Comic

Ein Comic-Strip (ein Name, der allgemein als Comic-Strip oder Comic- Strip abgekürzt wird ) ist eine Form des künstlerischen Ausdrucks , die oft als "  Neunte Kunst  " bezeichnet wird und eine Aneinanderreihung von Zeichnungen (oder anderen Arten von Standbildern, aber nicht nur fotografischen) verwendet. , in Erzählsequenzen artikuliert und meist von Texten (Erzählungen, Dialogen, Lautmalereien) begleitet. Will Eisner , einer der größten Comicautoren, definierte es (vor dem Aufkommen des Internets) als "die Hauptanwendung der sequentiellen Kunst auf Papier".

Der Comic kann je nach Kontext die Ausdrucksform, also die Technik als solche, aber auch das Medium bezeichnen, das den Comic trägt (Bücher unterschiedlicher Form, digitales Medium). Sein Ursprung ist zugeschrieben Rudolph Töpffer das XIX th  Jahrhundert . Auch Richard Felton Outcault ist mit The Yellow Kid einer der Vorläufer des Genres.

In Nordamerika , wo es genannt wird , Comic - Bücher , Comics wurden populär in dem frühen XX - ten  Jahrhundert und eine wichtige Entwicklung kam in den 1930er Jahren mit dem Aufkommen des Comic - Superhelden , dessen Brückenkopf war Superman , Charakter in 1938 uraufgeführt Action Comics . Es war auch zwischen den Kriegen , dass Hergé erstellt Les Aventures de Tintin, die einen Klassiker bleibt französisch-belgische Comics mit einem so genannten klaren Linie Stil . In Japan popularisierte Osamu Tezuka Comics (dort Mangas genannt ) nach dem Zweiten Weltkrieg.

Anfänglich als Subgenre der Literatur oder als Nebenkunst im Vergleich zur Malerei betrachtet und vor allem für Kinder gedacht, erlangte Comics ab den 1960er Jahren als solche Legitimität. Seine Autoren zeigen, verkaufen Original - Boards wie andere Künstler tun können, Festivals anzieht Tausende von Besuchern gewidmet werden ihn wie das internationale Comic - Festival von Angoulême eingeweiht in 1974 in Frankreich und Anerkennung in der Kunst gewährt wird entweder durch Preise wie es der Fall für Comics of Art Spiegelmans Maus wurde 1992 mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet oder durch Ausstellungen in Museen.

Neue Genres entstehen, manche Autoren behaupten oder werden als Teil eines alternativen Comicstrips „kategorisiert“ , der neue Erzählweisen, neue Formate erforscht. Es entstehen Verlage, die sich speziell diesem Segment widmen und eine erwachsenere Kundschaft ansprechen. Dank des Aufkommens des Internets und der Verbesserung digitaler Kreativwerkzeuge greifen Comicautoren diese neue Kommunikationsform auf, indem sie unveröffentlichte Comics direkt in Form von Blogs veröffentlichen oder vom Papier zum Webcomic wechseln .

Die Komponenten eines Boards

Auf der Seite

Kleiner Nemo von Winsor McCay (1905).
  1. Gruppen
  2. Der Aufkleber (oder die Box )

In den Miniaturansichten

Detail. Der kleine Nemo fällt aus dem Bett und wacht auf.
  1. Die Blasen (Sprache, Gedanken und Ausdruck) oder Phylakterien
  2. Die Patrone
  3. die Lautmalerei

Definitionen

Wenn ein einzelnes Bild (eine Illustration, eine humorvolle Zeichnung usw.) erzählerisch sein kann, kann es nicht unter den Comic-Strip fallen, da „das Merkmal des letzteren die fortschreitende Enthüllung der erzählten Geschichte, ihre Verteilung in „Erzählungspaketen“ ist. oder hintereinander platzierte „Raum-Zeit-Fragmente“ . Es reicht jedoch nicht aus, Bilder nebeneinander zu stellen, um einen Comic-Strip zu erstellen: Sie müssen bestimmte Bedeutungs- oder Zeitbeziehungen zwischen ihnen beibehalten.

Comic-Medium

Wenn die Definition des Begriffs Comic noch von Kritikern und Comic-Spezialisten geteilt wird, haben Comic-Enthusiasten keine Schwierigkeiten, das Medium Comic in der Praxis zu definieren .

In der Praxis passiert die beiden Genres mit demselben Autor koexistieren: Aus Gründen des Formats und der Druckqualität, Marten Toonder wurde als eine Geschichte in Bildern in der Französisch regionalen Presse veröffentlicht sowie in der Tageszeitung. La Croix , aber in Comicstrip bei Artima . Die Jugendzeitschrift Cœurs vaillants zwang Hergé eine Zeitlang ein Doppelformat auf (Comic-Streifen von Tim und Struppi in Amerika , jeder Schachtel hatte eine unterlegte Legende), gab es dann auf.

Die "neunte Kunst"

Es ist üblich, zwischen „dem“ Comic und „den“ Comics zu unterscheiden. Diese Unterscheidung wird von Francis Lacassin hervorgehoben . „Der‚Cartoon ist das Konzept, dass die Kunst zu sagen ist - die 9 th  “- und die Technologie für die Realisierung dieser Kunst. „Die“ Comics sind die Medien, durch die diese Kunst vermittelt wird. Dies impliziert eine doppelte Definition, die des Comicstrips und die des Comicbuchmediums.

Comics: eine „Unterkunst“?

Da Comics eine Kunst sind, gibt es zwei Hauptwahrnehmungen dieser Kunst. Die erste Wahrnehmung betrachtet Comics als Kleinkunst, sind Comics zu Kunst. Die andere Wahrnehmung macht Comics zu einer eigenen Kunst.

Wie Popmusik oder Kriminalromane hatten Comics die größten Schwierigkeiten, wirkliche Anerkennung zu erlangen. Ursprünglich als einfaches Mittel der Unterhaltung für die Jugend gedacht, musste sich der Comic von seinem Status als Comic emanzipieren , um ein neues künstlerisches Ausdrucksmittel zu etablieren. Zu dieser Emanzipation, dieser Anerkennung haben einige Autoren maßgeblich beigetragen, wie etwa Hugo Pratt .

