Kino

Das Theater ist eine darstellende Kunst . Im Französischen wird sie  nach dem Ausdruck des Kritikers Ricciotto Canudo in den 1920er Jahren als "  siebte Kunst " bezeichnet . Die Filmkunst zeichnet sich durch das dem Publikum in Form eines Films angebotene Spektakel aus , dh eine Geschichte (fiktional oder dokumentarisch), die von einem Medium (Flexfilm, Magnetband, digitaler Behälter) transportiert wird, das aufgezeichnet und dann gelesen wird durch einen kontinuierlichen oder intermittierenden Mechanismus, der die Illusion von bewegten Bildern erzeugt, oder durch kontinuierliche Aufzeichnung und Wiedergabe von Computerdaten. Die öffentliche Wiedergabe der aufgezeichneten Aufführung, die sich damit von der Live-Aufführung unterscheidet , erfolgt zunächst durch die Beleuchtung durch das Medium, den Durchgang von Licht durch eine Reihe von Spiegeln oder / und optischen Linsen und die Projektion dieses Lichtstrahls auf einen transparenten (Émile Reynaud, Thomas Edison) oder undurchsichtigen (Louis Lumière) Bildschirm oder die Verbreitung des digitalen Signals auf einem Plasma- oder LED-Bildschirm. Kino ist im ursprünglichen und einschränkenden Sinne die öffentliche Projektion eines Films auf eine Leinwand (drinnen oder draußen). Bereits Émile Reynaud im Jahr 1892 erkannten Filmemacher, dass die geplante Show davon profitieren würde, von Musik begleitet zu werden, die die Stimmung der Geschichte aufbaut oder jede dargestellte Aktion unterstreicht. Sehr schnell fügen sie bei jedem Screening Geräusche hinzu, die von einem Assistenten verursacht werden, und lassen die Aktionen von einem ebenfalls im Raum anwesenden Marktschreier kommentieren. Seit seiner Erfindung ist das Kino zugleich Volkskunst , Unterhaltung , Industrie und Medium geworden . Es kann auch für Werbe-, Propaganda- , Bildungs- oder wissenschaftliche Forschungszwecke oder als Teil einer persönlichen und einzigartigen künstlerischen Praxis verwendet werden.

Der Begriff „Kino“ ist die Abkürzung von Kinematographen (aus dem Griechischen κίνημα / KINEMA , „Bewegung“ und γραφή / graphe „Kunst des Schreibens, das Schreiben“), Namen gegeben Léon Bouly in der Kamera , die er das eingereichte Patent in 1892 . Nachdem er die Rechte in den folgenden Jahren nicht mehr bezahlt hatte und seine Erfindung zu Ende ging, verlor er den Besitz und die Brüder Lumière nahmen diesen Namen zurück. Antoine Lumière (der Vater) hätte es vorgezogen, die Maschine seiner Söhne "Domitor" zu nennen, aber Louis und Auguste bevorzugten Cinématographe, ein ihrer Meinung nach dynamischeres Wort. Antoines Wort kam jedoch 1985 zurück , als die Internationale Vereinigung zur Entwicklung der frühen Filmforschung mit ein wenig Humor ihren Verein Domitor nannte . Das Wort Kino ist polysem, es kann die Filmkunst bezeichnen, die Techniken der animierten Aufnahmen und deren Präsentation an die Öffentlichkeit, oder sogar metonymisch den Raum, in dem die Filme gezeigt werden. In diesem letzten Sinne wird der Begriff selbst im Französischen in der Umgangssprache oft in "ciné" oder "cinoche" abgekürzt, wobei der Hinweis auf die Projektionswand auch den Ausdruck von Cinephilen "To make a web" gegeben hat. In der gleichen Richtung, „make Kino“, „ist Kino“ (das ist unwahr oder übertrieben), ist Ausdruck der geboren 7 th  Kunst.

Beachten Sie, dass in 1891 , Thomas Edison genannt Kinetograph Kamera die animierte Fotokamera , dass er sich vor , und dass sein Assistent William Kennedy Laurie Dickson , entwickelt, und die an der Entstehung der ersten ist Filme des Kinos , von 1891 . Dieser Begriff des Kinetographen (nach dem altgriechischen kinetos und graphein, was jeweils „animiert“ und „schreiben“ bedeutet) wird in mehreren anderen Sprachen als Latein als Grundlage für den Namen des Kinos verwendet. Kino , sowohl in Deutsch als auch in Russisch und in vielen anderen Sprachen, weist auf das Kino hin.

Wenn Filme repräsentative Objekte bestimmter Kulturen sind, die sie manchmal getreu wiedergeben, ist ihre Verbreitung potenziell universell, die Geschichten, die sie vermitteln, basieren in der Tat auf den großen Gefühlen, die die gesamte Menschheit teilt. Ihre Verwertung in den Kinos, begünstigt durch die Untertitelung oder Synchronisation der Dialoge, ist auf kommerzieller Ebene zweitrangig geworden, der Verkauf der Senderechte an Fernsehsender und ihre Verfügbarkeit in inländischen Formaten sind zu den Hauptquellen der Kinoeinnahmen geworden.

Geschichte

Precinema und Erstlingsfrüchte

Das Kino wurde Ende des geborenen XIX - ten  Jahrhunderts . Um die Forschung zu bezeichnen, die zur Erfindung des Kinos führte, also vor den ersten Filmen im Jahr 1891 , spricht man von Precinema . Es wird oft gesagt, dass die Erfinder des Kinos die Brüder Lumière waren . Sie selbst behaupteten nicht so viel und korrigierten diese Behauptung, indem sie daran erinnerten, dass das Kino das Ergebnis fieberhafter Forschungen auf der ganzen Welt sei und dass alle ihre Ziele "im Taschentuch" erreicht hätten. Tatsächlich wurden die ersten Filme, wie Laurent Mannoni, Filmhistoriker und Kurator für Geräte an der Cinémathèque française, betont, mit der Kinetograph-Kamera (auf Griechisch, Schrift der Bewegung) „Kamera des Amerikaners Thomas Edison , patentiert August . aufgenommen 24, 1891, unter Verwendung des mit Öffnungen versehenen Films 35  mm und eines intermittierenden Vorschubsystems des Films mit "Ratsche". "

„Einhundertachtundvierzig Filme wurden zwischen 1890 und September 1895 von Dickson und William Heise in einem in West Orange gebauten Studio gedreht, der „Black Maria“, einer auf Schienen montierten Struktur, die nach der Sonne ausgerichtet werden kann. "

Aber die Illusion bewegter Bilder gegeben vor (Anfang XIX - ten  Jahrhundert ) durch wissenschaftliches Spielzeug , dass die Verwendung Zeichnungen eines Subjekts in den verschiedenen Phasen einer Geste Spaltung in ein oder zwei Dutzende Vignetten , in denen Menschen nacheinander durch Schlitze oder durch rotierenden Spiegel beobachten. Diese von einem wohlhabenden Publikum geliebten optischen Spielzeuge oder "Wohnzimmerspielzeuge" zielen darauf ab, die wissenschaftliche Neugier in den Köpfen von Kindern aus guten Familien zu wecken. Dazu gehören das Phénakistiscope des Belgiers Joseph Plateau , das Zootrope des Engländers William George Horner , das Folioscope des Franzosen Pierre-Hubert Desvignes, das eine Adaption des Flipbooks des Engländers John Barnes Linnett ist , und das Praxinoscope des Franzosen Émile Reynaud. . Ohne das Zoopraxiscope des britischen Fotografen Eadweard Muybridge zu vergessen , aber es sollte beachtet werden, dass Muybridge und sein berühmtes französisches Äquivalent iennetienne -Jules Marey und sein Assistent Georges Demenÿ verschiedene Maschinen oder optische Verfahren mit eher wissenschaftlichen als kommerziellen Zwecken entwickeln, um zu zersetzen und damit die Bewegungen von Menschen oder Tieren untersuchen und im Allgemeinen jedes Phänomen, das zu schnell für das menschliche Auge analysiert werden kann (Beispiele: Tropfen eines Wassertropfens, Explosionen oder chemische Reaktionen).

Erste Filme

In 1891 war es unter der Leitung des amerikanischen Thomas Edison , dem Erfinder der industriellen Herstellung von Glühbirnen und dem Designer und Hersteller des Phonograph , dass sein Hauptmitarbeiter, der Elektroingenieur William Kennedy Laurie Dickson , ist es gelungen, fotografische Aufnahmen animiert und deren öffentliche Präsentation.

Erste Aufnahmekameras

Thomas Edison, der in seiner Jugend fast taub wurde, träumt davon, einen Phonographen mit einer Maschine zu kombinieren, die das Bild eines Sängers oder eines Orchesters aufzeichnet, das ein Lied oder eine Opernarie spielt. „So könnten wir fünfzig Jahre später ein Konzert der Metropolitan Opera besuchen , wenn alle Interpreten längst verschwunden wären .

