Franz Gertsch

Franz Gertsch Bild in der Infobox.
Geburt 8. März 1930
Mörigen
Staatsangehörigkeit schweizerisch
Aktivitäten Maler , Graveur , Xylograph
Arbeitsplatz Bern
Bewegung Hyperrealismus
Unterscheidung Goslars Kaiserring

Franz Gertsch ist ein Schweizer Maler , geboren am8. März 1930in Morenges im Kanton Bern .

Biografie

Von 1947 bis 1950 besuchte Franz Gertsch die Malschule von Max von Mühlenen in Bern , wo die Simmen-Galerie 1949 ihre erste Einzelausstellung präsentierte. Bis 1952, noch in Bern , wo er bis 1974 lebte, perfektionierte er seine künstlerischen Fähigkeiten mit Hans Schwarzenbach. 1967 erhielt er in Bern das Louise Aeschlimann-Stipendium : Es war die Ära der Popbilder mit vereinfachten Typologien. Er experimentierte mit seiner realistischen Technik ab Herbst 1968 nach verschiedenen erfolglosen Experimenten in der Skulptur, dann in der Malerei. Das erste realistische Gemälde von Franz Gertsch stammt aus dem Jahr 1969: „Huaa ...! », Galoppierender Reiter, Säbel erhoben, interpretiert eine Doppelseite der Zeitschrift Salut les copains . Zwischen 1970 und 1980 folgten Familien- oder Gruppenszenen (wie die Serie von drei Gemälden, die Saintes Maries de la Mer 1971 während einer Reise nach Südfrankreich gemalt hatte, wo er die Zigeunerkinder am Strand von Saintes Maries de la Mer fotografierte, die Saintes Maries Pilgerfahrt findet am 24 und statt25. Maijedes Jahres) und Porträts "in Situation" von Freunden der Kunstwelt. Mit Huaa ...! (1969) markiert damit den Beginn dieser Periode der Erforschung der hyperrealistischen Illusion, die 1979 mit der Serie von Porträts von Patti Smith endet .

Ende 1970 lud Jean-Christophe Ammann, Direktor des Kunstmuseums Luzern, Franz Gertsch ein, dort im Alter von über vierzig Jahren seine erste große Ausstellung zu präsentieren. Während der Vorbereitung der Ausstellung stellt Ammann Gertsch Luciano Castelli vor, einem jungen Künstler, Fotografen und Performer, einer Schlüsselfigur der Luzerner Szene. Castelli lebt dann in Gemeinschaftsunterkünften und Gertsch trifft seinen Freundeskreis. Als einfacher Beobachter dokumentiert er anhand einer Reihe von Fotografien das tägliche Leben dieser jungen Menschen, die dazu neigen, Kunst und Leben zu verwechseln, Geschlechtsidentitäten und künstlerische Kategorien zu überschreiten. Aus diesen Bildern wird Frantz Gertsch sieben Jahre lang die Ausführung einer Reihe von Leinwänden widmen, die durch ihre gleichzeitige Entlehnung aus den Registern für Fotografie und Malerei gekennzeichnet sind.

1972 wurde auf der documenta 5 in Kassel , die die Realität und die zeitgenössische Ikonographie in Frage stellt, sein Gemälde Medici besonders aufgefallen. Es zeigt fünf junge Menschen, die sich vor dem Kunstmuseum in Luzern an eine Barriere lehnen. Ihre Outfits und Posen, auch ihre Gesichtsausdrücke, lassen auf einen Ausflug mit Freunden schließen. Der Künstler nahm das Foto auf, übertrug es auf die Leinwand und vergrößerte es dann überproportional mit einem Diaprojektionssystem. Dank der Documenta v reiste Franz Gertsch 1972 nach Frankreich ( Paris ), USA (1972, 1973, 1986), Italien , Österreich , Schottland , Deutschland , Japan (1987). Dank eines DAAD-Stipendiums verbrachte er 1974-1975 ein Jahr in Berlin .

Seine Arbeiten wurden 1974 in Paris (CNAC) in der Ausstellung American Hyperrealists - European Realists gezeigt, während 1975 eine monografische Ausstellung in Berlin (Akademie der Künste), Braunschweig, Düsseldorf und Basel zirkulierte. Franz Gertsch nimmt an seiner ersten großen Gemeinschaftsausstellung teil. Nach seiner Rückkehr aus Berlin verbrachte Franz Gertsch einige Monate in Bern, bevor er sich 1976 in „Rüschegg“ (unweit von Freiburg und Bern) niederließ, wo er seitdem lebt und arbeitet.