Dieses Gefühl scheint heute jedoch weniger stark zu sein. So schrieb Vincent Bernière 2008, dass „die Verteidigung japanischer Comics oder Comics im Allgemeinen eine Nachhutschlacht ist“ . Damit drückt er selbstbewusst sein Gefühl aus, dass die Zeit, in der Comics als Teilkunst galten, vorbei ist, auch wenn manche wie Alain Finkielkraut aus Verachtung für Bildbände noch immer von einer „Nebenkunst“ sprechen .

Wenn der Comic „von“ Kunst ist, dann muss diese Kunst mit allen vorhergehenden Bildformen verknüpft werden. Dies ist die Position von Scott McCloud . Auf diese Weise Comics der Wahrnehmung macht es notwendig , sie wieder in der großen künstlerischen und kulturellen Bewegung zu setzen , die mit den ersten beginnt Zeichnungen , die der Höhlenkunst , wie sie in der Höhle von Lascaux , auch wenn heute eine solche Verbindung künstlich ist. Apriori- Spezialisten sind sich einig, dass es sich nicht um Zeichnungsserien handelt. Darüber hinaus bleibt die erzählerische Qualität dieser Gemälde noch zu beweisen, viele Archäologen, wie der für die Stätte verantwortliche Professor Norbert Aujoulat , neigen zu einer schamanischen Interpretation (die Zeichnungen hätten eine "magische" Funktion.

Es gibt daher keinen Grund, Höhlenmalereien mit Comics und nicht mit anderen grafischen Künsten in Verbindung zu bringen, ebenso wie Basreliefs aus ägyptischen Tempeln, präkolumbianische Kodizes und Biblia pauperum aus dem Spätmittelalter . Der Philosoph und Missions Katalanisch Ramon Lull im ausgeführt XIV - ten  Jahrhundert Geschichten in nebeneinander liegenden Bildern zeigen seine Abenteuer vor allem in muslimischen Ländern. Die Bildsequenzen werden mit Hilfe von Sprechblasen dialogisiert. In der katalanischen Tradition waren Aucas eine Reihe von Bildern, die von gereimten Texten begleitet wurden, die eine Geschichte erzählten. Zu dieser Liste müssen wir auch hinzufügen: der Teppich von Bayeux , die Rolle von Josée aus der Vatikanischen Bibliothek und die 182 Collagen von Max Ernst Eine Woche der Güte . Allen diesen künstlerischen Bezügen gemein ist der Wunsch, eine Geschichte wie ein Comic zu erzählen oder die Friese des Parthenon in Athen , die Trajanssäule in Rom , die Flachreliefs des Tempels von Angkor Wat in Kambodscha .

„Die Kunstgeschichte konnte daher in der narrativen Dimension dieser Werke das Kriterium einer autonomen Disziplin innerhalb der bildenden Kunst nicht erkennen. “ Diese Vision einer großen künstlerischen Bewegung, die die Kunstgeschichte durchquert, um dem Comic ihre Adelsbriefe zu geben, wird seit der Betonung des Comics, der neunten Kunst, immer weniger beibehalten.

Im zweiten Fall, wenn der Comic "eine" Kunst ist, ist es offensichtlich notwendig zu definieren, was der Comic "eine" Kunst ist, es reicht nicht aus, dies zu bejahen. Auch hier treffen zwei Wahrnehmungen aufeinander:

Wenn der Comic nur eine grafische Neugruppierung von Text und Zeichnung ist, muss der Text notwendigerweise in grafischer Form innerhalb einer Blase in die Zeichnung eingeschrieben werden: Nach H. Filippini ist „der Comic eine Reihe von zusammenhängenden Zeichnungen. die Zeichen werden dort durch in Blasen eingeschriebene Texte ausgedrückt . Diese Definition lehnt die Autoren von Comics ab, die damals "Geschichten in Bildern" genannt wurden, wie das französische JP. Pinchon ( Bécassine ), Louis Forton ( Les Pieds Nickelés und Bibi Fricotin ), der Niederländer Marten Toonder ( Tom Pouce ), die Amerikaner Rudolph Dirks ( Katzenjammer Kids  ; auf Französisch Pim Pam Poum ) und Gustave Verbeek ( Upside-Downs  ; auf Französisch Dessus unten ). Auch Nicht-Text-Comics wie die des Amerikaners Otto Soglow ( Little King  ; französisch Le Petit Roi ), die 1975 noch keinen Text enthielten, lehnt diese Definition, vielleicht weniger kategorisch, ab .

Comic-Spezialisten verteidigen mit immer weniger Nachdruck diese zweite restriktive Sicht des Comics, selbst H. Filippini nimmt alle oben genannten Autoren in sein Dictionary of Comics auf (vgl. Bibliographie).

Diese Debatte kann jedoch nicht die von Fachleuten bleiben, sie wäre ein Paradox in Bezug auf die Popularität des Genres… Zum Beispiel „Comics“ (eine Abkürzung von genau populärem Gebrauch, die von Amateuren wenig geschätzt wird ) wird jetzt berücksichtigt als Genre innerhalb der zeitgenössischen Kunst, wenn es auf rein ästhetischer Ebene (aber nicht narrativ) aus einem künstlerischen Prozess resultiert; Diese Anerkennung führt dazu, dass Autoren ihre Originaltafeln ausstellen und verkaufen, aber dies ist ein künstlerischer Ansatz, der aus dem Comic abgeleitet ist, der als Kunst für sich betrachtet wird, da es sich in diesem Fall nur um Fragmente von Comics handelt .

Mehrere Cartoon-Häuser

Im Großen und Ganzen gibt es mehrere Bereiche und Kulturen, die mit Comics auf der ganzen Welt verbunden sind:

Entsprechend den Kulturen der einzelnen Länder in Bezug auf Comics gibt es mehrere Namen für das Medium oder die Form.