Eine grundlegende Erfindung kommt zur rechten Zeit. Das des Amerikaners John Carbutt, der im Jahr 1888 einen flexiblen Zelluloidträger für die Fotografie auf den Markt brachte, der in den Fabriken von George Eastman hergestellt wurde und in Platten und Rollen mit einer Breite von 70 mm geschnitten wurde  , beschichtet oder nicht mit lichtempfindlicher Substanz. Das Jahr 1888 kann somit als das Ende des Vorkinos und als der Beginn des Kinos betrachtet werden. Aus dem flexiblen, ungelochten Band von Carbutt-Eastman schufen Edison und Dickson zunächst ein spezifisches 19-mm- Breitformat  . Es handelt sich um ein Format mit kreisförmigen Fotogrammen von etwa 13  mm Durchmesser (ein Überleben optischer Spielzeuge), die horizontal scrollen, angetrieben von einer einzigen Reihe abgerundeter rechteckiger Perforationen , die am unteren Rand der Fotogramme angeordnet sind, mit einer Geschwindigkeit von 6 Perforationen pro Bild . Dickson und sein Assistent William Heise aufgenommen , die ersten Kinofilme auf diesem Medium . „Die von Dickson gedrehten Bänder sind streng genommen die ersten Filme. " Der Mechanismus, mit dem der Film vorgeschoben und hinter der Linse angehalten wird, um ein Bild zu bedrucken, und dann sofort wieder gestartet wird, um anzuhalten, um ein anderes Bild zu beeindrucken, ist in der Welt der Mechanik bereits bekannt: das Sperrrad für den elektrischen Vorschub. Es war Edison, der die Idee hatte, das englische Wort film zu verwenden , was "Schleier", "Schicht" bedeutet, um die Filmrollen zu bezeichnen, die beeindruckt waren.

In einem dieser Filme filmt William Heise Dickson, der seinen Hut vor zukünftigen Zuschauern schwenkt. Es ist im Prinzip der erste Film des Kinos, sagen einige Historiker, aber für andere ist es immer noch ein Essay, der Teil des Vorurteils ist . Es trägt den Titel The Hi Dickson ( Dickson Greeting ), das weniger als zehn Sekunden dauert, von denen nur noch zwei Sekunden übrig bleiben. Es wurde am 20. Mai 1891 vor einer Versammlung von 150 Aktivistinnen der Föderation der Frauenvereine präsentiert . Der Erfolg ist da, die Zuschauer, einzeln oder zu zweit, drängen sich um die Kinetoskope und jeder schaut sich mehrfach Dicksons Salute an , zeigt ihr Erstaunen und ihre Zufriedenheit, die erste öffentliche Aufführung eines Films. Der gewünschte Zyklus der Aufzeichnung des Satzes und seiner Restitution ist schließlich erreicht, das Datum wird durch diese öffentliche Präsentation bestätigt, die ersten Filme sind die von Edison-Dickson.

Im Jahr 1893 beschlossen Edison und Dickson, die Oberfläche der Fotogramme zu vergrößern, indem sie den 70 mm Eastman-Träger in zwei 35 mm breite  Rollen schneiden  , die sie mit 2 Sätzen von 4 rechteckigen Perforationen für jedes Fotogramm versehen und die diesmal vertikal scrollen. Damit begründeten sie das, was zwanzig Jahre später das internationale Standardformat für kinematografische Aufnahmen und Projektionen werden sollte . Dieses Format, 35 mm , wird noch heute verwendet, obwohl es durch digitale Verfahren musealisiert wurde.

Erstes Gerät zum Betrachten von Filmen

Parallel zum Experimentieren mit diesen beiden Formaten entwickelte Dickson in der Edison-Industrieumgebung ein Gerät, um zukünftige Filme in Bewegung zu sehen, das Kinetoskop , einen Holzschrank, an den sich der Betrachter lehnt und einzeln einen Film betrachten kann, der sich kontinuierlich entfaltet, von einem Elektromotor angetrieben, vor einem Leuchtkasten. Der Benutzer beobachtet den Film durch eine Augenmuschel und eine Lupe. Die Bewegung wird durch den Durchgang eines beweglichen Scheibenverschlusses wiederhergestellt , der dank der Perforationen mit dem Lauf des Films synchronisiert ist und die Bilder nacheinander mit einer Geschwindigkeit von 18 Einheiten pro Sekunde freigibt. „  Das Kino, wie wir es heute kennen, begann mit der Erfindung des Kinetographen und Kinetoskops. Diese beiden Instrumente stellen die erste praktische Methode der Kinematographie dar  “ (Kino, wie wir es heute kennen, begann mit der Erfindung des Kinetographen und des Kinetoskops. Diese beiden Maschinen sind die erste erfolgreiche Methode des kinematographischen Schießens).

Die Kinetoskope (deren Handelsname genau Kinetoskop-Peep-Show-Maschine ist ) ziehen viele Neugierige an, aber Edison meldet in der Siegeseuphorie das Patent seines Geräts nur für das amerikanische Territorium an, ein erschütternder Fehler eines noch wählerischen Mannes und streitig. Fälschungen werden sich sofort auf der ganzen Welt entwickeln, Edison kann nichts dagegen tun. „Da war es natürlich schon zu spät, meine Interessen zu wahren“, schrieb er in seinen Memoiren. Im Sommer 1894 organisierte er jedoch in Paris öffentliche Vorführungen von Kinetoskopen , an denen Antoine Lumière , ein sehr talentierter Fotograf und Vater von Auguste und Louis, teilnahm. Antoine besucht auch, nur wenige Schritte entfernt, eine Vorführung der ersten Zeichentrickfilme , die der französische Designer und Erfinder Émile Reynaud im Keller des Musée Grévin mit seinem Optischen Theater präsentiert . Antoine kehrt nach Lyon zurück und führt seine Söhne zum Entwurf von Maschinen, die dem Kinetographen und dem Kinetoskop entsprechen .

So können wir am 26. Dezember 1894 in der Tageszeitung Le Lyon Républicain lesen , dass die Gebrüder Lumière "derzeit am Bau eines neuen Kinetographen arbeiten , der nicht weniger bemerkenswert ist als der von Edison und den die Lyonnais bald haben werden". , glauben wir, die Premiere “, ein unwiderlegbarer Beweis für den Vorrang von Edison-Maschinen und -Filmen gegenüber seinen französischen Konkurrenten. Der Kinohistoriker Georges Sadoul behauptet laut und deutlich, dass "die von Dickson gedrehten Bänder streng genommen die ersten Filme sind", aber im selben Buch liefert er einen beeindruckenden Essay über die Weltchronologie, fünftausend Filme aus fünfzig Ländern , die "es beginnt". in 1892 , mit den Projektionen von Émile Reynaud. Der Historiker berücksichtigt sowohl Dicksons Essays zwischen 1888 und 1891 (einschließlich Dicksons Salut , die er nur als Essay betrachtet) als auch Reynauds Luminous Pantomimes. Aus diesen öffentlichen Präsentationen wird weltweit ein wahnsinniger Wettlauf gestartet, um ein Äquivalent zu Edisons Maschinen zu finden und wenn möglich deren Technik zu verbessern. Bekanntlich gewinnt Louis Lumière das Rennen (seine persönliche Erfindung - in Zusammenarbeit mit dem Pariser Ingenieur Jules Carpentier  - wird in der Regel mit dem Namen der "Brüder Lumière" unterschrieben, da zwischen den beiden Söhnen von Antoine ein stillschweigender Vertrag besteht , wonach jede Erfindung Teil des gemeinsamen Erbes von Lumière und der zukünftigen Nachfolge des Vaters ist).

Ab 1893 eröffnete Edison fast überall in den Vereinigten Staaten oder ließ unter Lizenz Kinetoscope Parlors eröffnen, Räume, in denen mehrere Geräte aufgereiht mit verschiedenen Filmen geladen waren, die gegen einen festen Eintrittspreis von 25 Cent angesehen werden konnten. Dies sind die ersten echten Kinoeinnahmen, die Vorfahren, sozusagen, der Kinos . Laurie Dickson ist verantwortlich für die Regie der notwendigen Filmdrehs und ist damit der erste Regisseur der Geschichte. Er baute das erste Filmstudio , die Schwarze Maria (beliebter Spitzname für Polizeiwagen, schwarz und unbequem), bedeckt mit schwarzer Teerpappe, die im Inneren wie ein überhitztes Gewächshaus wirkt. Das kleine Gebäude mit Schiebedach sitzt auf einer kreisrunden Schiene und kann sich nach dem Sonnenstand orientieren, denn das Tageslicht wird für lange Zeit das einzige Licht zum Filmen sein. Jeder Film hat eine maximale Dauer von 60 Sekunden und besteht aus einer einzigen Einstellung, einer einzigen Einstellung, deren Inhalt zu Beginn eher eine Musikhalle und Jahrmarktsattraktionen ist. Der Industrielle weigert sich trotz Dicksons dringendem Rat hartnäckig, die Entwicklung einer Projektionsvorrichtung auf der Großleinwand zu entwickeln, die technisch nicht unmöglich gewesen wäre, doch Edison hält die individuelle Verwertung von Filmen in den Kinosälen der Kinetoskope für wirtschaftlich besser als den Betrieb in vor großem Publikum. In 1895 , der Erfolg von Louis Lumière die Filme , die alle Schuss in natürlichen Standorten, gezwungen Edison die Black Maria zu verlassen. Es macht den Kinetographen leichter, indem es den Elektromotor eliminiert und es übernimmt die Kurbel, die von der Cinematograph Lumière- Kamera verwendet wird . Dann kaufte er von einem bankrotten Erfinder ein Projektionsgerät und brachte das vitascope auf den Markt . In den Jahren 1895-1896 erschien fast zeitgleich mit der Präsentation des Lumière-Kinematographen und manchmal sogar davor eine Anthologie von Kinomaschinen, die jedoch nicht den gleichen Erfolg hatte. In 1914 , zerstörte ein Feuer die Filmbibliothek in West Orange mit Cellulosenitratfilm Kuchen. Glücklicherweise hat Edison vor seinen Zeitgenossen eine gesetzliche Hinterlegung seiner gefilmten Produktionen bei der Library of Congress in der einzigen autorisierten Form eingerichtet: in Papierform. Er ließ eine Kopie der Filme auf einem 35 mm breiten perforierten Papierband,  das mit lichtempfindlicher Emulsion beschichtet war, entwickeln und anschließend fixieren. Die Papierfilme sind von mittelmäßiger Qualität, aber einst mit dem Benennungstitel versehen , geben sie nun die zerstörten Werke zurück.

