Japanisches Kino

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Das japanische Kino hat eine Geschichte, die bis in die Anfänge des Kinos zurückreicht. Es ist derzeit das drittgrößte Kino der Welt nach der Anzahl der produzierten Filme nach dem indischen Kino und dem chinesischen Kino .

Geschichte des japanischen Kinos

Die Anfänge

Die ersten Filme, die von Thomas Edison , der das englische Wort Film annahm, um die mit der ersten Kinokamera , dem Kinetograph , aufgenommenen Rollen zu bezeichnen , von seinem Assistenten William Kennedy Laurie Dickson , sind den Japanern seit dem bekanntNovember 1896weil sie in Kobe mit Kinetoskopen präsentiert werden , den persönlichen Betrachtungsgeräten, die Dickson nach Skizzen des amerikanischen Industriellen entwickelt hat.

Dann waren es zwei Operatoren der Gebrüder Lumière , Gabriel Veyre und François-Constant Girel , die 1897 in Osaka mit Hilfe eines Kinematographen Projektionen auf der großen Leinwand organisierten . Eine Präsentation des Vitascope, das Edison gegen seine französischen Konkurrenten antritt, wird in Osaka und dann in Tokio gemacht , aber die erste von Shirō Asano nach Japan importierte Kamera trägt das Lumière-Zeichen.

Es ist Shibata Tsunekichi, die mit den Dreharbeiten für die ersten Filme beginnt: Es sind Straßenszenen und Geishas .

Stummfilm und die Anfänge des sprechenden Kinos

Der erste japanische Star war ein Kabuki- Schauspieler , Matsunosuke Onoe , der zwischen 1909 und 1926 in fast tausend Filmen mitspielte. Die erste anerkannte Schauspielerin war die klassische Tänzerin Tokuko Nagai Takagi, die zwischen 1911 und in vier Filmen der amerikanischen Firma Thanhouser mitwirkte 1914.

Shōzō Makino macht das Jidaigeki- Genre populär . Es dreht sich in natürlichen Umgebungen, ein Prolog zur Veröffentlichung des japanischen Kinofilms. Die Filme sind noch stumm, und die Kinos beschäftigen Benshi , die den Soundtrack der Filme kommentieren oder aufführen, manchmal begleitet von Musik, die von einem Orchester gespielt wird. Ihre große Popularität erklärt zum Teil die Verzögerung Japans , in der zweiten Hälfte der 1930er Jahre massiv zu sprechenden Filmen überzugehen . Nur sehr wenige Filme aus dieser Zeit sind erhalten geblieben, da sie durch das Erdbeben von 1923 oder die Bomben des Zweiten Weltkriegs zerstört wurden . Das Erdbeben von 1923 inspirierte tränenreiche Melodramen wie Daisuke Its La chansonnette du passer von Daisuke Itō .

Daisuke Itō war vielleicht der erste Filmemacher, der das Medium Film als künstlerischen Ausdruck als solchen und nicht nur als industrielle Produktion nutzte , als er 1927 Chûjis Reisetagebuch produzierte , nachdem er zahlreiche Kontrollszenarien geschrieben hatte. Zur gleichen Zeit drehte Teinosuke Kinugasa , ein Kabuki-Schauspieler, Filme mit starkem europäischen Einfluss. Es ist die Zeit der „trendigen“ Filme, die vor dem Hintergrund der wirtschaftlichen und sozialen Krise versuchen, die negativen Folgen und Widersprüche des Kapitalismus zu veranschaulichen, bevor die Zensur diesem kritischen Ehrgeiz ein Ende setzt.

Es ist dieser Kontext, der die Entstehung begünstigt oder eine andere Orientierung vorgibt: Befreit von den starren Zwängen des Theaters entwickelt sich das Interesse am täglichen Leben im japanischen Haushalt, um ideologische Themen zu vermeiden. Dies ist der Beginn des ersten goldenen Zeitalters des japanischen Kinos mit Kids Tokyo bis Yasujirō Ozu ( 1932 ), The Osaka Elegy und Sisters of Gion of Kenji Mizoguchi ( 1936 ).

1936 verließen die Studios der Firma Shōchiku den Bezirk Kamata in Tokio, um sich in Ōfuna  (ja) in der Präfektur Kanagawa niederzulassen und begannen, Stars wie Kinuyo Tanaka oder Hiroko Kazasaki zu promoten .