Ab 1976 orientiert sich seine Arbeit mit "Franz und Luciano" an der Darstellung einer oder mehrerer Figuren, die mehr in ihrer eigenen Präsenz und Spezifität gerahmt sind.

Franz Gertsch wählte die Rocklegende Patti Smith als sein Vorbild, nachdem er sein Foto auf dem Cover seiner Platte "Horses" von Robert Mapplethorpe gesehen und seine Stimme und Musik gehört hatte. Er besuchte sie 1977 in Köln und fotografierte sie . Franz Gertschs Gemälde der Rockikone einer ganzen Generation haben wesentlich zu unserem kollektiven Gedächtnis über sie beigetragen. Er stellte es in aller Einfachheit auf realistische und authentische Weise dar. Hockte sich vor einen Verstärker, von hinten gesehen oder von der Mitte bis zum Rand des Gemäldes positioniert, ein wenig in der Defensive, weil er sich in der Nähe schwerer Mikrofone befand. Dieses Gemälde ist ein Gegenschlag zu Andy Warhols Inszenierung von Medienfiguren wie Marilyn Monroe und Elvis Presley . Franz Gertsch gelang es, die 1970er Jahre in seinen Gemälden wiederzubeleben, dank seiner perfekten Erfassung von Kleidung und Farben, der spezifischen Stimmung jener Jahre.

Die Biennale von Venedig lud ihn 1978 ein, im Rahmen der Dalla natura all'arte auszustellen. Dall'arte alla natura. Ab den frühen 1980er Jahren waren seine Lieblingsthemen Frauenporträts, Naturbilder. Zwischen 1980 und 1986 malte er Porträts in großem Format, indem er die Porträts, die er durch Fokussierung auf die Köpfe seiner zeitgenössischen Modelle machte, verschärfte und erklärte, dass jedes Detail des Bildes (Nase, Iris, Hintergrund) innerhalb des Bildes wichtig sei. Der Betrachter wird daher ermutigt, auf die verschiedenen Bereiche dieser Landschaftsgesichter zu starren.

Das ernsthafte und große Selbstporträt von 1980 konzentriert den Künstler auf den Kopf. Diese Vision setzt sich fort, bis „Johanna II“, Gemälde 1986 fertiggestellt. Nach und nach werden die kompositorischen Arrangements vereinfacht, die Ausführungszeit verlängert sich und die Erzählung verschwindet zugunsten einer Spiritualisierung des Gemäldes. Landschaften begleiten seine Karriere dauerhaft sowie ein langjähriges titanisches Holzschnittwerk (zwischen 1986 und 1993, wobei er seine Arbeit als Maler in Klammern setzte und dann die Phasen des Gravierens und Malens nach seinen Wünschen abwechselte.

1994 nahm der Künstler den Pinsel mit einigen Gemälden über Japan wieder auf, wobei Pflanzenmotive in "Lapis-lazuli: 8.III.1995" gipfelten, einer völlig "abstrakten" Meditation über Farbe, den bewölkten Himmel. Elementar und Wasser in ihrem immensen Magma. Es folgten zwischen 1995 und 1997 immer sehr großformatige Leinwände zum Thema Gras. Anschließend unternahm er ein neues monumentales Porträt, "Silvia", mit Renaissance-Echos, das 1998 fertiggestellt wurde und auf der Biennale in Venedig von zu sehen sein wird 1999, während er gerade eine Variante produziert, die im Jahr 2000 fertiggestellt wurde. Silvia I, 1998 ist der Beginn einer neuen Phase, die vor der Figur blau hinterlegt ist, erinnert an die Porträts der Renaissance und emanzipiert die Malerei von ihrer fotografischen Matrix auch in Gemälde von Kräutern aus der gleichen Zeit. Das Modell ist nicht mehr so ​​sehr Natur, sondern das Werk des Künstlers und die zu dieser Serie gehörenden Werke stammen alle aus Details des ersten Gemäldes.

Das Franz Gertsch Museum

Im Jahr 2002 wurde in Burgdorf (nordöstlich von Bern) das Franz-Gertsch-Museum eingeweiht. Es wurde in Zusammenarbeit mit dem Künstler entworfen. Die Architektur besteht aus zwei konkreten Parallelepipeds und ist bewusst streng. Sie ist bewusst streng und illustriert das Konzept von Brian O'Dohertys berühmtem weißen Würfel. So entstehen neutrale Räume, in denen der Blick des Betrachters auf die Gemälde des Künstlers gerichtet werden kann . Am Eingang des neuen Museums Franz Gertsch sehen Sie das Porträt des Künstlers und ein Zitat von Paul Klee "Kunst reproduziert nicht das Sichtbare, sie macht sichtbar". Der Patron des Museums, Willy Michel, ein wohlhabender Industrieller aus Berthoud; Der Direktor, Doktor der Kunstgeschichte Reinhard Spieler und der Künstler leiten und finanzieren das Museum. Die Institution organisierte 2005 gemeinsam mit dem Kunstmuseum Bern die bislang wichtigste Retrospektive des Künstlers.