Erste animierte Vorführungen

Im Jahr 1877 schuf , mile Reynaud , Lehrer für Naturwissenschaften und Fotograf, sein optisches Spielzeug , das Praxinoscope , von dem er selbst die lustigen oder poetischen Vignetten entwarf. Das Praxinoscope wurde sofort beim Publikum beliebt und das neueste Modell erlaubte sogar die Projektion von Zeichnungen auf eine sehr kleine Leinwand, denn Reynaud glaubte, dass seine Kunst nur durch die Aufnahme der magischen Wirkung von leuchtenden Laternen ihren Höhepunkt erreichen könne. Doch wie bei allen „Wohnzimmerspielzeugen“ sind seine Sujets in einer Schleife: Die Geste, die Pirouette, die Verwandlung dauern nur eine Sekunde. Im Jahr 1892 , ein Jahr nach Edisons ersten Filmen, die nicht sehr lange dauerten (20 bis 30 Sekunden), machte sich Reynaud daran, ein ehrgeiziges Projekt zu produzieren, das ihn etwa fünfzehn Jahre lang besessen hatte: eine Maschine, die es ermöglichen sollte, darauf zu projizieren eine große Leinwand, die die Illusion von Bewegung erweckt, Zeichnungen, die eine wahre Geschichte erzählen, die zwei bis fünf Minuten dauert. Mit Geduld zeichnet und malt er auf Gelatinequadraten mehrere hundert Vignetten, die die unterschiedlichen Haltungen sich bewegender Figuren darstellen, die sich gegenüberstehen, auf Gelatinequadrate, die er mit starkem Papier umrahmt (wie die Dias später sein werden ) und die „einen mit dem verbinden“ andere durch Metallstreifen, die durch Gewebe geschützt sind, die ganze Breite von 70  mm . Seine Technik ist der Beginn dessen, was wir den Cartoon nennen werden , und die rekonstituierte Bewegung ordnet seine Show gut in die Kategorie der Filme ein, also Kino.

Im Oktober 1892 präsentierte Émile Reynaud in Paris im Phantastischen Kabinett des Musée Grévin das , was er das Optische Theater nannte , wo seine leuchtenden Pantomimen gezeigt wurden , wie er seine Filme nannte. Das optische Theater von Emile Reynaud ist im Vergleich zu Thomas Edison, der die ersten Vorführungen von Animationsfilmen auf der großen Leinwand eröffnete, bedeutend innovativ. Im Gegensatz zum einsamen Betrachten der Kinetoskope ist das Publikum des Optischen Theaters versammelt, um der auf die Leinwand projizierten Geschichte zu folgen. So kann das Grévin Museum stolz darauf sein, drei Jahre vor den Vorführungen der Gebrüder Lumière im Indischen Salon des Grand Café der erste Kinovorführraum gewesen zu sein .

Lichtkamera

Im Herbst 1894 , während einer Reise nach Paris, besuchte Antoine Lumière einen der animierten Screenings von Émile Reynaud- Optical Theater im Musée Grévin, bei n o  10 boulevard Montmartre. Dann ging er zu einer Demonstration des Kinetoskops , organisiert ein paar hundert Meter n o  20 Boulevard Poissonnière. Edisons Vertreter bieten ihm eine etwa dreißig Zentimeter große Probe des perforierten 35- mm- Films  des amerikanischen Industriellen an. "Amazed by Edison's Kinetoscope", kehrte Antoine nach Lyon zurück, überzeugt, dass der Markt für Maschinen zum Aufzeichnen und Darstellen von bewegten fotografischen Ansichten (das englische Wort Film , das erstmals 1893 von Thomas Edison zur Bezeichnung von Filmen beeindruckt wurde, noch nicht bekannt ist) in Reichweite ist und dass dieser Markt reich an kommerziellen Aussichten ist. Die Projektionen des Optischen Theaters und die Reaktionen des Publikums überzeugten ihn auch davon, dass die Zukunft nicht im Kinetoskop liegt , das von einem einzelnen Zuschauer gleichzeitig gesehen wird, sondern in einer Maschine vom Typ Reynauds, die auf eine Leinwand mit animierten Ansichten projiziert , vor versammeltem Publikum.

Der flexible Film wird von Eastman hergestellt, der die im Preis jedes Filmmaterials des verkauften Mediums enthaltenen gewerblichen Rechte erwirbt. Diese glatte Folie muss an ihren Rändern umgeformt werden, damit die Krallen in Perforationen eingreifen können und den präzisen Übergang von einem bereits eingeprägten Fotogramm zu einem anderen einzuprägenden Fotogramm gewährleisten. Aber die Leute von Lumière wissen, dass rechteckige Perforationen vom Edison-Typ Gegenstand mehrerer Patente waren und dass sie eine wesentliche industrielle Realität sind. Ihre Vervielfältigung wäre ein Fall von Fälschung seitens der Lichter, die Edison ohne Zögern verfolgt hätte. Um dem Amerikaner keine Rechte zu zahlen, stattet Louis Lumière seinen Film mit runden Perforationen aus, die seitlich mit einer einzigen Perforation auf beiden Seiten jedes Fotogramms angeordnet sind. Der leistungsfähigere Edison-Lochfilm wurde 1903 weltweit von Filmherstellern als Standardformat für Dreharbeiten und Projektionen gewählt . An diesem Tag werden sich die Lumière-Leute aus dem Rennen um die Filmproduktion zurückziehen, weil sie verstanden haben, dass gerade ein neuer Beruf geboren wurde, der Dramaturgiekenntnisse erfordert, die ihnen vorenthalten sind. „Außerdem blieb die Nutzung des Cinématographe als animiertes Spektakel bescheiden im Vergleich zu dem, was es sein wird, wenn es eine neue Theaterform realisiert. Nachdem die Lust auf Neues durch die Aufführungen im Grand-Café-Saal vorüber war, blieben nur noch drei oder vier kleine Höfe an den Boulevards in Paris, wo ihre Besitzer gute Einnahmen, aber nicht schnell Vermögen machten. In den Provinzen konnten nur die großen Städte einen Kinosaal haben, der garantiert kostendeckend ist “ .

Ende 1895 , montiert die Brüder Lumière eine Reihe von bezahlten Vorführungen in Paris im Salon Indien du Grand Café , bei n o  14 Boulevard des Capucines. Am ersten Tag, dem 28. Dezember 1895, kamen nur 33 Zuschauer (darunter zwei Journalisten) zu den verschiedenen „Ansichten“. Mundpropaganda half, in einer Woche erreichte die Schlange die Rue Caumartin. Die Vorführungen sind ausverkauft und die Vorführungen werden verdoppelt, die Wirkung dieses Erfolges, der über die Monate nicht geleugnet wird, ist weltweit. Zehn Filme, die Louis Lumière „ animierte fotografische Ansichten  “ nennt  , bilden die Show, darunter La Sortie de l'Atilliere Lumière in Lyon , La Place des Cordeliers in Lyon , The Landing of the Photography Congress in Lyon , Baignade en mer , Kinder in die Wellen stürzen, The Blacksmiths , wie Edison, aber mit echten Schmieden und einer echten Schmiede, weil Dickson sich für die Dreharbeiten damit begnügt hatte, die Schmiede mit einfachen, wenig überzeugenden Extras nachzubauen. Es folgten zwei Familienszenen mit einem Baby, der Tochter von Auguste Lumière , The Baby's Meal und The Goldfish Fishing , dann zwei "Comic-Ansichten" aus militärischen Possen, La Voltige und Le Saut à la Couverture , in der Tradition komischer Truppen . Die Vorführung endet mit dem berühmten L'Arroseur arrosé (Le Jardinier), der in Wahrheit die erste Fiktion über animierten Fotofilm in der Geschichte des Kinos ist, gespielt von Schauspielern (die ersten Kinofiktionen sind die leuchtenden Pantomimen von 'Émile Reynaud) .