Das 26. Februar 1936Offiziere stiften einen Putsch an, der scheitert, aber den unaufhaltsamen Aufstieg des Militarismus symbolisiert . Am Tag zuvor wurde die Association of Japanese Directors gegründet, die es Tomu Uchida ermöglicht, The Eternal Progress (1937) auf einer Idee von Ozu zu verwirklichen, genau in dem Moment, in dem der chinesisch-japanische Krieg beginnt . In 1937 , Sadao Yamanaka gerichtet seinen letzten Film, arme Menschen und Papier Luftballons , gehalten von Kiyoshi Kurosawa als Meisterwerk des japanischen Kinos, ein Werk von dem Thema des Todes beherrscht. Yamanaka starb im folgenden Jahr an der chinesischen Front im Alter von 28 Jahren.

Während des Krieges

Zu Beginn des Chinesisch-Japanischen Krieges wurde ein Gesetz erlassen, das die Filmproduktion unter staatliche Kontrolle stellt1 st Oktober 1939. Fachleute müssen eine Genehmigung der japanischen Behörden haben. So wird die Zensur schon vor den Schießereien angewandt. In diesem Jahr passiert der Grüntee-Reis-Geschmack von Yasujirō Ozu die Zensur nicht; Die Beschreibung des Nichtstuns bürgerlicher Frauen ist in Kriegszeiten nicht erlaubt. 1940 unterbrachen die Behörden eine Vorführung des Dokumentarfilms Les Soldiers au Combat und entzogen dem Regisseur Fumio Kamei wegen seiner marxistischen Ideen das Berufsrecht . Tomotaka Tasaka das Meisterwerk , Land und Soldaten (1939), beschreibt die Leiden des Krieges während der japanischen Militarismus pries.

Filme, die nicht direkt vom Krieg sprechen, werden akzeptiert, wie die Kunsttrilogie von Kenji Mizoguchi nach Drehbüchern von Yoshikata Yoda  : Tale of the Late Chrysanthemums (1939), The Woman of Naniwa (1940) und The Life of 'un Schauspieler (1941) sind eine Entschuldigung für die Selbstaufopferung, letztlich nahe an den Themen militaristischer Filme.

1941, als der Krieg zunahm, wollte das "Public Information Office" die Produktion einschränken, indem es nur zwei Geki Eiga ( Spielfilme ) pro Monat von nur zwei Firmen produzierte, während Nikkatsu , Shōchiku , Tōhō , Shinko und Daito dann etwa einen präsentieren neuer Film pro Woche. Die verschiedenen Unternehmen werden zu zwei Unternehmen zusammengeführt: Shōchiku und Tōhō. Trotzdem interveniert Masaichi Nagata vom Shinko-Kino , um 1942 die Schaffung des Daiei zu ermöglichen . Viele Berufstätige geben ihren Job auf. Junge Mitarbeiter ziehen in den Krieg. In besetzten Gebieten wie den Philippinen , Indonesien und der Mandschurei werden Propagandafilme gedreht.

Kajirō Yamamoto macht Parodien mit den deutschen Comic - Enoken vor militaristische Propaganda Filme zu machen , in den Schießtechniken experimentiert werden , die auf dem wiederholt werden Godzilla Satz .

Alle Genres tragen zur Propaganda bei. The Revenge of the 47 Rōnin (in zwei Teilen, 1941-1942), ein 3,35 Stunden reshiki-geki (historisches Drama) Fluss von Mizoguchi, rekonstruiert sehr ästhetisch die berühmte Geschichte des 47 Rōnin . Ozu wurde 1942 gefilmt Er war ein Vater , der einen Vater mit hohem Verantwortungsbewusstsein beschreibt. Das Drehbuch entspricht somit den Vorstellungen des Staates im Krieg, obwohl das Drehbuch 1937 geschrieben wurde. Keisuke Kinoshita gibt sich 1943 mit Le Port en fleurs den Forderungen der Propaganda und inszeniert eine populäre Komödie. Aber sein Mangel an militaristischem Enthusiasmus wird ihn davon abhalten, Kamikazes , einen patriotischen Film, zu inszenieren.

1943 wurde die Befreiung vom Militärdienst für Studenten aufgehoben. 1945 starben neun Mitglieder der Sakuratai-Theatergruppe bei der Bombardierung von Hiroshima .