Die Welt auf Distanz bringen

Auch wenn es ungenau wäre, von abstrakter Malerei zu sprechen, lassen uns die Gemälde von Franz Gertsch manchmal in einem Universum stürzen, in dem wir unsere Orientierung verlieren. Durch den verwendeten Maßstab, die Abmessungen der Leinwände, die Darstellungssysteme oder den verwendeten Farbbereich lässt der Künstler uns durch die Grenzen seiner Bilder navigieren. Als ob sich unter dem verführerischen Furnier des Hyperrealismus ein Paralleluniversum versteckt hätte, eine vergrabene Welt, auf die es eine Schande wäre, nicht zu achten.

Ein Gemälde aus einem fotografischen Modell

Franz Gertsch transzendiert den gefrorenen Moment der Fotografie, erweckt ihn zum Leben und verewigt ihn in derselben Geste, der Malerei. 1969, im Alter von 39 Jahren, legte er das Protokoll für seine Arbeit fest: Sein Gemälde wird der objektiven Realität der Kamera nachempfunden. Er erklärt, dass "die Realität nicht mehr mit einer Kamera erfasst werden kann, weil sich der Mensch daran gewöhnt hat, die fotografierte Realität als maximale Wiedergabe der Realität zu betrachten", während er spezifiziert, dass "ein Gemälde ein Gemälde bleiben muss und die Realität nicht ersetzen darf". Seine Modelle sind Bilder, die er selbst fotografiert hat: Freunde, Familie, anonym, die sich bereit erklären, für ihn in einer fotografischen Inszenierung zu posieren. Der Künstler kann auch Bilder verwenden, die er in Zeitschriften oder Fotografien ohne vorherige Inszenierung findet. Dies zeigt sich insbesondere bei neueren Arbeiten, die aus Fotografien von Landschaften stammen.

Der Maler ist auch Fotograf und Regisseur, Manager für Zubehör, Beleuchtung und Position der Schauspieler. Er weiß, dass die Bilder zum Zeitpunkt der Aufnahme keine Fotografien bleiben und als ikonografische Grundlage für sein Gemälde dienen werden. Sein Blick als Maler-Fotograf wird es ermöglichen, Fotografien-Zukunftsbilder zu formen.

Bei der Auswahl der Bilder zeichnet Frantz Gertsch Dias, die in sehr großem Format auf eine riesige weiße Leinwand projiziert werden. Frantz Gertsch fixiert das Bild auf der Leinwand. Die Übermittlung an das Bild ist daher abgeschlossen. Franz Gertschs Gemälde basiert wie das von Chuck Close auf einem fotografischen „Modell“, bei dem der Künstler Bilder von Bildern macht.

Die Arbeiten reproduzieren daher einige der für die Verwendung dieses Mediums spezifischen Merkmale: Kontraste zwischen unscharfen Bereichen im Hintergrund und klaren Bereichen im Vordergrund, Spiel von Schatten und Licht aufgrund der Verwendung des Blitzes während der Aufnahme und Farbtransparenz verbunden mit der Verwendung der Folie zum Zeitpunkt der Ausführung der Tabelle. Die Entfernung wird daher zu einer wesentlichen Frage, in der das Thema lesbar ist.

Diese Technik erinnert an zwei Legenden: die Legende von Dibutade, der Töpfertochter von Sycione, die von Plinius dem Älteren berichtet wurde, und die Legende von Zeuxis , dem Künstler der Antike. Dibutade zeichnet dank seines Schattenwurfs den Umriss des Profils ihres Verlobten an die Wand des Familienhauses. Dieser Mythos wurde in dem frühen betrachtet XVIII - ten  Jahrhundert, als der Ursprung der Malerei und gab Anlass zu vielen Tabellen. Zeuxis hatte eine Weintraube gemalt, die so ähnlich war, dass die Vögel kamen, um sie zu picken. Frantz Gertsch ermutigt uns, über die Verführung der Mimesis hinauszugehen, indem wir darauf achten, uns nicht auf den hyperrealistischen Aspekt der Werke zu beschränken, weit davon entfernt, die anspruchsvolle und immer wieder erneuerte Praxis allein zusammenzufassen. Diese spektakuläre Seite ist auffällig und wird durch die sehr großen verwendeten Formate akzentuiert.