Thomas Edison versteht, dass die Technik der Projektion auf die große Leinwand des Kinematographen gerade die Totenglocke für sein Kinetoskop geläutet hat . Seine Ingenieurin Laurie Dickson, deren Rat er ablehnte, nahm am Wettbewerb teil. Unter Zeitdruck kaufte Edison vom Erfinder Francis Jenkins sein im Oktober 1895 unter dem Namen Phantascope veröffentlichtes Projektionsgerät zurück , das er mit Hilfe des Ingenieurs Thomas Armat adaptierte und das er Vitascope nannte . Edison kann dann die vielen Filme, die er bereits seit 1893 mit dem Kinetographen (148 Titel) aufgenommen hat, auf die große Leinwand projizieren . Émile Reynaud hält seinerseits seine Vorführungen im Musée Grévin aufrecht. Es zog zwischen 1892 und 1900 eine halbe Million Zuschauer an, was für einen einzigen Raum von bescheidenen Abmessungen ein großer Erfolg war. Die Konkurrenz ganz in der Nähe des Grand Café erreichte ihn jedoch direkt und er reagierte, indem er versuchte, Fotobänder an seine Maschine anzupassen. Aber die Eastman-Filme sind in Schwarzweiß, und ihre Kolorierung mit Firnis widerspricht den Pastelltönen von Reynauds zarten Zeichnungen. Zu Beginn des XX - ten  Jahrhunderts, Émile Reynaud bankrott. In seiner Verzweiflung zerstört er seine Maschinen, verkauft durch das Gewicht der Materialien. Die Comics wirft er in die Seine. Ein unwiederbringlicher Verlust… Nur zwei Wunder entgehen, Around a Cabin und Poor Pierrot .

Geburt einer Branche

Um die Programme zu variieren und insbesondere ihre Filme und ihren Cinematograph (das Gerät selbst) an wohlhabende Personen zu verkaufen, versorgen die Brüder Lumière ihre Mittel mit "Ansichten", die Louis von Betreibern in die ganze Welt schickt. Die berühmtesten von ihnen, Gabriel Veyre , Alexandre Promio , Francis Doublier , Félix Mesguich Rekordrollen , die nur einen einzigen Schuss haben, einen einzigen Schuss. Ausnahmsweise hören sie auf zu "reeling", um den kostbaren Eastman-Film während einer Szene zu retten, die sie als Longuette betrachten, und sie nehmen etwas später wieder auf, wodurch zwei Aufnahmen in derselben Rolle entstehen, die dann geschnitten und geklebt werden die dem Stoppen und Neustarten der Kamera entsprechen. Anfänge der Versammlung? Das können wir nicht sagen, da es sich um eine einfache Reparatur handelt.

Allerdings Georges Méliès , berühmte Illusionist, nimmt an einer der ersten Vorführungen des Grand Café. Er stellt sich sofort vor, wie Filmvorführungen seine Show im Robert-Houdin- Theater, das er 1888 kaufte, bereichern könnten . Am Ende der Sitzung schlug er vor, für eine astronomische Summe (er hatte damals Glück) die Patente zurückzukaufen, die den Kinematographen schützten . Antoine Lumière weigert sich freundlich und soll zu ihm gesagt haben: "Junger Mann, ich will dich nicht ruinieren, dieses Gerät hat nur wissenschaftlichen Wert, es hat keine Zukunft im Spektakel".

Nach der höflichen Absage von Antoine Lumière gibt sich Georges Méliès nicht geschlagen, das ist nicht sein Stil. Er wendet sich an seine englischen Freunde Birt Acres und Robert William Paul , die Erfinder der Kinetischen Kamera, die sie ungefähr zur gleichen Zeit wie der Lumière- Kinematographen entwickelten . Robert William Paul machte sich einen Namen, indem er in England gefälschte Edisons Kinetoskope herstellte . Dieses Mal stellte er Méliès eine einzige Modellkamera zur Verfügung. Es bleibt den Franzosen überlassen, seine Kamera mit Film zu versorgen, denn Eastman beliefert den europäischen Markt sehr wenig, und das seit der Entwicklung des Zelluloidbandes. „Der Film war damals selten, er wurde uns in kurzen Längen von der Firma Eastmann (sic) geliefert, die seine Kodaks damit belud, und von Balagny, die uns mit Gelatine-Bromid emulgierte Kollodiumbänder gab, die jedoch nicht mehr als 1 Herr. 50 lang. Die Anzahl der erhaltenen Bilder war daher sehr begrenzt ” . Méliès gelang es, in England einen Vorrat an Eastman 70- mm- Filmrohlingen zu ergattern  und unternahm zwei gefährliche technische Operationen, die er selbst leitete und beschwor! Er bastelt eine Maschine zum Schneiden der Edelfolie in zwei 35- mm- Streifen  . Dann erzeugt er mit einer anderen Maschine seines Herstellers eine Reihe von rechteckigen Perforationen an jedem Rand der Folie. Sein Film ist bereit, begeistert zu sein.

Léon Gaumont , ein Hersteller, der Ausrüstungen und Zubehör für die Fotografie vertreibt, und der eine Zeitlang an das Format 58 mm von Georges Demenÿ glaubte,  bietet bald einen Katalog voller Filmrollen 35  mm an . Eine ihrer Angestellten, Alice Guy , hatte die Idee, kleine Werbefilme zu drehen, und wurde damit die erste weibliche Filmemacherin der Welt: Sie selbst produzierte Hunderte von Rollen, darunter eine Passion (von Jesus), die die Ankunft der Religion markierte auf dem Dunkelkammermarkt, der von einem bekannten und bewährten Szenario profitiert: den Kreuzwegstationen . Im Rennen um den Erfolg kommt ein Newcomer: Charles Pathé , ein Rummelplatz, bereichert durch seine Filmvorführungen über geschmuggelte Kinetoskope , der beschließt, nach dem Vorbild von Louis Lumière Operatoren um die Welt zu schicken, um typische Szenen zu filmen, immer in Form Walzen mit einem einzigen Schuss. In kurzer Zeit wurde seine Firma Pathé-Cinéma mit Hilfe seines Bruders so mächtig wie die wichtigsten amerikanischen Produktionshäuser, ob Edison Studios oder Vitagraph Company . Sein triumphales Emblem ist der gallische Hahn und ist es noch heute.

Geburt einer Sprache

Von Jahre 1891 zu 1900 , und sogar ein paar Jahre später, sehen die Filme immer noch die gleiche: eine Spule von 35 mm Film  etwa 20 Meter (65 Fuß), auf dem eine einzelne beeindruckt Schuss mit einem einzigen Frame (ein. Schuss ), die in der Projektion weniger als eine Minute dauert.

Es waren die englischen Filmemacher, die als erste die Tugenden des Schnitts und die damit verbundene Bearbeitung entdeckten . Der Kinohistoriker Georges Sadoul fasst sie unter dem Namen „  Brighton School  “ zusammen und behält dem Erfinderischsten von ihnen einen verdienten Hut: „Im Jahr 1900 war George Albert Smith noch mit James Williamson an der Avantgarde der Kinematographie Kunst ". Andere zögern nicht zu erklären: "Während William Kennedy Laurie Dickson, William Heise, Louis Lumière, Alexandre Promio, Alice Guy, Georges Méliès, kurz, die Erfinder des primitiven Kinos, nicht von der Gewohnheit abweichen, alle sowohl fotografisch als auch szenisch , eine einzelne Einstellung zu drehen, um eine einzelne Aktion am selben Ort zu filmen, beschreibt George Albert Smith seinerseits eine einzigartige Aktion, die am selben Ort stattfindet, indem er mehrere Einstellungen verwendet, die allein durch visuelle Logik miteinander verbunden sind. Was wir später die technische Teilung nennen werden, die Einteilung in zu filmende Raum- und Zeitebenen“.