Nachkriegszeit

Auf die japanische Zensur folgt die von den Amerikanern verhängte Zensur. Akira Kurosawa debütierte während des Krieges als Assistent von Kajirō Yamamoto . 1946 bereue ich meine Jugend nicht , ein bösartiger Kritiker des gerade zusammengebrochenen Systems. Im selben Jahr führte Keisuke Kinoshita , der ebenfalls während des Krieges debütierte, bei Le Matin de la famille Osone Regie .

1951 erhielt Rashōmon mit dem Star Toshirō Mifune den Goldenen Löwen in Venedig und dann den Oscar für den besten ausländischen Film . Diese Auszeichnung stimuliert den Ehrgeiz der Senioren auf Halbmast. Die Geschichten vom vagen Mond nach dem Regen von Kenji Mizoguchi (1953) und Die sieben Samurai (1954) von Kurosawa wurden bei den Filmfestspielen von Venedig mit einem Silbernen Löwen ausgezeichnet . Masaki Kobayashi erhielt 1962 den Jurypreis der Filmfestspiele von Cannes für Harakiri . Dies ist das zweite goldene Zeitalter.

Die Studios drehen auch eine Vielzahl von Genrefilmen. Es ist der Beginn der kaijū- eiga (Monsterfilme) mit Godzilla von Ishirō Honda im Jahr 1954. In der Nachkriegszeit vertreibt Nikkatsu, das nach 1941 auf den Vertrieb beschränkt war, amerikanische Filme und beschließt dann, wieder Filme zu produzieren. Am Stadtrand von Tokio wurden 1954 neue Nikkatsu-Studios gebaut. Der Nikkatsu startet den Star Yūjirō Ishihara mit der Adaption zweier Romane von Shintarō Ishihara , einem Schriftsteller der „Generation der Sonne“ ( taiyōzoku ): Die Jahreszeit der Sonne ( Takumi Furukawa , 1956) und Juvenile Passions ( Kō Nakahira , 1956 .) ) . Der Erfolg dieser Filme führte zur Einführung einer Produktionslinie von Filmen mit dem Stempel Nikkatsu Action, Fiktionen, deren Geschäft auf der Gewalt und der ungezügelten Sexualität von Helden des Typs „junge Rebellen“ basiert, insbesondere in den Pinku Eiga (Erotikfilmen).

Die neue Welle

Die neue japanische Welle brachte im Gegensatz zur französischen New Wave keine Gruppe von Filmemachern um ein Magazin oder eine Gruppe zusammen, sondern entsprach in Japan einem von Kritikern verwendeten Begriff für "rebellische" Filmemacher der Shōchiku  : Nagisa Ōshima . Yoshishige Yoshida und Masahiro Shinoda und in Anlehnung an die französische Neue Welle. Die drei Regisseure widersetzten sich den „Meistern“ von Studios wie Keisuke Kinoshita und Yasujirō Ozu , denen vorgeworfen wurde, „bürgerliches“ Kino zu machen. Aus seinem zweiten Film Tales grausam de la jeunesse (1960), der sich mit der Erneuerung des amerikanisch-japanischen Sicherheitsabkommens beschäftigt , verfilmt Ōshima eine Geschichte, die Sex und Kriminalität vermischt, Themen, die sich durch seine Arbeit ziehen werden. Der Film wurde nach vier Tagen vom Plakat entfernt und Ōshima verließ die Studios, um seine unabhängige Firma zu gründen. Gleichzeitig melden sich andere Regisseure, die nicht durch die Studios gegangen sind, wie Susumu Hani und Hiroshi Teshigahara , die anfangen, Dokumentarfilme zu drehen . Es ist auch der Aufstieg unabhängiger Produktionen, die durch ein kollaboratives System zwischen einer kleinen Vertriebsgesellschaft, der Art Theatre Guild , und einer Produktionsfirma unter der Leitung des Regisseurs produziert werden. Andere Filme wurden unter diesem System veröffentlicht, wie beispielsweise The Hanging of Nagisa Ōshima im Jahr 1968. Dieses Finanzierungsmodell mit kleinen Budgets ermöglichte es vielen Regisseuren und neuen Ideen, wie The Naked Island von Kaneto Shindō .

