz (Formteile mit stärkerem Vorsprung).
Die Fensterläden sind die Seitenwände des Polyptychons, die mit der Mittelplatte oder den anderen Fensterläden verbunden sind. Diese Fensterläden können feststehend (nicht schließende Fensterläden) oder mobil (schließende Fensterläden gelenkig durch Scharniere) sein. Im letzteren Fall sind sie notwendigerweise halb so breit wie der Stall, um darauf zu schließen. Die Fensterläden verschließen das Altarbild nach liturgischem Kalender und bieten ihre Rückseite zum Betrachten.
Wenn die Fensterläden der Altaraufsätze verschwinden, wird im 16. Jahrhundert das Wort pala , weiblich, verwendet, um den Tisch in einer einzigen Tafel zu bezeichnen, die mehrere Kompositionen einschließlich eines Durs haben kann oder nicht.
Die Predella ist der untere Teil des horizontal entwickelten Altarbildes, das als Träger für die Haupttafeln dient. Dieser Fries, der eine Art Zwischenetage auf dem Altartisch darstellt, ist bemalt oder gemeißelt. Es kann aus einer einzigen Tafel in der Länge oder aus mehreren Tafeln (meistens drei) bestehen, die der Aufteilung der Komposition oder der ikonographischen Geschichte entsprechen, die biblische Episoden in narrativer oder allegorischer Form illustriert. Die Predella wurde manchmal als Basis für das Altarbild verwendet, wodurch die Fensterläden geschlossen werden konnten, ohne die auf dem Altar platzierten Gegenstände zu entfernen. Diese Ebene isoliert auch die oberen Haupttafeln vor den Gefahren, die von den Kerzenflammen auf dem Altartisch ausgehen.
Altarbild in Form eines Triptychons. Der Korpus ist mit einem gemalten Bild geschmückt, die mit Laub umrandeten Seitenläden beherbergen Heiligenstatuen in Nischen mit Muscheln.
Altaraufsatz mit dem Mittelkorpus mit geschnitztem Dekor und zwei Fensterläden mit gemaltem Dekor. Der Stall ist durch kleine Säulen mit Zinnen in drei Felder unterteilt , die durch durchbrochene Rollgiebel verbunden sind
Architektonisches Altarbild aus zwei seitlichen zweigeschossigen Körpern und einem zentralen Holzkörper aus dem Tabernakel, von Volutenflossen flankierten Fensterläden und mit einem Ausstellungsbaldachin bekrönt . Jumilhac der Große (24), Kirche Saint Pierre ès links
Im XV - ten Jahrhundert die Ausführung eines Altars war ein Unternehmen , das verschiedene Leute eingestellt. In erster Linie der Huchier , der die Schachtel herstellt, und der Schreiner , der die dekorativen Tischlerarbeiten ausführt; dann das Bild Hersteller schneidet die Reliefs von einem Modell von einem Maler geliefert; der Polychromierer und der Vergolder folgen, die alles auffüllen; sie werden mehr bezahlt als der Bildhauer oder der Maler, weil sie mit dem teuren Blattgold arbeiten; schließlich liefert der Maler die bemalten Platten der Fensterläden.
Zu Beginn des XVII - ten Jahrhunderts , ist ein neues Element des Kirchenraumes geboren: der Kalkstein und Marmor Altarbild das wird Ruhm Laval Architekten in ganz West Frankreich .
Nach Abteilungen geordnet.
Ille-et-Vilaine bewahrt viele Altarbilder aus der Laval-Schule , die sich hauptsächlich im Bereich der Leinwand, der die Glaskörperregion und den Süden des Fougerais-Landes bedeckt, befinden. Andere Stile von Altaraufsätzen sind ebenfalls vorhanden ( Louis XIII , Louis XV , Louis XVI , Barock ).
( XVIII - ten Jahrhundert)
eine Schule Altarbild angevinischen nahm die Relais der Schule Retabeln Laval am Ende des XVII - ten Jahrhundert. Der Generalrat hat 2005 eine Bestandsaufnahme veröffentlicht. Folgende werden zitiert:
Vier Retabeln Renaissance ( XV - ten Jahrhundert) aufgeführt ist , in Mayenne , die ältesten bemalten Kalkstein (1401) , die eine Kreuzigungsszene in der Kirche Unserer Lieben Frau von Saulges , eine weiteren Kreuzigung gemalt Monolithen der Kirche von Saint-Berthevin - the-Tannière und zwei Retabeln Baldachin, an der in Kalkstein geschnitzt St. Sixtus Kirche von La Chapelle-RAINSOUIN einer Präsentation aus Holz bemalt das Schlossmuseum von Mayenne Grenze XV - ten Jahrhundert früher XVI th Jahrhundert.
Die Mayenne hat intensive Produktion Retabeln gesehen Barock in dem XVII ten Jahrhundert , zur Zeit der Laval Schule . Viele dieser Altarbilder sind noch in den Kirchen des Departements zu sehen, aber die Arbeit der Lavaler Handwerker ist auch in benachbarten Regionen, insbesondere in der Bretagne, zu sehen . Die Laval Schule brach in den späten XVII - ten Jahrhundert , weicht angevinischen Künstler. Es genossen dennoch eine kurze Wiederbelebung in der Mitte des XIX - ten Jahrhunderts ; 219 Sets sind in der Palissy-Basis enthalten.