Unter der Regie von George Albert Smith im Jahr 1900 ist der Film Granny's Reading Glasses oder Grandma's Loupe der erste Film, der mit einer spezifischen Kinomethode experimentiert, eine Handlung zu beschreiben. In diesem einzwanzigminütigen Film mit einem sehr dünnen Sujet, wie es damals üblich war: Ein Kind beobachtet mit der Lupe seiner Großmutter seine Umgebung, George Albert Smith wechselt zwei Arten von Aufnahmen. Ein Haupt- und Breitbild zeigt den Jungen in Begleitung seiner Großmutter beim Ausbessern. Das Kind leiht sich die Lupe aus und richtet sie zunächst auf eine Uhr, die dann durch einen runden Ausschnitt in Form einer Lupe in Nahaufnahme zu sehen ist . Der Junge sieht sich um und richtet seine Lupe auf einen eingesperrten Vogel. Nahaufnahme des Vogels durch den Ausschnitt. Das Kind richtet dann die Lupe auf seine Oma. Eine ziemlich witzige Nahaufnahme zeigt das rechte Auge der Großmutter, das sich überall dreht, immer noch durch einen runden Ausschnitt gesehen. Der Enkel sieht das Kätzchen seiner Oma, versteckt in seinem Nähkorb. Nahaufnahme von Kätzchen durch Lupe. Das Kätzchen springt aus dem Korb, die Großmutter unterbricht dort das Spiel ihres Enkels. Diese Abfolge von Einstellungen, die durch die gleiche Geschichte verbunden sind, leitet die Aufteilung in Einstellungen eines Kinofilms ein, was heute als technischer Schnitt oder einfacher Schnitt bezeichnet wird. Und seine logische Fortsetzung, die die Bearbeitung dieser separat gefilmten Elemente ist, wird als alternativer Schnitt bezeichnet. Die Entdeckung ist bedeutsam, grundlegend. Als Bonus erfindet dieser Film die subjektive Aufnahme , da jede Nahaufnahme durch die Lupe eine subjektive Aufnahme ist, die den Blick des Jungen entlehnt. In unserer Zeit erscheint diese Aufteilung in Pläne einfach und einleuchtend, fast banal. Aber 1900 war es eine Revolution.

George Méliès verstand seinerseits den wesentlichen Beitrag zum Kino seiner guten Freunde in Brighton nicht, und Le Voyage dans la Lune, das er 1902 produzierte, ist wieder da, trotz seiner vielen humorvollen Erfindungen, eine Reihe von Gemälden in der Stil der Musikhalle, für eine Dauer von fast 13 Minuten. Dieser Vorbehalt erlaubt es uns zu behaupten, dass Georges Méliès, anders als oft behauptet, nicht der Erfinder der Fiktion ist, während sein technischer Beitrag als Illusionist beträchtlich ist, insbesondere beim Anhalten der Kamera , ein Vorgang, den er wiederholt repeat von William Heise und Alfred Clark, wer filmte Edisons Team die Hinrichtung von Maria Stuart in 1895 . Aber während William Heise diesen elementaren "Trick" nur einmal anwendete (er musste noch entdeckt werden ), lehnt Georges Méliès nach einem ersten erfolgreichen Versuch 1896 ( Escamotage d'une dame au théâtre Robert-Houdin ) die Kameraabschaltung auf Dutzenden ab von Filmen mit einer immer wieder erneuerten Erfindung und einer außergewöhnlichen Fingerfertigkeit, die noch heute alle Kinofachleute in Erstaunen versetzt.

In 1908 , David Wark Griffith , ein amerikanischer Autodidakt, der seine Filmkarriere begann mit der die Hauptrolle des Films spielt von einem Adlernest gespeichert (Dauer: 7 Minuten), unter der Regie von Edwin S. Porter , für die er zu s vereinbart improvisiert stuntman Anschließend wurde er mit der Produktion des 13-minütigen Films Les Aventures de Dollie betraut . Die Entdeckungen von George Albert Smith und allgemein der englischen Schule von Brighton eröffneten den Filmemachern einen immensen kreativen Raum, von nun an beträgt die Dauer von Filmen, die in Schüsse geschnitten werden, zwischen 10 und 13  Minuten , dh eine Rolle von 35 mm Film  von 300 Metern. Ein Film hat dann 1 oder 2 Rollen. Les Aventures de Dollie ist ein Film mit einer Rolle. Das Thema ist einfach: Das kleine Mädchen eines wohlhabenden Paares wird von ein paar "Reisenden" entführt, die sich für ihr hochmütiges Verhalten rächen wollen. Der Vater macht sich auf die Suche nach den Entführern und holt sie ein, findet aber in ihrem Wohnwagen keine Spur von seinem Kind. Die Entführer sperrten Dollie in ein Holzfass. Beim Überqueren einer Furt lässt der Anhänger das auf dem Wasser schwimmende Fass aus. Der Strom der Vorsehung bringt das Fass und das kleine Mädchen zurück vor das Elternhaus. DWGriffith akzeptiert dieses Thema, das aufgrund der unterschiedlichen Orte und der Gleichzeitigkeit der Aktionen schwer zu erreichen scheint, weil er - und dies ohne jegliche Vorerfahrung - mit solchen Parallelaktionen umzugehen versteht. Was 1908 nicht offensichtlich ist .

Doch genau das versucht DW Griffith mit seinem ersten Film The Adventures of Dollie . Er verwechselt Aufnahmen, die die Familie wieder vereint beim Badminton spielen, mit Aufnahmen des Zigeunerpaares in ihrem Lager, des Mannes, der von seiner demütigenden Konfrontation mit dem Mann, der ihn geschlagen hat, zurückkommt und seinem Partner schwört, dass er sich rächen wird. Dann kehrt der Mann zum Haus der Familie zurück, nutzt die Alleinlage des Mädchens aus, packt sie am Schreien und trägt sie weg. Er kommt im Lager an und zeigt das Mädchen seiner aufgeregten Begleiterin, die aus diesem Grund zur Strafe von ihrem Begleiter geschlagen wird. Vor dem Haus bemerkt die Familie das Verschwinden des kleinen Mädchens und der Ehemann macht sich mit den Nachbarn auf die Suche nach ihr. Im Lager versteckt der Mann Dollie in einem Fass, das er verschließt. Der Vater und die Nachbarn stürzen wütend und schubsen das Paar, schauen überall hin, ohne daran zu denken, das Fass zu öffnen. Sie können sich nur mit leeren Händen zurückziehen und lassen die Entführer, die sofort das Lager aufbrechen, frei. Der Anhänger setzt im Galopp los und überquert einen Fluss, das Fass wird abgenommen, es wird von der Strömung getragen. In ihrem Garten ist das wohlhabende Paar verzweifelt, weil ihre Recherchen nichts ergeben haben. Mehrere Aufnahmen zeigen dann, wie sich das Fass entlang des Flusslaufs bewegt und einen kleinen Wasserfall überquert. Vor dem Haus fischt ein großer Junge, der das Fass im Gras am Flussrand stehen sieht. Er ruft den Vater, der plötzlich seine Ohren zum Fass neigt, was den Eindruck erweckt, er höre Schreie. Er öffnet das Fass und befreit den kleinen Dollie. Endlich ist die Familie wieder vereint.

Dieser Schnitt ist in der Tat von der romantischen Technik inspiriert. Obwohl Griffith nie das College besucht hat, ist er kultiviert. Unter den Berufen, die ihn zum Leben erweckten, gehörte der Buchhändler; wie Edison las er viel. Er weiß, dass der Romanautor ständig seine Gabe der Allgegenwart nutzt , um zwei oder mehr gleichzeitig stattfindende Handlungen zu vergleichen. Griffith glaubt, dass die Aufteilung in Einstellungen es ermöglicht, von einer Handlung, die in einer Umgebung stattfindet, zu einer anderen gleichzeitigen Handlung zu gelangen, die in einer anderen Umgebung stattfindet, aber Teil derselben Geschichte ist, mit der Möglichkeit, zu gehen und zurückzukehren beiden Sätze, von einer Aktion zum anderen zu gehen, was wir parallele Bearbeitung nennen, die kein Effekt ist , dass wir in der Bearbeitung finden , da diese Dichotomie bereits vorgesehen ist , in der technischen Panne in schriftlicher Form , die die Ausarbeitung des folgenden Skript daher vor dem Filmen. Es ist diese Möglichkeit, in Sequenzen und nicht mehr in Ansichten, Tabellen oder Szenen zu schneiden , die es Filmemachern heute ermöglicht, immer längere und komplexere Geschichten zu verarbeiten und viele Charaktere in verschiedenen Situationen in Bewegung zu setzen, die durch dieselbe Geschichte verbunden sind. Griffith ebnete den Weg für Spielfilme. Das Kino ist dort verschlungen und die langen Filme (4 bis 6 Rollen und mehr) vervielfachen sich und verleihen dem kinematografischen Spektakel, dessen Besucherzahlen vor dem Krieg von 1914-1918 erheblich zugenommen haben, einen neuen Atemzug und nach dem Waffenstillstand mit mehr Kraft wieder aufgenommen.

Advent des Klangkinos

In 1892 hatte Reynaud die Projektionen seiner Optical Theater von einem Pianisten begleitet, Gaston Paulin, der ausdrücklich für jedes Band, Originalmusik komponiert. Wir können sagen, dass dies die ersten Soundtracks ( Soundtracks ) des Kinos sind. Reynaud verstand, dass seine leuchtenden Pantomimen ihre evokative Kraft durch die Verbindung mit der Musik verzehnfacht sehen, was auch ein Klangkontinuum gewährleistet, das das Rauschen des Scrollens des Bildstreifens bedeckt. Heute gilt der Komponist des Soundtracks eines Films im Hinblick auf das Urheberrecht in Bezug auf die Projektion und Verbreitung von Filmen durch inländische Medien zusammen mit dem Regisseur als einer der Autoren des Films (der am häufigsten genannt wird) als alleiniger Autor), der Drehbuchautor und möglicherweise der Dialogautor. Die Projektionen von 35- mm- Filmen  auf fotografischem Träger werden von einem Instrumentalisten (ein Pianist ist die Grundbegleitung) oder mehreren Instrumentalisten, sogar einer kleinen Kammermusikformation in den Kinos der schönen Viertel, die während der ersten Projektionen improvisieren, begleitet die während der anderen Sitzungen erzielten Effekte. Zu den Filmen werden Noten verkauft oder ausgeliehen, damit das Messegelände die Sessions wirkungsvoll begleiten kann, inklusive einer Auflistung des benötigten Zubehörs für die Soundeffekte.