In den USA :

Viele Länder haben "Comic" einfach in ihre Umgangssprache übersetzt, wie die Portugiesen von banda desenhada sprechen oder den amerikanischen Begriff Comic verwenden . Andere wie die Brasilianer verwenden einen etwas bunteren Begriff und sprechen von história em quadrinhos (Geschichte in kleinen Tabellen). In Argentinien, Chile, Uruguay wird der Begriff Historieta (historiette) wie in Spanien verwendet. Junge Karikaturisten bevorzugen oft den amerikanischen Begriff Comic .

Europa Asien

"Anatomie" des Objekts und Lexikons

Fans einigen sich auf eine Reihe von Wörtern und Definitionen, um die verschiedenen Elemente zu beschreiben, aus denen Comics bestehen:

Ursprünglich war das Wortbrett dem vom Autor gezeichneten Originaldokument vorbehalten. Er nummeriert seine Tafel oft diskret in einer Ecke davon. Die Nummerierung der Platten ist fast nie identisch mit der Nummerierung der Seiten des Albums, in dem sie erscheinen.Im goldenen Zeitalter des Illustrierten wurden die Abenteuer der Comic-Helden in Form von Serien namens "Stories to follow" veröffentlicht und in Alben bearbeitet. Seit dem Beinahe-Verschwinden von Comic-Magazinen werden Geschichten manchmal in allen möglichen Medien, Magazinen, Fanzines, Wochen-, Tageszeitungen usw. vorveröffentlicht. bevor sie in Alben bearbeitet werden.

Die übrige Zeit werden die Geschichten direkt in Alben bearbeitet, diese Praxis verbreitet sich tendenziell. Auch wenn das französische Format (Höhe größer als Breite) dem der meisten Alben entspricht, gibt es auch Alben mit einem selteneren Format (italienisches Format, bei dem die Breite größer als die Höhe ist, quadratisches Format). Ebenso ist das Format oft größer als das eines A4-Blattes, aber die Kleinformate oder die Übersetzungen der Comics sind kleiner als das A4-Blatt. Die französischen Manga-Ausgaben nehmen ein Taschenformat an.

Internet: eine neue Form von Comics

Der Aufstieg der Online-Comics hat es dieser Kunst ermöglicht, aus dem klassischen Format hervorzugehen. Der kreative Prozess hat sich demokratisiert, wie die Produktion auf Websites wie "grandpapier" zeigt und insbesondere dank Computergrafik-Software, die es immer mehr Autoren ermöglicht, alle Schritte selbst durchzuführen. Auch der Bearbeitungsmodus kann im Internet anders sein: Serien werden jetzt auf Seiten veröffentlicht, die Abonnements mit neuen Platten mit wöchentlichem, monatlichem oder täglichem Ablauf anbieten. Dieses Verfahren, das der Ausstrahlung von Fernsehserienepisoden nachempfunden ist, ermöglicht eine gleichzeitige Förderung der Kreation. Zum Beispiel Les Autres Gens , das von etwa dreißig Autoren produziert wurde und dank des Erfolgs im Internet eine Papierversion hat.

Anwendungsunterstützung

Die Demokratisierung von Tablets und Smartphones hat es Comicautoren ermöglicht, sie zu übernehmen.

Abonnementbetrieb

Wenn wir die Abo- Anträge der großen Comic-Verlage DC mit DC Universe und Marvel mit Marvel Unlimited zitieren können , gibt es auch Vorschläge von Manga-Verlagen. Diese Plattformen bieten unbegrenzten Zugriff auf den Katalog, jedoch mit einer längeren Exit-Zeit; zum Beispiel dauert es bei Marvel 6 zusätzliche Monate, bis die Werke erscheinen.

Diese Anwendungen bieten eine globale Seitenansicht oder eine Tap-Ansicht, das heißt, wir sehen eine Box pro Tap. Dies ermöglicht das Hinzufügen von Soundeffekten und den Enthüllungseffekt, der den "Spoiler am unteren Rand der Seite"-Effekt bricht. Dieser Mechanismus ermöglicht die Anpassung an alle Bildschirmformate, auch an die kleinsten, die keine genaue Sicht auf große Tafeln ermöglichen würden.

Bewerbung als Comic-Buch schließen

Es sind viele Vorschläge erschienen, die eine Aufteilung näher am Album vorschlagen: eine Bewerbung für einen Comic-Strip.

Es gibt viele formale Vorschläge, die sich von der klassischen Tafelform wegbewegen, um sich die Möglichkeiten taktiler Medien anzueignen. Die Schriftrollen nahmen somit einen guten Platz in der Produktion ein. Wir scrollen die Geschichte kontinuierlich, wodurch die Elemente erscheinen und/oder verschwinden und die Aktivierung von Sound- oder Videoeffekten ermöglicht wird. Wir können das Beispiel von Phallaina anführen.

Geschichte

Erschien in Schweiz in den frühen 1830er Jahren mit der Veröffentlichung der ersten Alb von Rodolphe Töpffer (siehe Geschichte von Mr. Jabot ), Comics Spreads während des XIX - ten  Jahrhundert in der Welt über Zeitschriften und satirische Zeitungen (siehe vor allem in Frankreich die fixe Idee von der Gelehrte Cosinus de Christophe ). Ende dieses Jahrhunderts in Form des Comicstrips in amerikanischen Zeitungen populär gemacht , wurden Comics dann zu einem Massenmedium, ziemlich diversifiziert in den Vereinigten Staaten , in Europa immer mehr auf Humor und Kinder beschränkt .

Dominiert wird mehr und mehr die Weltpresse Kinder, über spezialisierte Zeitschriften aus den 1930er Jahren, Comics auch Jugendliche und bestimmte Erwachsene erreicht, als Teil der Comic - und Qualitätsstreifen in den Vereinigten Staaten , der „ Kleinen. “  Format  „in Europa . Ab den 1950er Jahren erlebte es ein drittes wichtiges Entwicklungszentrum, als Japan unter dem Einfluss von Osamu Tezuka massiv zu bauen begann . Die drei Schwerpunkte sind dann sowohl in den veröffentlichten Werken als auch in den redaktionellen Strukturen relativ unabhängig, nur der amerikanische Fokus durchdringt die beiden anderen .