Die wichtigsten sind:
Während der zweiten Hälfte des XV - ten Jahrhundert, bewegt sich das Altarbild in Richtung einer Form der Dekoration Altar zunehmend angefordert und in Betrieb genommen, die Zusammenarbeit zwischen den verschiedenen Produktionszentrum Meister fördert. Die Schwierigkeit, ein Altarbild einem bestimmten Autor zuzuordnen, erklärt die Gruppierung der Werke nach stilistischen Kriterien ( Malinois , Brüssel, Antwerpener Werkstätten ). Der Hennegau wird steinerne Altarbilder entwickeln, wie sie in Nivelles, Mons.
Die Stadt Antwerpen wird aufgrund ihrer Exportmöglichkeiten nahezu standardisierte Altarbilder entwickeln. In Mechelen lassen sie sich vom Thema der Jungfrau Maria inspirieren.
Brüssel wird diese Einzigartigkeit einzigartiger und besonderer Altarbilder haben, wie das Saluce-Altarbild, das im Haus des Königs zu sehen ist und die Kompetenz der Brabanter Bildhauerei zeigt. Brabanter Altaraufsätze, ob aus Antwerpen, Malinois oder Brüssel, sind in zahlreichen Kirchen im Königreich Belgien zu finden ( eine bemerkenswerte in Ham-sur-Heure ).
Flämisch - Brabant Retabel ( XVI th Jahrhundert).
Detail des flämisch-brabantischen Altars, mit Elementen aus 1/2 rundem Buckel und rundem Buckel, verziert mit Blumen und Früchten aus Stoffen und Fäden.
Flämisches Altarbild aus dem frühen XVI th Jahrhundert ( Saint-Germain l'Auxerrois in Paris ).
Das Altarbild kennt eine außergewöhnliche Entwicklung in Italien in XIV - ten Jahrhundert und die XV - ten Jahrhundert. Außer dem Hauptaltar der Kirche kann jede Kapelle ihr Altarbild erhalten und jede Kirche kann so fromme Werke ansammeln. Dieser Geschmack wird durch die Vorliebe für "Pseudo-Altarbilder" bestätigt, die in Trompe-l'oeil-Fresken gemalt sind, wie zum Beispiel Benozzo Gozzoli in der Kapelle Saint-Jérôme in der Kirche Saint-François de Montefalco oder die berühmte Dreifaltigkeit von Masaccio in Santa Maria Novella in Florenz.
Der Maler oder der Auftraggeber vervielfacht die Anzahl der Tafeln und erhöht so die Größe der Arbeit: Das Polyptychon kann ein einfaches Triptychon sein, aber auch fünf Tafeln auf einer oder zwei Ebenen haben. Die Pfosten des Rahmens sind ebenfalls mit Bildern bedeckt. In Santa Maria della Pieve d' Arezzo , Pietro Lorenzetti gemacht im Jahr 1320 eine Reihe von dreiundzwanzig Platten auf Goldgrund, und das ist nicht außergewöhnlich. La Maestà von Duccio hat 37 Paneele auf der Vorderseite und 52 auf der Rückseite. Die Vermehrung der Tafeln wird in den kleinen erzählenden Polyptychen durch die Hingabe der Gläubigen erregt, die Heilige anhäufen, die der Fürbitte oder der besonderen Verherrlichung würdig sind.
Im XV - ten Jahrhundert polyptych wird pala , dass è heißt, in einer großen Tafel. Die italienischen Maler bemühten sich dann besonders darum, die Figuren, die auf den Tafeln des Polyptychons nebeneinandergestellt waren, im gleichen „Raum“ zusammenzubringen. Sie suchen nach einer besseren Definition der Beziehung zwischen der gemalten Figur und dem Ort, den sie einnehmen soll. Im Polyptychon nimmt die Figur traditionell den Raum ihrer Tafel so vollständig wie möglich ein; gold bestimmt im hintergrund eine immaterielle grenze und der skulpturale rahmen posiert, gegenüber der profanen räumlichkeit des betrachters, eine analoge grenze. Der XIV - ten und der XV - ten Jahrhundert ist genauer zu definieren , wie die Figur den Raum einnimmt, der zunehmend als „Rahmen“ eines offenen Fensters entworfen über einen Rahmen wachsen soll: die Zeichen siedelt sich in einem dreidimensionalen Raum. Die gemalte Architektur gewinnt zunehmend an Bedeutung: Sie dient dazu, die Figur im Bild selbst in einen Raum mit klar konstruierter Tiefe zu versetzen. Erzählende Szenen, Krippen , Anbetungen , Märtyrer , werden in der Haupttafel eingeführt, die zuvor von einem monumentalen Heiligen besetzt wurde. Der Raum, den die Figuren einnehmen, öffnet sich für die lebendigere, möglicherweise aktivere Präsenz einer Figur: Der Gesichtsausdruck, die Gestik der Körper bestimmen die Bewegung. Die traditionellen Themen werden immer lebhafter behandelt: Die von Heiligen umgebene Madonna bleibt die häufigste Ikonographie, aber die Heiligen versammeln sich in einem einheitlichen Raum um die Jungfrau, mit immer mehr betonter Dreidimensionalität. . Die „Heilige Konversation“ wird zu Beginn des Quattrocento entwickelt . Sehr schnell gehen die Charaktere fast anekdotische Beziehungen ein; diese Evolution bedeutet „die narrative Humanisierung der heiligen Figuration“.