„Erst 1924 , dass westliche Electric Company in den Vereinigten Staaten entwickelt, in Zusammenarbeit mit Bell - Telephone Laboratories, einem Sound - Synchronisationssystem, das Vitaphone , die den Prozess der gebrannten Scheibe wieder aufgenommen. Die Ingenieure von Western Electric haben das Projektionsgerät und den Phonographen mit synchronen Elektromotoren ausgestattet , die die beiden Maschinen mit gleicher Geschwindigkeit antreiben. „ Die Synchronisation von Ton und Bild ist diesmal von Anfang bis Ende perfekt. Aber die Schausteller sind sehr zurückhaltend, ihre Erfahrungen mit Platten gepaart mit Filmen haben ihnen schlechte Erinnerungen, unterbrochene Vorführungen, Gelächter oder Buhrufe des Publikums hinterlassen, die Verbindlichkeiten sind hoch. Western Electric erwog, sein System aufzugeben, aber 1926 bot sich eine unerwartete Gelegenheit . Vier Brüder, ehemalige Rummelplätze, die seit mehreren Jahren Wandervorführungen organisieren, kaufen ein Theater in Manhattan, statten es mit dem Vitaphone-Verfahren aus und verpfänden ihre letzten Dollars in einer Wette, die in den Augen ihrer Zeitgenossen verloren scheint. Die Warner-Brüder produzieren einen dreistündigen Film, Don Juan , mit dem damaligen Star John Barrymore , den sie noch unter Vertrag haben. Der Film enthält ein paar selten aufgenommene Dialoge, vor allem aber ein ganzes Durcheinander bekannter klassischer Musik, die so arrangiert sind, dass sie einen Hauch von Kontinuität verleihen. Wir können sagen, dass dieser Film die erste erfolgreiche Erfahrung des Tonkinos (aufgezeichnete Bilder und Töne) ist. Das 35 mm gravierte Disc-Film-Paar  funktioniert ohne Zwischenfälle. Das wohlhabende Publikum, das die Vorführungen besuchte, bescherte dem Film einen ausgezeichneten Empfang, aber Don Juan kam nicht auf seine Kosten, da die Plätze zu teuer waren, um das beliebte Publikum anzulocken, das zu dieser Zeit außerdem nach anderer Musik suchte. .

Sie hatten dann die Idee, einen der beliebtesten Kabarettsänger, Al Jolson , einen in Schwarz gekleideten Weißen zu filmen . Sie drehen A Scene in the Plantation , einen Single-Reel-Film. Das Publikum ist begeistert, Al Jolson singt nicht nur den Blues, sondern spricht auch mit Blick in die Kameralinse, spricht das begeisterte Publikum an, wie in einer Live-Performance. Wir stehen Schlange, um an den Sitzungen teilzunehmen. Die Warners beeilen sich, ihren Schlag zu verdoppeln, diesmal indem sie 1927 einen eineinhalbstündigen Spielfilm produzierten, den berühmten Film The Jazz Singer, der ein großer Erfolg wurde. Es ist ein Fehler zu sagen, dass dieser Film der erste Ton- oder Sprechfilm ist. “  The Jazz Singer war ein Stummfilm, in den ein paar sprechende oder singende Nummern eingefügt waren. Der erste Film "Hundert Prozent reden" (um den damaligen Sprachgebrauch zu gebrauchen), Lights of New York , wurde erst 1929 produziert. “ Tatsächlich ist keiner der vielen Dialoge des Films The Jazz Singer aufgezeichnet, die Zeilen zwischen den Schauspielern sind alle auf Titelkarten geschrieben, ganz in der Tradition des Stummfilms. Nur die Lieder von Al Jolson und die Sätze, die er zwischen zwei Strophen ausspricht, werden tatsächlich aufgenommen. Vielmehr sollte dieser Film als einer der ersten Gesangsfilme (nach Don Juan und Eine Szene auf der Plantage ) angesehen werden. Fest steht: Es ist ein Triumph, der das Stummfilmkino (das noch nicht so heißt) letztlich verurteilt und Warner Bros. eine der Säulen der Hollywood-Industrie.

Aufgrund dieser Erfolge verbreitete sich das Vitaphone-System, Schallplatte und Film, in allen Kinos und auf dem Messegelände. Doch schon jetzt macht die Technik einen Sprung nach vorn: Die Fox Film Corporation führt ein fotografisches Verfahren ein, den Movietone- Ton . Zwischen einer der Perforationsreihen und dem Rand der Fotogramme wird die sogenannte „optische Spur“ eingefügt, die den nutzbaren Teil des Bildes abschneidet. Die Radio Corporation of America (RCA) führt eine Technik mit besserer Klangleistung ein, die als "feste Dichte" bezeichnet wird (nur Weiß und Schwarz). Andere Techniken wurden in den Vereinigten Staaten getestet und viele Unternehmen wurden in den 1920er Jahren gegründet und nutzten die Begeisterung der Börse für das Kino . Die Nachfrage nach Tonfilmen verändert die Filmindustrie grundlegend. Um gute Tonaufnahmen zu machen, gilt in den Studios nun die Schweigepflicht. „Schweigen ist gedreht! " .

Im Laufe der Jahrzehnte des Bestehens des Kinos durchlief die Aufnahme und Wiedergabe von Ton mehrere Stufen technischer Verbesserungen:

  • Stereophonischer Ton
  • Magnetischer Klang
  • Geräuschreduzierer
  • Digitaler Ton

Beitrag der Farbe

Émile Reynaud war der erste , der Farbe für seine leuchtenden Pantomimen verwendete , die 1892 im Grévin Museum gezeigt wurden . Keyframe zeichnet er von Hand und trägt seine Farbtöne direkt auf das 70  mm breite, aus Gelatine miteinander verbundene Quadrat auf, was ihn zum ersten Regisseur von Cartoons (solche limitierten Animationen ) macht. Im Jahr 1894 wurde eines der von Thomas Edison produzierten Bänder , gefilmt von Laurie Dickson , dann von Antonia Dickson, der Schwester des ersten Filmregisseurs, handkoloriert (Anilinfarbstoff), Bild für Bild. Dies sind Butterfly Dance (auf Französisch, Danse du papillon ) und Serpentine Dance (auf Französisch, Serpentine Dance ), sehr kurze Bänder von jeweils 20 Sekunden, in denen die Tänzerin Annabelle mit Schleiereffekten im Stil von Loïe Fuller wirbelt . Die Wirkung ist derzeit noch sehr erfolgreich. Dies ist der erste Farbeffekt, der auf bewegte fotografische Aufnahmen angewendet wird.

Im Jahr 1906 nahm der Amerikaner James Stuart Blackton auf 35- mm- Silberfilm  wie eine Kamera Bild für Bild auf, dank der sogenannten "Kurbeldrehung", einem "Prozess (der in Frankreich "amerikanische Bewegung" genannt wurde). In Europa war er noch unbekannt“, ein Film für die Vitagraph Company. Es ist der erste Animationsfilm auf Film in der Geschichte des Kinos, Humorvolle Phasen der lustigen Gesichter , in dem wir, mit Kreide weiß auf schwarzem Hintergrund gezeichnet, ein junges Paar sehen, das weiche Augen hat, dann alt wird, hässlich, das Mann raucht eine große Zigarre und erstickt seine verzerrte Frau, die in einer Rauchwolke verschwindet, die Hand des Gastgebers löscht dann alles aus. Die Credits selbst sind animiert. Es ist lustig, aber die Farbe fehlt noch.

Der Beitrag der Farbe in den ersten Jahrzehnten des Kinos ging durch zwei Lösungen:

  • Ersteres ist kostengünstig und seine Anziehungskraft ist begrenzt, aber anerkannt. Es ist das Färben in der Masse jeder Projektionskopie durch Eintauchen in ein transparentes Färbebad, das jedem ein besonderes Licht verleiht. Eine Spule, die das Schwimmen im Meer zeigt, ist grün getönt. Eine Schmiede- oder Feuerszene ist ähnlich rot getönt. Blau wird für Regatten auf dem Wasser verwendet, Gelb begleitet den Blick in die Wüste.
  • Die zweite ist die Handkolorierung jedes der Fotogramme mit einer mit Tinte beschichteten Schablone. Diese Technik, die die Verstärkung vieler "kleiner Hände" erfordert, ist zwar deutlich teurer, aber die spektakuläre Wirkung ist garantiert. Georges Méliès ist nicht der einzige, der es benutzt. Die Produktionen Pathé, Gaumont und natürlich Edison richten Werkstätten ein, in denen Dutzende von Frauen mit einem Pinsel, einer manuellen Schablone, dann mit einem mechanischen System des Antriebsmodells, durch ein Parallelogramm oder Nocken, kolorieren oder mehr Schablonen.