Das Genre, das als infantil angesehen wird und Gewalt unter Jugendlichen verbreitet, wurde sogar redaktionell kontrolliert, wie in Frankreich mit dem Gesetz vom 16. Juli 1949 , das jede Veröffentlichung für junge Leute verbietet , die "Banditismus, Lügen in einem günstigen Licht präsentieren". , Diebstahl, Faulheit, Feigheit, Hass, Ausschweifung oder alle Handlungen, die als Verbrechen oder Vergehen gelten oder geeignet sind, Kinder und Jugendliche zu demoralisieren, und setzt „eine Kommission ein, die für die Überwachung und Kontrolle von Veröffentlichungen für Kinder und Jugendliche zuständig ist“. In ähnlicher Weise wurde in den Vereinigten Staaten zur gleichen Zeit die Comics Code Authority gegründet , die für die Überprüfung von Veröffentlichungen für Jugendliche zuständig war. In den 1960er Jahren, neben dem Aufkommen analytischer Strömungen wie der Kulturwissenschaft , begannen Comics, sich Legitimität zu suchen, indem sie dieses Etikett der „Kinderliteratur“ verließen, das als Phase des Übergangs zur Erwachsenenliteratur gilt.

Die Kreationen von Jean-Claude Forest in Frankreich, der Gekiga- Bewegung in Japan und des amerikanischen Undergrounds führen zu vielen Fragen, die einen ersten kritischen Diskurs in Europa und den USA erscheinen lassen. In den 1970er Jahren setzten sich die Experimente hinter Möbius fort , während der zunehmende Patentanspruch auf literarische Autorschaft Ende des Jahrzehnts mit dem Erfolg des Begriffs „ Graphic Novel  “ von Will Eisner oder dem Konzept der „Comic-Buchromane“ explodierte  , um Corto . zu fördern Maltesisch von Hugo Pratt .

Während Ende der 2000er Jahre noch klassische Unterhaltungsserien die Märkte dominierten , seit den 1980er Jahren haben Comics alle Felder der anderen Erzählkünste erkundet und sich zunehmend legitimiert gesehen, trotz der wiederkehrenden Klagen ihrer Akteure über die Langsamkeit dieser Anerkennung .

Kunst und Technik in Comics

Erstellungsprozess

Obwohl die Etappen der Entstehung eines Comics von den Künstlern und den Werken abhängen, kann ein allgemeiner Weg genannt werden:

  • Synopsis  : Geschichte oder Idee, die ursprünglich oder von einem bestehenden Werk inspiriert wurde (z. B. literarisch oder kinematografisch).
  • Szenario  : detaillierte Behandlung der Geschichte. Er legt Tafel für Tafel die Aufteilung der Handlung, die Position der Figuren fest und präsentiert die Dialoge.
  • grafische Recherche: Der Designer arbeitet am allgemeinen Stil. Er kreiert die Hauptfiguren und die Umgebung, in der sie agieren.
    Sind Ort und Zeit vorhanden oder vorhanden, wird nach typografischem und ikonografischem Material gesucht. Verlässt das Universum der Geschichte die Vorstellungskraft des Autors, orientiert sich die Forschung viel stärker am Grafikdesign.
  • Layout  : Auswahl der Blickwinkel, Rahmung und Anordnung der Miniaturansichten im Blatt.
  • Bleistiftskizze  : erster Entwurf der Zeichnung. Ab diesem Schritt wird der Job normalerweise auf einem größeren Medium ( A2-Format ) als dem gedruckten Bogen ( A4-Format ) ausgeführt.
  • Einfärben  : Vorgang, der darin besteht, die Konturen der Bleistiftskizze und die Schatten mit Tinte zu überstreichen, um der Zeichnung eine endgültige Linie zu verleihen. Schließlich wird nur dieser Plot gedruckt. In diesem Schritt werden auch die Dekorationen und die Sprechblasen hinzugefügt und positioniert. Sie sind in der Skizze nicht immer oder so prägnant vorhanden.
    Einige Autoren schreiben direkt auf den Bleistift, den sie dann durch Radieren entfernen. Damit verlieren Sie alle Spuren dieses Stadiums. Eine andere Methode besteht darin, mit einem inaktinischen blauen Bleistift eine Bleistiftskizze anzufertigen , die nicht gelöscht werden muss, wobei die hellblaue Linie in der fotografischen Reproduktion nicht erscheint oder durch Einstellungen des Scanners eliminiert wird. Andere verwenden eine transparente Ebene, die über der Bleistiftskizze platziert wird. Eine letzte Möglichkeit besteht darin, ein Lichttablett zu verwenden, indem Sie die Bleistiftskizze mit einem leeren Blatt Papier überlagern und darauf einfärben.
  • Farbgebung  : Vorgang, der darin besteht, die Farbe auszuwählen und auf die verschiedenen Zonen anzuwenden, die durch die eingefärbten Linien begrenzt sind (Zeichen, Dekorationen, Kleidung), wobei die Kontinuität der Farben auf den Tafeln respektiert wird. Der Colorist sollte auch die Lichter und Schatten im Design definieren. Die sogenannte traditionelle Farbgebung erfolgt auf einem besonderen Druck der Platte, genannt „ blau  “, bei dem die schwarzen Linien der Farbgebung  in hellblau-grau gedruckt werden.
    In der Vergangenheit wurde diese Aufgabe mit Aquarell mit Pinsel und Airbrush erledigt; Heutzutage geschieht dies oft per Computer. Farben werden zunehmend von Profis, Coloristen und manchmal auch vom Designer selbst hergestellt.
  • Direktfarbe  : Einfärben und Einfärben kann in einem Schritt erfolgen, genau wie bei einem Maler.

Das grafische Feld ist je nach verwendeter Technik groß und reicht von den ersten Zeichnungen, die mit einer Kaltnadel graviert wurden, bis hin zur Verwendung der Airbrush-Malerei bestimmter Autoren wie Juan Gimenez. Diese letzte Methode (jetzt oft sogar durch Computergrafik ersetzt) ​​ermöglicht Realisierungen, die dem Foto optisch näher sind als der Zeichnung mit dem Wegfall der Linie.

  • Beschriftung  : Der Text der Dialoge und Kommentare wird eingefärbt, indem er beim Einfärben der Tafel an den dafür vorgesehenen Stellen ausgerichtet wird. Der Vorgang wird für jede Sprache wiederholt, in der die Geschichte veröffentlicht wird.

