A priori , musikalische Komposition bezeichnet die Stufe , bei der der Komponist der begreift musikalische Arbeit in einer Weise , dass es um den Klang Ausdruck seines Denkens entspricht. Es geht der Interpretation durch Dritte voraus und ähnelt dem unbewussten, aber erlernten Verhalten .
Wie in jedem künstlerischen Bereich geht es bei der Musik um das Gestalten von Werken . Diese können aus dem Wunsch entspringen, abstraktere Gefühle oder Konzepte zu vermitteln oder sich auf rein ästhetische Ambitionen beschränken .
Es bleibt abhängig von den Mustern, die uns unsere Kultur und unsere Geschichte hinterlassen haben, die Erinnerung an das Zuhören, die Erinnerung an das Erlernen uns vertrauter kognitiver Strukturen. Aber die Komposition fällt in den künstlerischen Bereich vor allem dann, wenn sie über die Assimilation hinausgeht, das Unerhörte durch den Einsatz von Theorien und Techniken sucht oder im Gegenteil diesen intellektuellen Werkzeugen gegenübersteht.
Die Theorien (induziertes oder geschaffenes Recht) spielen daher eine wichtige Rolle, können aber durchaus auch rückwirkend gestaltet werden , resultierend aus musikwissenschaftlicher Reflexion über das Werk. Das ex nihilo , das schroffe Erschaffen , das Happening , sind noch immer Formen der musikalischen Komposition.
Bis zum Beginn des XX - ten Jahrhundert , die so genannten musikalische Komposition breite Akzeptanz unter den Zuschauern, und soll angenehm zu hören sein. Sie entsprach den Regeln des Kontrapunkts und der Harmonie . Das Erlernen der Komposition setzte dann eine minimale Reflexion über das Warum der Schöpfung voraus. Die Kunst des Schreibens durchlief die Umsetzung auf ein visuelles Medium (die Partitur ) dessen, was der Komponist mit Klängen auszudrücken suchte. Das Transkriptionssystem (oder Musiktheorie ) wurde verwendet, um eine Partitur zu erstellen , indem die Parameter Tonhöhe, Intensität und Dauer so genau wie möglich notiert wurden, die der Interpret neu erstellen muss. Aus dieser Transkription ist eine Komplexifizierung der musikalischen Form entstanden .
Dort wurde dann im Vorfeld die Kompositionstechnik festgelegt ( Orchestrierung , Musiktheorie, Harmonielehre, Notation). Das Timbre hat einen wichtigen Verträge mit der Orchestrierung des aufgenommenen XIX - ten Jahrhundert und diese Forschung hat Musikinstrumente erweitert und / oder Gegenstände des täglichen Lebens in einer kreativen Forschung eingebettet (Revolver in der Ballett Parade de erschien Satie , Schreibmaschine bei Leroy Anderson ) .
Die Entwicklung des musikalischen Werkbegriffs hat seither die Komposition in diesen Schaffensprozess integriert, der sowohl durch eine direkte Arbeit am musikalischen Klang als auch durch die Suche nach Klangfarben und deren Bearbeitung erfolgt. Die Aufnahme dann die Klangsynthese (direkt oder indirekt), verstärkt die Werkzeuge der musikalischen Komposition.
Kompositionstheorien müssen daher, um bestimmte neue Prozesse zu entwickeln, über die Empirie unserer unmittelbaren Empfindungen hinausgehen und längerfristige Ansichten identifizieren.
Wir können die Komposition nicht mehr dem Verständnis ihrer Mechanismen gleichsetzen. Die künstlerischen Gestaltungskriterien lassen sich nicht von einem Studium allgemeiner Muster lösen. Die Analyse kann nur die in der Arbeit festgelegten Kriterien hervorbringen, nicht den gesamten Prozess, der in dieser Erkenntnis gipfelte.
Es gibt mindestens zwei Ausbildungsgänge, die durch zwei Jahrhunderte akademischer Praxis getrennt sind.
Es versteht sich von selbst, wie Kant betonte , dass keine Regel das Kunstwerk schaffen kann.
„Die bildende Kunst ist nur als geniale Produktion möglich. Es stellt sich heraus, dass das Genie ein Talent ist, das darin besteht, das hervorzubringen, wofür man keine bestimmte Regel aufstellen könnte: es ist keine Begabung für etwas, das nach irgendeiner Regel gelernt werden könnte; daher muss sein erstes Merkmal Originalität sein. "
Musikalisches Schaffen verwendet auf identische Weise theoretische (generische) Strategien, die die Geschichte widerspiegeln und sich in jeder Schöpfung selbst entwickeln: nichts Festes in der Komposition; diese Strategien sollen Veränderung, Bewegung, von kollektiver Basis aus vorantreiben.
Regeln und Systeme haben es Komponisten im Laufe der Jahrhunderte vor allem ermöglicht, prozedurale Semantiken zu schaffen: nicht so sehr Musik, die fad angewandte Verfahren zur Schau stellt , sondern die auf die Tagesordnung gesetzte Strategie des Wandels, Komposition als Bestimmung der Phasen dieses Wandels , der Höhepunkt dessen, was wir heute einen Kompositionsprozess nennen. Dieser Prozessbegriff hat andere Vorstellungen von der Strukturierung von Musik direkt verdrängt: Das in unseren Augen auffälligste Beispiel ist das der konkreten Musik . Konkrete Musik beschäftigte sich mit musikalischen Objekten, aber diese Klangobjekte, architektonische Elemente, konnten keine Struktur definieren . Erst die Komposition konnte ihm diesen „musikalischen“ Charakter verleihen und den Collagen aus Magnetbändern und der konkret/akusmatischen Musik den Status eines Werks erreichen.