Wie Nikkatsu dreht Shōhei Imamura 1958 Désir unassouvi ( Hateshinaki Yokubo ) oder La Femme Insekte (1963), ein Porträt einer um ihre Unabhängigkeit kämpfenden Prostituierten, die charakteristisch für ihren Blick als "Entomologin" der japanischen Gesellschaft sind.

Während die Gesamtbesucherzahlen in den Theatern ab 1959 zurückgingen , entstanden kleine Unternehmen, die sich auf die Produktion von Erotik- oder Pinku-Eiga- Filmen spezialisierten, die ein großes Publikum anzogen. Tetsuji Takechi , einflussreicher Kritiker und Regisseur des traditionellen Theaters, beschließt, pinku zu machen  : Black Snow wird von der Polizei festgenommen und Tetsuji wegen Verstoßes gegen die Obszönitätsgesetze angeklagt.

1968 wurde Seijun Suzuki, der seine Karriere damit verbracht hatte, stilisierte Werke für das Nikkatsu-Studio zu produzieren, nach seinem Film The Mark of the Killer gefeuert . Im selben Jahr beeindruckten zwei Dokumentarfilme: A Summer in Narita von Shinsuke Ogawa zeigt die Demonstrationen von Bauern und Studenten gegen den Bau des neuen Tokioter Flughafens mitten auf dem Land; Die Vorgeschichte der Anhänger von Noriaki Tsuchimoto folgt dem Anführer der Studentenrebellion an der Universität Kyoto.

Zu dieser Zeit drehten Kōji Wakamatsu und Masao Adachi die meisten ihrer Filme und kreuzten die Codes von Pinku Eiga , Yakuza-Film und virulenter Gesellschaftskritik.

1970er

1971, Shūji Terayamas erster Film Werfen Sie Ihre Bücher und gehen Sie auf die Straße! wird nach dem System der Zusammenarbeit zwischen einer Vertriebsgesellschaft und dem Direktor produziert. Im selben Jahr schreibt der Kritiker Eizu Ori über The Ceremony of Nagisa Ōshima, dass es sich um eine verfrühte Synthese der Nachkriegsdemokratie handelt. Die Zeit ist pessimistisch: Yukio Mishima beging 1970 Selbstmord, 1971 reist Masao Adachi in den Libanon ab , 1972 richtet die japanische Rote Armee ihre Waffen gegen 12 ihrer eigenen Mitglieder, die Überlebenden werden dann nach einer Belagerung festgenommen, die alles Fernsehen unterbrach Zuschauerrekorde. Für Nagisa Ōshima ist es das Ende der Rolle der Jugend in der modernen japanischen Geschichte.

Yakuza-Filme sind auf dem Vormarsch: Kinji Fukasaku filmt junge Delinquenten, die alle Regeln brechen und sich dabei wie in Combat ohne Ehrenkodex zu einem gewaltsamen und vorzeitigen Tod verurteilen .

Es ist auch die Zeit der ersten Filme der Serie Otoko wa tsurai yo ( Es ist schwer, ein Mann zu sein ) von Yōji Yamada , einer beliebten Saga mit universellen Themen.

Im Jahr 1972 griff die Polizei vier Porno Roman Filme ( pinku-eiga de la Nikkatsu ) und neun Menschen wurden berechnet. Das Genre zieht dennoch Schöpfer an der Spitze ihres Spiels an. In diesem Zusammenhang realisiert Oshima 1976 dank eines französischen Produzenten, L'empire des sens, der die Grenzen des Ausdrucks von Sexualität in Japan überschreitet. Die Bücher, die das Drehbuch und die Fotos des Films präsentieren, werden von den japanischen Behörden beschlagnahmt, der Film wird zensiert und wurde in Japan nie in Vollversion veröffentlicht.

1980er Jahre

Die 1980er und 1990er Jahre markierten den Tod des großen Studiosystems. Die Filmindustrie reformiert sich um unabhängige Produzenten und Regisseure. Nachkriegsfilmemacher touren weiterhin mit oft nicht-japanischen Produktionen (Kurosawa in der UdSSR, USA, Frankreich; Ōshima in Frankreich). Die Ballade von Narayama von Shohei Imamura gewann 1983 die Palme d'Or . Jidaigeki Akira Kurosawas Kagemusha (1980, produziert von Hollywood) und Ran (1985 Produktion französisch-japanisch) gewannen ebenfalls zahlreiche Preise. Shōhei Imamura gewann 1997 mit L'Anguille eine neue Palme d'Or .