Je nach Werk und Künstler kann dieselbe Person die gesamte oder einen Teil der kreativen Arbeit ausführen: Skript, Zeichnung, Tusche. Meistens teilen sich ein Drehbuchautor und ein Designer die Arbeit. Einige spezifischere Schritte, wie das Beschriften und Färben, können Spezialisten überlassen werden.

Enki Bilal zum Beispiel ist ein vollständiger Autor . Drehbuchautor und Designer, er arbeitet in direkter Farbe. Er hat auch die Besonderheit, die Schachteln auf separate Blätter zu zeichnen, die es ihm ermöglichen, sie nach Belieben auf der Tafel anzuordnen.

Parallelität mit anderen Künsten

Während Comics in erster Linie eine für Maler spezifische Kunst evozieren, während sie als Literatur verkauft werden (oder zumindest als solche in den Zahlen des Verlagswesens gezählt werden ), bestehen eher die Verbindungen zwischen Kino und Comic, sowohl in der Produktionstechnik als auch in den künstlerischen Mitteln umgesetzt, die die beiden Ausdrucksweisen durchdringt haben.

Dies gilt für das Schreiben und den Rhythmus der Geschichte, die Umsetzung der Sets, die Verwendung der Aufnahmewinkel (Panoramen, Tauchgänge, niedrige Tauchgänge, Nahaufnahmen, amerikanische Aufnahmen, allein die Zeichnung behält den Fokus. Möglichkeit .) der Darstellung des Charakters, der sich am Rand des Bildschirms lehnt oder geht oder ihn sogar verlässt), die Baugruppen, die Beleuchtung (mit elektronischen Gestaltungs- oder Kolorierungswerkzeugen, die jetzt in beiden Künsten üblich sind), die Begrenzung des Gesichtsfelds durch den Bildschirm oder die Seite , 2D-Vision, Sound (subjektiv für Comics, auch wenn einige Autoren wie Cosey Vorschläge für musikalische Untermalungen machen) mit Voiceover oder dem Schauspieler zugeschrieben, Ellipsen, Backtracking und andere Spiele auf der Zeitskala… Aber der Designer ist der Meister seiner Schauspieler , braucht kein Budget für Tausende von Extras oder schwierige Sets und kann jede Einstellung unbegrenzt wiederholen. Schließlich hat der Designer die Freiheit bei der Gestaltung (eine Box kann horizontal, vertikal usw. sein), wenn der Filmemacher sich auf die Leinwand beziehen muss.

Umgekehrt nutzt das Kino den Comic in seiner Entwurfsphase mit dem sogenannten Storyboard .

Marktteilnehmer

Herausgeber

französisch-belgische Verlage

Ein schnelles Ranking ermöglicht es, zwischen französischsprachigen Verlagen zu unterscheiden:

Amerikanische Verlage

Die größten sind:

  • Marvel-Comics (Avengers, X-Men, Star Wars, Guardians of the Galaxy, Spider-Man, Hulk, Captain America, Iron Man, Thor, Daredevil, Defenders, Black Panther, Howard the Duck, Tron, Wizard of Oz ... );
  • DC Comics (Batman, Superman, Justice League, Green Lantern, Flash, Wonder Woman, Arrow, Cyborg, Aquaman, Shazam, Suicide Squad…);
  • Dark Horse Comics (Hellboy, Avatar, Predator, Alien, Avatar der letzte Luftbändiger…);
  • Image-Comics (Spawn, The Walking Dead, Street Fighter, Teenage Mutant Ninja Turtles…);
  • Boom! Studios (Planet der Affen, Power Rangers, Hero 2, WWE…);
  • IDW Publishing (Jurassic Park, My Little Pony, Gi-Joe, Star Trek, Doctor Who, Teenage Mutant Ninja Turtles, Star Wars Adventures, Transformers, Zurück in die Zukunft…).
Japanische Verlage

Der Beruf des Comicautors

Ein Comic wird von einem Autor produziert, der von A bis Z alles kann, wir sprechen von einem "kompletten" Autor, oder von einem Autorenteam mit mindestens einem Drehbuchautor, der die Geschichte schreibt, einem Designer, der sie umsetzt , und manchmal ein Kolorist. Der Verlag kümmert sich dann um die eigentliche Produktion des Albums und dessen Vertrieb in Buchhandlungen.

Vollständige Autoren sind hauptsächlich in europäischen Comics zu finden , während amerikanische und asiatische Autoren häufiger in Mehrpersonenstudios mit einem Hauptautor und Assistenten organisiert sind.

In Frankreich gab es 2015 1.500 Autoren im weitesten Sinne, also Drehbuchautoren und Karikaturisten. Die Verkaufszahlen pro Album sind seit den 2000er Jahren immer weniger gut – die durchschnittliche Auflage eines Albums wurde durch fünf geteilt, die Hälfte der Autoren verdient weniger als den Mindestlohn .

Das Gehalt eines Comic - Autor richtet sich nach seiner Arbeit und Umsatzzahlen, aber im Durchschnitt ein Französisch Autor erhält zwischen € 150  und € 250  pro Seite .

Die Kritiken

ACBD und seine Veröffentlichungen

Der Markt

Der französischsprachige Markt

Der Verband der Comic-Kritiker und -Journalisten (ACBD) veröffentlicht einen Jahresbericht über den französischsprachigen Comic-Markt.

Der französischsprachige Markt im Jahr 2012

Der französischsprachige Comicmarkt erlebte 2012 eine paradoxe Situation. Seit 16 Jahren ist die Zahl der Veröffentlichungen stetig auf 5.327  erschienene Bücher gewachsen , davon 72% neu (der Rest verteilt sich auf Neuauflagen, Artbooks und Essays). Dieser wirtschaftliche „Gesundheitszustand“ kommt nach einer Krise der Branche in den Jahren 1980-1990, die jedoch 2012 übertroffen wurde.Dieser Erfolg ist jedoch nicht vollständig und nur hundert Alben profitieren von einer Auflage von mehr als 50.000 Exemplaren. Ebenso machen zehn Manga 50 % aller Umsätze in diesem Bereich aus, wobei sich der Manga-Markt nach langem Wachstum stabilisiert. Machte die Manga-Produktion Mitte der 2000er Jahre die Hälfte der Comic-Produktion aus, ging sie dann zurück und verzeichnete 2010 einen Volumenrückgang von fast 14 % und einen Wertverlust von 7,7 % und 2011 eine Stabilisierung.