Nachdem der Brite George Albert Smith die Aufteilung in Einstellungen und viele andere grundlegende Neuerungen des Kinos entdeckt hatte, verlor er das Interesse an Verfolgungsjagden . Er begibt sich lieber in die reine Forschung, indem er mit dem Amerikaner Charles Urban ein Filmverfahren entwickelt , das dem Schwarzweißfilm die Illusion von Farbe verleiht , der Kinémacolor, deren erster Film A dream in color aus dem Jahr 1911 stammt . Die Filme sehen in Farbe gut aus, aber die Nachteile von Kinémacolor sind vielfältig: Blau und Weiß werden schlecht oder schlecht wiedergegeben, Farben sind etwas pastös. Der Prozess erfordert vor allem die Investition von Geräten, die ausschließlich für Kinémacolor arbeiten. Nach immerhin zweihundertfünfzig Filmen wurde die Kinémacolor kurz vor dem Ersten Weltkrieg aus wirtschaftlichen Gründen aufgegeben .

Ein anderes amerikanisches Verfahren wird es ersetzen, das während des Krieges entwickelt und 1916 eingeführt wurde  : Technicolor . Bei diesem Verfahren wird auch der einzige verfügbare Film verwendet, der Schwarzweißfilm. Gedreht wird mit einer schweren Kamera von imposanten Ausmaßen, die gleichzeitig drei synchronisierte Schwarz-Weiß-Filme durchläuft. Hinter der Linse lässt ein Doppelprisma das grün gefilterte Bild geradlinig passieren, was einen der Filme beeindruckt. Durch eine erste Filterung lenkt dasselbe Doppelprisma den Strahl des Roten und des Blauen auf ein Paket von zwei Filmen, die gegeneinander scrollen. Der erste ist frei von der Anti-Halo-Schicht, die normalerweise die Rückseite von Filmen verschließt, das Bild kann durch ihn hindurchgehen, beeindruckt es aber dabei mit Blau, während es unter dem anderen mit Rot gefilterten Film beeindruckt. Das Shooting liefert somit drei Negative in Schwarzweiß, die die Matrizen jeder Grundfarbe durch ihr Komplement darstellen (das Gelb wird durch das blaue Monochrom gegeben, das Magentarot durch das grüne Monochrom, das Blaugrün durch das Monochromrot). . Der Druck von Kopien funktioniert nach dem Prinzip und der Technik des Dreifarbendruckverfahrens, mit den gleichen Möglichkeiten, die Intensität jeder Farbe einzustellen. Sehr schnell erscheint die Notwendigkeit, einen vierten Eindruck hinzuzufügen, ein neutrales Grau, dessen Matrix durch die fotografische Überlagerung der drei Matrizen der Aufnahme erhalten wird, um die Konturen der Formen zu unterstreichen, die dadurch mehr Körper erhalten.

In den 1930er Jahren entwickelte Deutschland unter dem Stiefel der Nationalsozialistischen Partei ( Nazismus ) ein mit enormen finanziellen Mitteln ausgestattetes Propagandakino. Die Suche nach einem Farbfilmverfahren unter Verwendung eines einzigen Lichtmediums, das (für politische Zwecke) Dokumentarfilme fördern würde, wird hastig durchgeführt. Das Agfacolor- Verfahren , das ursprünglich für die Fotografie auf Glasplatten erfunden wurde, wird dann auf flexiblem Film abgesetzt, zuerst in reversiblem Film (der Film wird zwei aufeinander folgenden Behandlungen unterzogen - Entwicklung, dann Schleier - wodurch er vom Negativstadium übergeht. Positiv), dann Negativ (dann sind separate Positivkopien erforderlich). In 1945 , nach der Niederlage der Rom-Achse Berlin-Tokio , die Alliierte und die Sowjets beschlagnahmten deutsche technologische Entdeckungen und hinter ihren Grenzen unter anderem Verfahren und Techniken, die des Farbfilmes gebracht. In den Vereinigten Staaten wird der subtraktive Prozess von Agfacolor zu Eastmancolor , in der UdSSR zu Sovcolor, in Belgien zu Gévacolor und in Japan, unter amerikanischer Kontrolle, wird Fujicolor geboren.

Im Vergleich zu Technicolor bietet das Eastmancolor-Verfahren eine wirtschaftliche Alternative in der Aufnahmephase. In den 1950er Jahren wurden Technicolor-Filme nun in Eastmancolor gedreht. Nach den Dreharbeiten, nach Abschluss der Bearbeitung, entnehmen wir dem Eastmancolor-Monopack-Negativ die vier Matrizen, mit denen die Kopien des Films nach dem Technicolor-Trichrom-Verfahren gedruckt werden, mit dem Vorteil gegenüber dem Eastmancolor-Negativ, auf chromatischer Ebene für jede der Primärfarben effizient kalibriert.

Ein noch sparsameres Verfahren, das in den 1920er Jahren in der Fotografie entdeckt wurde , wurde in den 1950er Jahren in Italien in das Kino übernommen  : Ferraniacolor. Es wird hauptsächlich für Kostümfilme verwendet, insbesondere für die Schößchen, die die italienische Produktion wieder aufleben lassen .

Theorien

Filmtheoretiker versuchten, Konzepte zu entwickeln und Kino als Kunst zu studieren . Aus der modernen Technik stammend, obwohl sie eines der Symptome und Ursachen dieser Moderne sind, haben ihre Prinzipien wie Technik, Schnitt oder Aufnahme die Darstellungsweisen in der figurativen Kunst und Literatur umgekippt . Um sich als Kunst zu formen und zu verstehen, brauchte das Kino Theorien. In Matière et Mémoire , in 1896 , der Französisch Philosoph Henri Bergson rechnet die Entwicklung der Theorie zu einer Zeit , als das Kino als Visionär gerade erschienen war. Er äußert sich auch zu der Notwendigkeit, über die Idee der Bewegung nachzudenken, und erfindet daher die Begriffe „Bild-Bewegung“ und „Bild-Zeit“. Jedoch in 1907 in seinem Essay L'Illusion cinématographique , basierend auf L'Évolution Créatrice lehnte er Kino als ein Beispiel dessen , was er im Sinn hatte. Dennoch nimmt der Philosoph Gilles Deleuze viel später in Cinema I und Cinema II Matter and Memory als Grundlage seiner eigenen Kinophilosophie und untersucht Bergsons Konzepte neu, indem er sie mit der Semiotik von Charles Peirce verbindet .

Es ist in 1911 in der Geburt der Sechsten Art , die Ricciotto Canudo die ersten Theorien skizziert, dann in der stehende Zeit der Stille und in erster Linie auf der Definition entscheidende Elemente konzentrieren. Die Arbeit und Innovationen der Regisseure weckten mehr Nachdenken. Louis Delluc , mit der Idee der Photogenie , Germaine Dulac und Jean Epstein , die im Kino sowohl ein Mittel zum Überschreiten als auch zur Wiedervereinigung von Körper und Geist sehen, sind die Hauptakteure einer französischen Avantgarde, dicht gefolgt von deutschen Theorien, die , beeinflusst vom Expressionismus , wandte sich mehr dem Bild zu. Es wird parallel angemerkt Gestalt , die zwischen dem entsteht XIX - ten  Jahrhundert und dem XX - ten  Jahrhunderts unter der Leitung von Ernst Mach .

Auf sowjetischer Seite betrachten Theoretiker-Filmemacher den Schnitt als die Essenz des Kinos. Das privilegierte Thema von Sergej Eisenstein wird die Schöpfung in all ihren Aspekten sein, also alles, was die Schaffung einer "Sprache" des Begriffsbildes und einer allgemeinen Theorie der Bearbeitung ermöglicht, die beide identische Gesetze der Realität und des Denkens offenbaren . Dziga Vertov seinerseits wird die Stimme der Neuheit und des Futurismus sein . Seine Theorie, die dem Zusammenbau von Fragmenten mit kleinen Bedeutungseinheiten entspricht, will die Zerstörung aller Traditionen, um sie durch eine "Faktenfabrik", eine radikale Konzeption des Kinos, wenn es eine gibt, zu ersetzen. Die von Poudovkin theoretisch formulierte "ehrlich erzählerische" amerikanische Montage wird sich jedoch im Weltkino durchsetzen.