Alle Regisseure, die nach 1980 auftraten, wurden nach dem Krieg geboren und arbeiteten nie für die Studios. Takeshi Kitano, der mit Manzai (Kabarettskizzen) unter dem Namen Beat Takeshi begann, wird von Nagisa Ōshima für seinen Film Furyo (1983) engagiert. 1989 ersetzte er Kinji Fukasaku für die Produktion von Violent Cop . Er mischt das Drehbuch neu, indem er seinen Charakter als zweideutigen Helden kreiert und die moderne Gesellschaft als Herrschaft instinktiver Gewalt darstellt.

Shinji Sōmai porträtierte in Typhoon Club (1985) die Schrecken des Zustands junger Japaner, die heute von klein auf zum sozialen Wettbewerb verurteilt sind und von japanischen Produzenten als eine Masse angesehen werden, die sich mit gewalttätiger und / oder erotischer Unterhaltung begnügt. Zur modernen kapitalistischen Industriegesellschaft gibt es keine Alternative mehr. Die Selbstmordraten explodieren.

1990er Jahre

Mangelnde Kommunikation, die Erosion menschlicher Beziehungen und die Auflösung sozialer Identitäten sind wiederkehrende Themen dieser Zeit.

Das Flackern von Joji Matsuoka (1992) erinnert an eine Familie, die versucht, neue Formen des Zusammenlebens zu erfinden, die sich vom traditionellen Zuhause unterscheiden.

Die Figur des Takeshi Kitano in Sonatine (1993) illustriert dieses neue Verhältnis zur Welt, problematisch und ohne Bezugspunkte; selbst der gewalttätige Gangster hat keinen Platz in der Gesellschaft, wenn er zu alt ist. Andererseits ist der einzige Ausweg für Kitanos Charakter Selbstmord.

Es ist auch die Zeit des Aufkommens ausländischer Regisseure, die in Japan leben, wie etwa On Which Side is the Moon von Yōichi Sai (1993), einem Zainichi , also einem Koreaner aus Japan.

Während die Szenarien von Horrorfilmen zuvor von Produzenten Ende der 1990er Jahre abgelehnt wurden, errangen Horrorfilme kommerziellen Erfolg als Ring of Hideo Nakata (1997) und/oder einen kritischen Erfolg als Cure (1997) von Kiyoshi Kurosawa , manchmal bis hin zu Gegenstand von Remakes amerikanischer Studios. Wenn westliche Horrorfilme Referenzen für diese Regisseure sind, entwickeln sie dennoch eine formale Behandlung, die essentiell ist wie „japanische Geistergeschichten“ oder J-Horror . Diese vom „eisigen Horror“ geprägten Filme sind nicht ohne die Beschreibung der Auslöschung sozialer Bindungen, die durch elektronische Prothesen ersetzt werden, bewässert. In diesem Licht kann Shin'ya Tsukamoto mit Tetsuo (1989) als thematischer, aber nicht formaler Vorläufer dieses Genres angesehen werden , obwohl Kurosawa darauf hinweist, dass mehrere seiner Horror-Drehbücher seit den 1980er Jahren abgelehnt wurden time befasste sich mit Themen, die in den 2000er Jahren auf dem Weg zur Internationalisierung waren, mit der Entwicklung und Demokratisierung der damaligen NICTs für neue Informations- und Kommunikationstechnologien (digitale Bilder, PCs, Mobiltelefone und das Internet).

Die 2000er Jahre

Hirokazu Kore-eda , Shinji Aoyama , Nobuhiro Suwa produzieren Werke, die vom Fachprofessor für französische Literatur und Philosophie Shigehiko Hasumi beeinflusst sind , und porträtieren die japanische Familie weiterhin als privilegierten Ort des Ausdrucks der Umbrüche der gesamten Gesellschaft. Kiyoshi Kurosawa , Schüler von Hasumi wie Aoyama, aber älter, kann trotz der wenigen fantastischen Elemente, die eher als Vorwände dienen, in diesen Satz aufgenommen werden. Fantastische Elemente, die in den späten 2000er Jahren in Tokyo Sonata (2008) aufgegeben wurden . Diese Bewegung wird Rikkyo nūberu bāgu oder New Wave Rikkyo genannt, nach dem Namen der Universität, an der Hasumi lehrt, und um sie vom Shochiku nuberu bagu der 1960er Jahre zu unterscheiden.