Außerdem wurden dann 310 Verlage gelistet, aber vier veröffentlichten mehr als 43 % der Titel. Diese großen Gruppen zeichnen sich durch eine abwechslungsreiche Produktion und einen großen Katalog aus, während sich die kleineren Verlage oft auf eine Nische beschränkten ( Panini  : Comics und Manga, Bamboo  : hauptsächlich Humor, der Verein  : Autoren-Comics, etc.) und weniger reichen Fonds. Das hindert große Erfolge wie The Profs, herausgegeben von Bamboo (120.000 Exemplare) oder The Simpsons, herausgegeben von Jungle (150.000 Exemplare), nicht. Die Lage war daher gemischt und einige befürchteten, dass eine Überproduktion das Gleichgewicht dieses Marktes gefährden würde.

Der französische Markt im Jahr 2015

In der Zeitschrift Caractère analysiert die Journalistin Isabelle Calvo-Duval den Jahresbericht 2015 von Gilles Ratier für die Association of Comic Book Critics and Journalist (ACBD). Der Autor analysiert, dass die Branche in den 1990er Jahren rund 800 Publikationen hatte, während es in den 2000er Jahren 1.563  Bücher waren. 2015 veröffentlichten 368 Verlage 5.255 Bücher, davon 35,2 % von drei Marken: Média-Participations (Dargaud, Dupuis, Lombard, Kana  usw. ) mit 762 Titeln, Delcourt (698 Titel) und Glénat (392 Titel).

Im Jahr 2015 machte Frankreich 50 % des Manga- Verkaufs in Europa aus, während japanische Comics 40 % des Marktes in Frankreich ausmachten. Dieses Land ist seit mehreren Jahren der zweitgrößte Manga-Verbraucher der Welt, hinter Japan, bis zu dem Punkt, dass einige Verlage - eine einzigartige Tatsache - beschlossen haben, bestimmte Bände gleichzeitig in beiden Sprachen, Japanisch und Französisch, zu veröffentlichen.

Der französische Markt 2017

In Les Échos im Oktober 2017 Journalisten Michael Mastrangelo und Mélanie Chenouard zeigen an, dass „der Comic - Sektor 20% Umsatzwachstum in den letzten 10 Jahren erlebt hat“ , die in dem Französisch Ausgabe Orten Comics an dritter Stelle (nach dem allgemeinen Literatur und Kinder Auflage) und dies zum ersten Mal. Die Leserschaft ist zu 53 % weiblich.

Gebrauchtmarkt

Der Comic-Gebrauchtmarkt ist ein dynamischer Markt , insbesondere in Belgien, getragen von den verschiedenen Festivals und von spezialisierten Buchhandlungen.

Markt für Originalausgaben und Widmungen

Die Originalausgaben sind die erstmals veröffentlichten Alben (in begrenzter Anzahl). Wenn das Album erfolgreich ist, kann es viele Male neu aufgelegt werden; Sammler legen manchmal einen sehr hohen Wert auf die Alben der Originalausgabe. Der Wert variiert je nach Seltenheit der Originalausgabe, dem Zustand des Albums und dem Vorhandensein einer Widmung. Die Karikatur , die auf dem höchsten Preis verkauft wurde bisher ist eine Kopie der ersten Ausgabe von Action Comics , die zu einem Preis von gehandelt wurden 3.207.852  Dollar (ca. 2.367.716  Euro * ) auf eBay der24. August 2014. Laut Les Échos im Jahr 2017 ist der Markt für Investment-Comics (die ursprünglichen Boards) „seit 2007 in Schwung gekommen – insbesondere mit dem Verkauf von Bilal – und steigt weiter an, mit Beträgen, die manchmal stratosphärische sind“  ; andererseits stagnieren die Preise der Objekte .

Eine Widmung ist eine vom Autor eines Comics angefertigte Originalzeichnung, die normalerweise einem Leser gewidmet ist. Diese Widmung wird oft auf eine der leeren Seiten gezeichnet, die das Album beginnen oder beenden. Die Comic-Festivals beinhalten oft viele Stände Widmung; Die Popularität der Autoren ist ein wichtiger Faktor, um Besucher anzuziehen. Buchhändler können auch Autoren zur Unterschrift einladen. In Frankreich sind Widmungen grundsätzlich kostenlos, können aber durch das Los vergeben werden. Manche Leute, die ihre frisch erhaltene Widmung zum Teil zu einem hohen Preis weiterverkaufen, provozieren die Verzweiflung der Autoren. In den USA sind gezeichnete Widmungen für den Leser kostenpflichtig; der Autor wird damit entlohnt.

Original Boards Markt

Die Originaltafel ist das Medium (in der Regel im A2-Format), auf dem der Autor seine Zeichnung ausgeführt hat. Frühe Comic-Autoren legten nach der Drucklegung des Albums wenig Wert auf diese Dokumente. Derzeit konkurrieren Enthusiasten um diese Boards zu einem Goldpreis.

Auktionen und Bewertung der 9 th  Kunst

Anfangs wertlos, stiegen die Preise der Originaltafeln in den 1990er und 2000er Jahren. Die erste Comic-Auktion fand 1989 statt. Die Verkaufszahlen erreichten 2015 etwa vierzig pro Jahr, was Comics zu einem der aktivsten Märkte machen würde. Einige wenige Autoren ziehen die Mehrheit der Auktionshauskunden an, angefangen bei Hergé, dem Schöpfer der Serie Les Aventures de Tintin , der zu Lebzeiten seine Originalbretter oft mit einer Widmung anbot. Dieser Preisanstieg bringt Stücke, die in den Auktionssälen verschwunden waren.