Dem Künstler gelingt es, die Gegenwart vom Moment der Aufnahme bis zum fotografischen Akt zu dehnen. Indem er Roland Barthes in seiner Arbeit La Chambre Claire zitiert : Note sur la photoie: "Was wir auf dem Foto sehen" war "," existierte "" "Es zeugt von einer Realität, es macht weiterhin die Gegenwart. Wir können es mit einer Musiknote vergleichen, die sich bis ins Unendliche erstreckt und die nicht länger aufhören zu können scheint, als wenn man eine Rückmeldung hört: Er war, er ist und er (scheint uns, dass er) wird immer derselbe sein.

Ein Update des Holzschnittprozesses

Die von Franz Gertsch angewandte Gravurtechnik ist Teil der alten asiatischen und europäischen Tradition des Reliefdrucks, der weißen Größe, jedoch auf innovative Weise. Seine Technik bezieht sich auf das praktizierte durchlöcherte Metall am Ende des XV - ten  Jahrhundert oder punktierte die XVIII - ten  Jahrhundert. Der Maler und Graveur sticht mit Hilfe von Furchenmessern auf die vor ihm aufgestellte Holzplatte. Diese Aussaat von Materialentnahmen führt dazu, dass so viele Lichtblitze innerhalb einer farbigen Volltonfarbe gedruckt werden. Die Modellierung erfolgt nur durch ein Netzwerk von Punkten ohne lineare Pfade oder Schatten. Franz Gertsch hebt streng genommen die Lichter der Form hervor. Um sich Schritt für Schritt auf der Holzplatte zu führen, projiziert er zeitweise eine Rutsche. Wenn das Bild verschwindet, wird das Studio eingeschaltet und der Künstler malt aus dem Gedächtnis, was er von dem projizierten Bild aufgenommen hat. Wenn wir uns dem realisierten Einsatz nähern, erscheinen winzige Löcher, die der Künstler in das Holz eingeschnitten hat und die zu Punkten werden, die dem Einfärben entkommen sind und weiße Reserven auf dem Papier erzeugen. Dieser Schuss, dieses Netz lässt Sie für eine Zeit das Gesamtbild vergessen, absorbiert in dem sich wiederholenden, aber immer unterschiedlichen Ziermotiv, das die Oberfläche des Bildes bildet. Dieser Code, diese Verschlüsselung des Bildes, wird sichtbar, wenn wir uns von der Gravur entfernen und so ein vollständiges Bild liefern, ein Ganzes, das durch die Entfernung, die wir mit ihm nehmen, einheitlich wird. Dieses punktierte Netzwerk verleiht dem Bild eine „Maserung“, ein Material, eine Präsenz, die seine Oberfläche moduliert.

Diese künstlerische Technik illustriert konkret das Zitat von Merleau-Ponty  : "Alles, was ich über die Welt weiß, weiß ich aus meiner Sicht" und nicht aus einer vermeintlich objektiven Definition. 

Der Holzschnittprozess wird durch die Auswahl der verwendeten Farben (Monochrom verleiht dieser Technik der Vorfahren einen zeitgemäßen Touch) und durch die gewählten Formate aktualisiert, die den Maßstab der Werbeplakate widerspiegeln und nicht die traditionell für die Gravur verwendeten.

Die in Franz Gertschs Stichen dargestellten Landschaften, Porträts oder Szenen sind nicht hyperrealistisch. Die Verwendung von Monochrom hält sie von Mimesis fern. Die Distanzierung mit dem Bildmodell erfolgt durch eine Vereinfachung, die nicht formal ist, wie es ein Künstler tun würde, der sich in Richtung Abstraktion bewegt, sondern chromatisch mit Schatten- und Lichtspielen, farbigen Variationen und der Textur des Bildes. 'Bild. Das Bild erscheint auf Kosten der Unterscheidung. Die Oberflächen der Gravuren können vereint erscheinen, und dann werden Formen geboren. Bei Betrachtung der Gravuren von Franz Gertsch tritt die entgegengesetzte Bewegung auf: Am Anfang sieht der Betrachter nichts, dann erscheint das Bild. In seinen Gemälden sehen wir plötzlich alles, dann verschwindet das Bild zugunsten einer Fragmentierung, die durch unseren zerstreuten Blick bewirkt wird, der sich im Bild auflöst.