Sono Sion wurde 2001 mit dem Suicide Club bekannt , der sowohl formal als auch thematisch dem, was Kurosawa zur gleichen Zeit tat, sehr nahe kam. Ab 2005 produzierte er weitere originelle Arbeiten mit einem äußerst kritischen Blick auf die heutige japanische Gesellschaft. 2012 beschäftigt er sich in The Land of Hope mit der Frage nach den Folgen einer nuklearen Katastrophe.

Naomi Kawase wird sowohl für ihre Fiktionen als auch für ihre autobiografischen Dokumentarfilme ausgezeichnet. Es hat Preise bei den renommiertesten Festivals gewonnen, darunter den Grand Prix bei den Filmfestspielen von Cannes 2007 für das wundervolle La Forêt de Mogari .

Nach 30 Jahren Exil im Nahen Osten und einigen Jahren Gefängnis kehrte Masao Adachi 2005 auf Anfrage von Filmfans in die Regie zurück. Zu Beginn der 2010er Jahre kehrte Kōji Wakamatsu zur Regie für vier Filme zurück. Er starb 2012, als er von einem Taxi angefahren wurde, kurz nachdem er seinen Wunsch bekannt gegeben hatte, einen Film über die Firma Tepco und den Atomunfall von Fukushima zu drehen . Ihre Filme aus den 1960er und 1970er Jahren wurden erstmals im Westen veröffentlicht.

Genres

Anime

Nach einigen Experimenten in der frühen XX - ten  Jahrhundert, der erste populäre Erfolg der japanischen Animation ( Anime ) ist Astro Boy , im Jahr 1963 erstellt von Osamu Tezuka und gefördert durch die US - Atomlobby. Aber die internationale Anerkennung von Anime kommt erst später. Akira von Katsuhiro Ōtomo (1988) hatte ein Rekordbudget für japanische Animationen und wurde dann in den USA und Frankreich veröffentlicht. Die Filme von Studio Ghibli und seinen Charakteren touren dann um die Welt. Chihiros von Hayao Miyazaki erhielt den 1 st  Preis der Berliner Filmfestspiele 2002 und gewann den Oscar für den besten Animationsfilm in 2003 . Mamoru Oshiis Filme wie Ghost in the Shell werden ebenfalls beachtet und die Filmfestspiele von Cannes 2004 platzieren Ghost in the Shell 2: Innocence im offiziellen Wettbewerb. Die anderen bekanntesten Anime-Regisseure sind Isao Takahata , Osamu Dezaki , Yoshiaki Kawajiri , Satoshi Kon , Mamoru Hosoda , Makoto Shinkai , Hiroyuki Okiura .

Samurai-Film

Horrorfilm

Yakuza-Film

Komödie

Erotikfilm

Listen

Auszeichnungen

Literaturverzeichnis

Hinweise und Referenzen

  1. „  Welches Land produziert die meisten Filme? Wie viele 3D-Bildschirme weltweit? Kino in Zahlen.  » , Auf slate.fr ,17. Mai 2014(Zugriff am 18. Dezember 2017 )
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  4. Vgl. Donald Richie ( übersetzt  aus dem Englischen von Romain Slocombe ), Japanese Cinema , Paris, Edition du rocher,2005, 402  S. ( ISBN  2-268-05237-0 ) , p.  23
  5. Aaron M. Cohen Bright Lights Film Journal 30. Oktober 2000.
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  13. The New Wave à la Nikkatsu, cinemasie.com
  14. Antoine de Mena, Nikkatsu: die Geschichte eines japanischen Großunternehmens
  15. Max Tessier , Die neue japanische Welle, Festival der 3 Kontinente, 1997 .
  16. Panorama des japanischen Kinos in den 1980er und 90er Jahren, Kinoobjektiv
  17. Firmenkredite für Ran, IMDb
  18. Rans Belohnungen auf IMDb
  19. Kagemushas Belohnungen auf IMDb
  20. Akiras Anekdoten auf IMDb
  21. Akira-Veröffentlichungsdaten auf IMDb

Siehe auch

Verwandter Artikel

Externe Links