Angeboten von Artcurial wurde eine Originalzeichnung aus dem Album Le Lotus bleu Anfang Oktober 2015 in Hongkong für 1,1 Millionen Euro verkauft. Im selben Monat wurde ein Doppelbrett von Hergé für das Album Le Scepter d'Ottokar für knapp 1.563 Millionen Euro verkauft. Dieser am 6. Juli 1939 in Le Petit Vingtième veröffentlichte Teller wurde auf 600.000 bis 800.000 Euro geschätzt. Dieses Doppelbrett stammt von einem belgischen Privatsammler, Jean-Arnold Schoofs. Unter anderem werden Originale von Spirou und Fantasio , Asterix oder Blake und Mortimer angeboten .

Den absoluten Rekord halten die dunkelblauen Titelseiten von Tintins Alben, die 2014 mit 2,6 Millionen Euro verkauft wurden. Ein Gouache-Cover von Tintin in America wurde 2012 ebenfalls für 1,3 Millionen Euro versteigert. Dieses Cover ist eine der seltenen farbigen Zeichnungen von Hergé.

Auch Bilals Werke werden im Schnitt für rund 100.000 Euro verkauft. Die anderen Comiczeichner sind weit davon entfernt, diese Preise zu erreichen, die Boards von Jean Giraud beispielsweise lagen 2007 bei einigen Zehntausend Euro.

Komik, die n o  1 von Action Comics , der ersten Zeitschrift Superman gewidmet und deren wenige Exemplare verfügbar bleiben in gutem Zustand, wurde etwa 1,6 Millionen Euro im Dezember 2011 verkauft , aber nicht durch ein Auktionshaus Auktion. Bei eBay ging eine Kopie für 3 Millionen Dollar.

Derivate

Die berühmtesten Comics inspirieren die Kreation vieler abgeleiteter Produkte (Figuren, Poster…).

Einige Comic-Helden werden auch auf sogenannten "lizensierten" Gegenständen verwendet: Kleidung, Schreibwaren, Charaktere oder sogar Nachbildungen von Szenen aus einem erfolgreichen Comic wie den langjährigen Walt-Disney- Figuren oder neuerdings denen von Tintin, Asterix und viele andere.

In Institutionen

Fachmuseen, Archive, Bibliotheken

Comics haben, wie jede reife Kunst, ihre spezialisierten Institutionen. Zu den wichtigsten Zentren zählen:

Autorenausstellungen in Museen

Einzelausstellungen

Der Comic hat seinen Platz als eigenständige Kunst, seine Autoren stellen auch in großen Museen aus, die früher anderen Kunstformen wie Malerei oder Skulptur vorbehalten waren. So Robert Crumb hat am ausgestellt Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris im Jahr 2012, aber Enki Bilal am Louvre im Jahr 2013.

Das Centre Georges Pompidou bietet im März-Mai 2012 eine Retrospektive "  Art Spiegelman  : CO-MIX - eine Retrospektive von Comics, Grafiken und verschiedenen Trümmern  " an.

Thematische Gruppenausstellungen

Gruppenausstellungen können ein gesellschaftliches und politisches Thema widerspiegeln. So notiert der Comic-Kolumnist Frédéric Potet in Le Monde "Erste-Person-Berichte, detaillierte Berichte, Berichte ... Comics haben die Migrationskrise erfasst" . Tatsächlich bot das Nationalmuseum für Einwanderungsgeschichte im Oktober 2013 500 Dokumente an, um die Beziehung zwischen Comics und „Migrationsbewegung“ zu untersuchen. Im Juni 2018 organisiert das Lyon BD Festival eine Ausstellung mit dem Titel Refugees to `study ", wie die 9. Kunst mit der Situation von Flüchtlingen umgeht, die in den letzten Jahren unter Lebensgefahr in Europa angekommen sind, und zwar in nie schon gesehen" . Der Autor zitiert mehrere zu diesem Thema durch ihre Werke beschäftigten Künstler wie Zep , Alessandro Tota , Ivan Brun , Joe Sacco ,  usw. Im Januar 2017 organisiert das Shoah Memorial die Ausstellung Shoah and Comics , die unter anderem Arbeiten von Art Spiegelman zeigt. In den Jahren 2018-2019 organisiert das Louvre-Museum eine Ausstellung, die zeigt, „wie die 9. Kunst zwischen Realität und Fiktion die archäologischen Entdeckungen am Ursprung der Louvre-Sammlungen aneignet“ .

Universitäten

Comics halten nach und nach Einzug in die Hochschulen. So gab die Lancaster University im Nordwesten Englands im November 2015 bekannt, dass Benoît Peeters einer ihrer Gastprofessoren sein wird, um „Graphic Novel and the art of Comics“ zu lehren . Diese Premiere in der Welt des Comics zeigt, dass sich eine gewisse Legitimität als Kunst abzeichnet.

Gemeinschaftsereignisse

Feste

Wie das Kino haben auch Comics ihre Festivals. Dies sind in der Regel jährliche Veranstaltungen, die Comics an einem oder mehreren Tagen gewidmet sind. Die Leser können Autoren und Verleger treffen, Vorträge besuchen oder eine Ausstellung mit Originalzeichnungen oder -tafeln besuchen .

Das Treffen mit einem Autor ist auch eine Gelegenheit, sein Album signieren zu lassen ; Andererseits variiert die Wartezeit, um es zu erhalten, je nach Popularität des Autors.

In der Welt der amerikanischen und asiatischen Comics wird der Begriff "  Convention " auch verwendet, um solche Zusammenkünfte zu bezeichnen, wie Anime-Conventions wie den Comic Market . Eine der bekanntesten amerikanischen Conventions ist die Comic-Con, die in San Diego stattfindet und sich nach und nach über Comics hinaus auf andere Universen wie Kino oder Videospiele ausgeweitet hat.

In Frankreich ist das Angoulême International Comics Festival (FIBD), das 1974 ins Leben gerufen wurde und traditionell Ende Januar stattfindet , das bedeutendste in Frankreich . In Italien ist das 1965 gegründete Lucca Comic Strip Festival eines der ältesten Festivals, das sich dem Genre widmet.