Geschriebene Regeln (oder Theorien), die manchmal in Abhandlungen als Zwänge dargestellt werden, sind für den beginnenden Komponisten tatsächlich eine wertvolle Hilfe, um bestimmte Plattitüden oder Schwere zu vermeiden. Die klassischen Regeln verbieten die Bildung aufeinanderfolgender Quinten oder Oktaven zwischen zwei Stimmen. Die Weitergabe dieses Know-hows ist Gegenstand einer Lehrer-Schüler-Beziehung ähnlich einer Meister-Schüler-Beziehung.
Musikalische Komposition postuliert, wie jede Form künstlerischen Schaffens, eine unreflektierte Übersetzung eines Universums, das über die sensible Ebene hinausgeht, die uns dem Wissen öffnet . Es bedarf daher einer Reflexion über die Vorzüge der Beziehungen zwischen verschiedenen Darstellungsformen : Musikalischer Klang, Klangmaterial einerseits ( Klang , Instrument , Klangfarbe etc., aber auch virtuelle Raumkreationen oder auditive Illusionen ), Schaffung von die Arbeit andererseits. Da sich das Wissen in diesen Bereichen ständig weiterentwickelt, ermöglichen sie es Komponisten, neue Formen der Wahrnehmung der Klangwelt in Betracht zu ziehen, ein Schritt in Richtung einer musikalischen Rekonstruktion.
In einem zweiten Schritt, dieses Material erfasst, konzentriert sich die musikalische Komposition auf bestimmte Stärken der musikalischen Struktur , in eine funktionale Richtung: Wie kann das Werk für einen Hörer „ funktionieren“ ? Von Psychologen , Designern und neuerdings auch Informatikern haben versucht, gemeinsame Überlegungen über spezialisierte Agenturen im Bereich Computermusik zu verbreiten . Sein Terrain besetzt sowohl die lokale Ebene des Materials als auch die globale Ebene der Strukturierung des Werkes.
Inspiration wie in den anderen Künsten macht es möglich, etwas Neues zu schaffen, das Neue aus dem Abwesenden herauszuholen. Die Vorstellungskraft des Komponisten erstreckt sich auf alle Bereiche: bei Formen, Klangeffekten, Instrumentierung usw. wird jede Kühnheit, die das Werk attraktiver macht, den Hörer dazu bringen, ihn zu überraschen; die Form ermöglicht durch ihre Mustererinnerungen eine Strukturierung des Gehörs, die Melodie macht durch ihre Einzigartigkeit die Schöpfung plausibel usw.
Die zeitgenössische Musik hat aus den Erkenntnissen der akustischen Musik moderne, neue Darstellungsmodelle entwickeln können. So spielte sie beispielsweise mit Grenzphänomenen zwischen Fusion und Integration, um neue Mobilitäten zu etablieren, syntaktische Artikulationen, die den Zugang zu erweiterten Klangtexturen ermöglichen. Diese Modelle ermöglichen eine funktionale Rezeption, bei der der Hörer Klangaggregaten einen Platz in der Strukturierung des Werkes zuweist.
Von einer Objekt-/Struktur-Dualität sind wir daher in den sechziger Jahren zu einer Material-/Prozess-Dualität übergegangen. Die Konstruktion des Werkes erfolgt durch das Aufkommen von Komplexität, da die Konstruktion des Universums durch Einheiten mit zunehmender Kompliziertheit durchgeführt wurde. Vom Wissen bis zur Darstellung und vom Modell bis zur Kreation werden die kreativen Phasen dieser Konstruktion oft in Übereinstimmung mit der Technik entwickelt (Instrumentenentwurf, elektroakustische Technologie, musikalisches Rechnen usw.).
Andererseits wurde die Entwicklung der künstlichen Intelligenz auch im Bereich der musikalischen Komposition angewendet. Beispielsweise verschieben die von René-Louis Baron oder François Pachet entwickelten Werke und Werkzeuge die Grenzen zwischen menschlicher Schöpfung und nicht-menschlicher Schöpfung.
Es kommt oft vor, dass ein Musiker gebeten wird, „on demand“ zu komponieren, für einen Anlass und/oder mit einer bereits gefundenen Inspirationsquelle (zB: bestimmte Opern mit dem obligatorischen Libretto, die meisten religiösen Werke von Bach . , etc.). Die Komposition jedoch, indem sie der Bewegung des künstlerischen Schaffens zugehörig ist, kann nicht provoziert werden. Die Sinfonien von Wolfgang Amadeus Mozart von 5 bis 35 sind mit seltenen Ausnahmen dem Publikum unbekannt und werden wenig gespielt, weil der junge Mann, indem er in einem anhaltenden Rhythmus auf Bestellung schrieb, Stücke hervorbrachte, die die Gelehrten für nicht geeignet halten Es gibt nichts an der rein technischen Qualität zu tadeln, deren musikalisches Können und Inspiration denen der reichen Schaffensstunden (die berühmten letzten Symphonien von 35 bis 41) jedoch weit unterlegen sind.
Yann Tiersen schrieb einige seiner Werke ohne Bezug zum Film Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain und wurde kontaktiert, als die Dreharbeiten bereits begannen.
John Williams schrieb alle Harry-Potter- Themen, ohne sich den Dreharbeiten zu nähern; Dies sind Werke, die er geschrieben, aber nicht geschaffen hat (siehe unten) und die er auf Anfrage der Crew des ersten Films verwendet hat .