Der Malprozess von Franz Gertsch ist sehr lang: Er arbeitet außerhalb von Zeit, Normen und zeitgenössischen Werten. Es werden nicht grundierte Leinwand sowie natürliche Mineralpigmente verwendet, die in Dammar-Harz und Bienenwachs gebunden sind. Die Größe der Werke verleiht ihnen einen besonderen Status. "Die Monumentalität der Formate trennt jede enge Beziehung zwischen den dargestellten Figuren und dem Betrachter." Diese Bilder verwandeln sich in Ikonen, heilige Gemälde, die den Betrachter wie die Gläubigen vor religiösen Bildern der Renaissance in Kirchen fesseln. Die Bilder werden in sehr großem Format auf japanischem Papier gedruckt, riesige Blätter, die von einem japanischen Meister hergestellt wurden: Ivano Heizaburo.

Seit den 1980er Jahren hat Franz Gertsch bewusst die Hinweise weggelassen, die es uns ermöglichen, den Zeitraum zu identifizieren, in dem das Gemälde, das wir betrachten, entstanden ist. Wenn die Gemälde der 1970er Jahre leicht mit ihrer Zeit in Verbindung zu bringen scheinen (es genügt, die Figuren, ihr Inneres, ihre Haltung, ihre Frisur, ihre Kleidung zu beobachten), zeigen die neueren Arbeiten eine Landschaft ohne Anzeichen von Präsenz. Mensch , ein Porträt ohne Anhaltspunkt, das es ermöglicht, den Charakter in einen räumlichen oder zeitlichen Kontext zu stellen. Die Gesichter der von vorne dargestellten Charaktere wie Sylvia I sagen nichts, kommunizieren nichts. Sie mustert den Betrachter mit geschlossenem Mund, ohne besondere Emotionen zu offenbaren. Der Zuschauer muss daher raten, über die Verführung der Mimesis hinauszugehen, um zu versuchen, einen Dialog mit der Arbeit zu beginnen, als ob die Emotion auf Distanz gehalten werden müsste. Die Absicht des Künstlers geht über den Wunsch hinaus, die Realität zu reproduzieren, aber den Betrachter über unsere Beziehung zu dieser Realität zu befragen. Aus diesen Werken entsteht ein mysteriöser Eindruck, als müsse der Betrachter über den Schein hinaus graben. Das Beobachten einer Landschaft von obsessiver Dichte und Präzision kann schwindlig sein. Die Ansichten, die an die Landschaften von Guadeloupe erinnern, veranschaulichen diesen Ansatz perfekt: Die Rahmung auf einem Abschnitt buschiger Landschaft mit feuchter Atmosphäre. Franz Gertsch positioniert sich sorgfältig in der Tradition eines Gemäldes, das darauf abzielt, die Realität zu reproduzieren, von Albrecht Dürer , dem Renaissance- Maler, bis zum Hyperrealismus des englischen Malers. Lucian Freud .

Eine Infragestellung des Bildes und des Verhältnisses zur Realität

Sich in der Arbeit zu verlieren, den Betrachter zu täuschen, ihn zweifeln zu lassen, was ihn umgibt: Das ist die Absicht des Künstlers, mit der Realität zu spielen.

Angesichts der Gemälde von Franz Gertsch, insbesondere der Gemälde aus der Serie Gräser, können wir unseren Blick nach Belieben über die Leinwand bewegen und uns für Ameisen halten, die das dargestellte hohe Gras überqueren. Wir haben das Gefühl, winzig zu sein und die Welt in einem anderen Maßstab zu beobachten, als wir es normalerweise benutzen. Von da an erleben wir eine Veränderung in unserer Beziehung zur Realität, machen eine neue Erfahrung, tauchen gleichzeitig in ein vertrautes, aber fremdes Universum ein und entdecken unermessliche Urwälder. Alles, was wir zu wissen glauben, wird plötzlich auf den Kopf gestellt. Eine erste Distanzierung erfolgt daher mit dem Umfang der Arbeit. Die vom Künstler verwendete Skala ist nicht der einzige Faktor, der eine Distanzierung von der realen Welt bewirkt und die Werke von Franz Gertsch von ihrem scheinbaren Hyperrealismus löst, um das Auge einzuladen, nicht an der Oberfläche zu bleiben und ins Detail zu gehen der Arbeit. Franz Gertsch interpretiert die Umwälzungen der Konsumgesellschaft auf seine Weise und erfindet ein zeitloses Gemälde, das einen Moment intensiver Intensität einfängt.

Hauptwerke

Ausstellungen

Externe Links