Preise und Auszeichnungen

Die meisten Preise werden jährlich verliehen und sind mit einer Geldsumme oder einer Trophäe verbunden. Diese Preise können auch Karikaturisten , Karikaturisten oder Pressekarikaturisten belohnen .

Es kommt vor, dass generalistische Literaturpreise Comic-Kategorien ( Hugo-Preis ) haben oder Comics im Rahmen einer weiten Interpretation des Wortes „Literar“ als „Buch“ belohnen. Im französischsprachigen Raum hat kein Comic-Preis die Aura von Literaturpreisen, der bekannteste ist der Grand Prix de la ville d'Angoulême , der seit 1974 beim Angoulême-Festival an einen Autor für sein Werk verliehen wird.

Aufzeichnungen

Der Comic ist Gegenstand von Aufführungen, die im Guinness-Buch der Rekorde aufgeführt sind . Der längste Comicstrip wurde in Lyon während des Lyon BD Festivals im Jahr 2016 über 1,6  km produziert und entthronte damit den bisherigen amerikanischen Rekord von 1,2  km .

In Kultur und Medien

Kommunikation durch Comics

Comics haben sich schnell als effektiver Kommunikationsträger für alle Zielgruppen etabliert:

  • Glénat concept ist die erste Comic-Kommunikationsagentur (gegründet 1984 und unter der Leitung von Roger Brunel )
  • In Belgien hat sich Cartoonbase seit 1997 auf diesen Bereich spezialisiert.

Comic-Rezensionen, Journalismus und Kritik

Fernsehsendungen, die Comics gewidmet sind

Unter den Shows rund um Comics können wir Tac au Tac in Frankreich nennen , das zwischen 1969 und 1975 auf den ORTF- Kanälen ausgestrahlt wurde . In Kooperation oder Konfrontation gönnten sich die Gäste improvisierte Zeichnungen , oft kollektiv, eingerahmt von Zwängen, die von surrealistischen Spielen wie der exquisiten Leiche inspiriert waren . Viele Karikaturisten nahmen teil, wie Gotlib , Franquin , Mandryka , Jean Giraud , Claire Bretécher , Hugo Pratt , Uderzo , Morris ...

Andere Sendungen, La Bande à Bédé , Abschnitt der Sendung Récré A2 , die zwischen 1980 und 1986 am Mittwochnachmittag ausgestrahlt wurde, sowie Un monde de bubbles, die von 2005 bis 2013 auf dem parlamentarischen Kanal Public Senate auf Kanal 13 von TNT French ausgestrahlt wurde Letzteres, geschaffen von Jean-Pierre Elkabbach und Jean-Philippe Lefèvre, beleuchtete die Autoren, Drehbuchautoren und Karikaturisten in Form von Berichten und enthüllte so hinter die Kulissen, die Entstehung und den Prozess dieses Mediums. Sie entschlüsselte auch die Veröffentlichungen, spezifische Termine zu diesem Thema wie Festivals und sendete manchmal Trailer von Filmen, die auf diesem Medium basieren.

Vom Comic zum Kino

Die Comic - und Filmindustrie wurden in der gleichen Zeit geboren und haben viele gemeinsame Merkmale (die Sequenz, die Erzählung, die Schüsse). Brücken verbanden diese beiden Medien auf natürliche Weise. Lange Zeit waren die Adaptionen von Comics im Kino (oder in Fernsehserien) Produktionen mit geringem Budget und ohne große künstlerische Ambitionen (mit wenigen Ausnahmen wie Barbarella ): Lucky Luke , Gros Dégueulasse , Fais gaffe à la gaffe ( Gaston Lagaffe ), Spiderman . In den Vereinigten Staaten wurden Anfang der 1980er Jahre echte Comic-Filme geboren, die die Klassiker des Comic-Strips neu aufgreifen : Popeye von Robert Altman , Annie von John Huston , Flash Gordon , Dick Tracy , Superman von Richard Lester . usw.

Ende der 1980er Jahre beschritt Tim Burton mit seinem Batman einen neuen Weg  : Mit den Comics aufgewachsen und den jüngsten Entwicklungen des Genres ( Frank Miller , Alan Moore ) gefolgt , verfilmt Burton Batman als düster und dramatisch Geschichte. Schließlich nehmen wir einen Superhelden ernst. Fortschritte bei digitalen Spezialeffekten in den 1990er Jahren machten die überbordenden Effekte, die sich einst von Stan Lee und Jack Kirby einst vorgestellt hatten, fast visuell glaubwürdig , was zur Entstehung einer großen Anzahl von Comic-inspirierten Filmen führte. Bücher: Spider-Man von Sam Raimi , the X- Men , Daredevil , Catwoman , The League of Extraordinary Gentlemen , The Crow , etc.).

Die Helden der französischsprachigen Comics wie: Asterix , Bécassine und der Wikingerschatz , Die Abenteuer von Tim und Struppi: Das Geheimnis des Einhorns , Sur la piste du Marsupilami , Titeuf, der Film , Boule et Bill , Largo Winch , Die außergewöhnlichen Abenteuer von 'Adèle Blanc-Sec , The Smurfs und neuerdings Les Profs , profitieren von gleichwertigen Mitteln.

Hinweise und Referenzen

Anmerkungen

  1. Dieser Name stammt aus der Artikelserie Neuvième Art, Comic-Museum, die zwischen 1964 und 1967 im Journal de Spirou unter der Unterschrift von Morris veröffentlicht wurde (die erste Ausgabe stammt vom 17. Dezember 1964, Weihnachtssonderausgabe, Nr. o  1392) . Diese Klassifikation wurde von Francis Lacassin in seinem Buch Pour un nineth art, comic strip aufgegriffen und populär gemacht . Die Vaterschaft des Ausdrucks wird jedoch von dem Kritiker und Filmhistoriker Claude Beylie behauptet , der ihn im März 1964 in der Zeitschrift Lettres et Médecins zum ersten Mal verwendet (Artikel „Ist Comicstrip eine Kunst?“) . Quelle: Lettres et Médecins , Literaturbeilage zu La Vie Médicale , Ausgabe vom März 1964.

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Siehe auch

Literaturverzeichnis

Zum Thema passende Artikel

Externe Links