Die formalistische Kinotheorie unter der Leitung von Rudolf Arnheim , Béla Balázs und Siegfried Kracauer betont die Tatsache, dass sich das Kino von der Realität unterscheidet und darin eine echte Kunst ist. Lev Koulechov und Paul Rotha hoben ebenfalls den Unterschied zwischen Kino und Realität hervor und unterstützen die Idee, dass das Kino als eigenständige Kunstform betrachtet werden sollte. Nach dem Zweiten Weltkrieg reagierte der französische Filmkritiker und Theoretiker André Bazin gegen diesen Zugang zum Kino, indem er erklärte, das Wesen des Kinos liege in seiner Fähigkeit, die Realität mechanisch zu reproduzieren, und nicht in seiner Differenz zur Realität. Bazin wendet sich mehr einem ontologischen Zugang zum Kino zu und prägt damit eine realistische Kinotheorie. Das kinematografische Bild würde die Objektivität des fotografischen Bildes verfolgen, dessen Kraft darin besteht, wie die Essenz eines Augenblicks einzufangen. Wir werden diese Konzeption bei mehreren Gelegenheiten und in verschiedenen Variationen finden, wie bei Andreï Tarkovski in Le Temps scellé oder in Kombination mit Gadamers Phänomenologie in Die pornographische Versuchung des M. Dubost. Gegen Bazin und seine Jünger, Jean Mitry entwickelte die erste Theorie des Zeichens und Bedeutung im Kino, ohne sie zu assimilieren zu wollen, auch analog, das visuellen Bild und filmische Strukturen mit verbaler Sprache, wie die Versuchung wäre Semiologie. , Wenn in In den 1960er und 1970er Jahren trat die Filmtheorie in die akademische Welt ein und importierte Konzepte aus etablierten Disziplinen wie Psychoanalyse , Genrestudien , Anthropologie , Literaturtheorie , Semiotik und Linguistik . Die Semiologie des Kinos wird verschiedene Formen annehmen: Psychoanalyse, russischer Formalismus , dekonstruktive Philosophie , Narratologie , Geschichte usw. Ihre Bedeutung liegt in der „Textanalyse“, der Erforschung der Funktionsweise der Filme im Detail.

Ab den 1960er Jahren entstand eine Kluft zwischen Theorie und Praxis des Kinos. Diese gewünschte Autonomie wird sehr relativ bleiben: wenn, mit seinem „großen syntagmatische des narrativen Films“ , Christian Metz schlägt, in 1966 , die Codes implizit in die Funktionsweise des Kinos, zu formalisieren Jean-Luc Godard dekonstruiert solche Codes in ihr arbeitet. Mit den 1980er Jahren geht eine Zeit voller Theorien zu Ende. Es werden sich dann weitere Reflexionen ergeben, insbesondere solche, die sich an der Narratologie orientieren, sowie eine Reihe von Theorien, die auf die Wiederentdeckung des frühen Kinos abzielen. Als solche sind die Arbeiten des Quebecer Theoretikers André Gaudreault und des amerikanischen Theoretikers Tom Gunning besonders beispielhaft.

In den 1990er Jahren hatte die digitale Revolution der Bildgebungstechnologien verschiedene Auswirkungen auf die Filmtheorie. Aus psychoanalytischer Sicht nach Jacques Lacans Begriff des Realen , Slavoj Žižek angeboten neue Aspekte des Blicks extrem in der Analyse des zeitgenössischen Kinos verwendet.

Im modernen Kino wird der Körper lange gefilmt, bevor er in die Tat umgesetzt wird, gefilmt als widerstrebender Körper. Bei manchen Filmemachern ist es das Gehirn , das inszeniert wird. Durch diese Bewegung, die als mentales Kino bezeichnet wird, finden wir extreme Gewalt , die immer vom Gehirn kontrolliert wird. So sind beispielsweise die ersten Filme von Benoît Jacquot stark von dieser Bewegung durchdrungen : Die Charaktere sind in sich zusammengefaltet, ohne ihre Psychologie zu klären . Jacquot erklärte 1990 über La Désenchantée  : „Ich mache Filme, um denen nahe zu sein, die Filme machen: den Schauspielern. Manchmal möchten junge Regisseure Schauspieler zu einem Zeichen ihrer Welt machen. Ich versuche nicht, meine eigene Welt zu zeigen. Ich suche viel mehr, um in der Filmwelt zu arbeiten. Es ist Quatsch zu sagen, dass der Schauspieler in die Haut seines Charakters eindringt. Dies sind die Charaktere, die die Haut des Schauspielers haben“. Mehrere andere Filmemacher wie André Téchiné , Alain Resnais , Nanni Moretti , Takeshi Kitano oder auch Tim Burton wurden vom mentalen Kino beeinflusst.

Bewegungen und Schulen

Eine Bewegung im Kino kann als Gefühl des Werkes verstanden werden. Heinrich Wölfflin nannte sie zunächst „Umbrüche des dekorativen Empfindens“ . Gilles Deleuze hat in seinem Buch The Movement Image festgestellt, dass kinematografische Bewegungen mit Bewegungen in der Malerei Hand in Hand gehen . Das klassische Kino zielte darauf ab, die Beziehung zwischen Aktion und Reaktion deutlich zu machen, aber neue Bewegungen wurden geboren.

In den frühen 1920er Jahren , Expressionismus verzerrte Linien und Farben in der Malerei ein Gefühl zu behaupten. Im Kino wird es vor allem durch ein typisches Spiel der Schauspieler und durch den Gegensatz von Schatten und Licht zum Ausdruck kommen . Der Expressionismus und konfrontiert Gut und Böse, wie in Das Kabinett des Dr. Caligari , von Robert Wiene , einem der ersten expressionistischen Filme. Diese Bewegung entwickelte sich in Deutschland , einem Land, das sich allmählich vom Krieg erholte, aber mit dem Hollywood-Kino nicht konkurrieren konnte . Damals entwickelten die Direktoren des deutschen Studios Universum Film AG eine Methode, um diesen Mangel durch Symbolik und Inszenierung zu kompensieren . Die abstrakte Seite der Dekorationen kam also in erster Linie aus der Mittellosigkeit. Die Hauptthemen dieser Bewegung waren Wahnsinn, Verrat und andere spirituelle Angelegenheiten und grenzten sich damit vom romantisch-abenteuerlichen Stil des amerikanischen Kinos ab. Der Expressionismus verschwand jedoch nach und nach, wurde jedoch in den Detektivfilmen der 1940er Jahre verwendet und beeinflusste den Film Noir und das Horrorkino .

Dann kommt die lyrische Abstraktion , die im Gegensatz zum Expressionismus Licht und Weiß mischt. Es gibt keinen Konflikt mehr, sondern den Vorschlag einer Alternative. Anders präsentiert sich diese Alternative bei Filmemachern, sie ist ästhetisch und leidenschaftlich bei Josef von Sternberg und Douglas Sirk , ethisch bei Carl Theodor Dreyer und Philippe Garrel , religiös bei Robert Bresson oder eine Mischung all dieser Formen wie bei Ingmar Bergman . In lyrischer Abstraktion entfaltet sich die Welt oft aus einem Gesicht. Dann folgt ein Lichtspiel, das die Merkmale hervorhebt oder in ein persönliches Universum führt. In Shanghai Gesture sagt Sternberg: „Alles kann jederzeit passieren. Alles ist möglich. Affekt setzt sich aus diesen beiden Elementen zusammen: der festen Qualifizierung eines weißen Raums, aber auch dem intensiven Potenzial dessen, was dort passieren wird.

In den 1950er Jahren entkoppelte das moderne Kino das Bild vom Geschehen. Es entstand aus der Zergliederung von Dingen und Körpern nach dem Krieg. Es widersetzt sich früher etablierten Traditionen. Das moderne Kino bevorzugt das kinematografische Sehen: Das Bild ist nicht mehr gezwungen, seinen Sinn und seinen Zweck zu finden, es ist frei. In Ingmar Bergman 's Stunde des Wolfs , Johan Borg, gespielt von Max von Sydow , sagt: „Jetzt ist der Spiegel zerbrochen, es ist Zeit für die Stücke reflektieren zu beginnen". Modernes Kino bricht die klassische Raumdarstellung, eine neue Formidee ist geboren.

Zur gleichen Zeit, von 1943 bis 1955 , nahm in Italien der Neorealismus Gestalt an . Es präsentiert sich als Alltag, wie es ist, es versteht sich als Medium zwischen Szenario und Realität . Die Filme dieser Bewegung sind daher oft Dokumentarfilme . Gefilmt werden Menschen auf der Straße und Schauspieler. Diese Bewegung entstand auch aus dem Ende des Zweiten Weltkriegs und der fehlenden Finanzierung. Hier richtet der Regisseur seine Aufmerksamkeit nicht mehr auf die Person, sondern auf das Ganze: Der Einzelne kann ohne seine Umwelt nicht existieren. Außerdem erzählen wir etwas lieber, als es zu zeigen. Laut André Bazin , Neorealismus sieht aus wie eine Form der Befreiung, dass der Italiener nach der Zeit des Faschismus. Andererseits versteht Gilles Deleuze den Neorealismus als Abgrenzung von Bewegungsbild und Zeitbild.

Ebenfalls in den 1950er Jahren tauchte dann die neue Welle auf , ein Begriff, der erstmals in L'Express von Françoise Giroud erwähnt wird . Diese Bewegung unterschied sich von den vorherigen durch eine Vitalität, die eine Wiederbelebung des französischen Kinos auslöste . Die neue Welle will Lyrik in den Alltag einschreiben und lehnt die Schönheit des Bildes ab . Mit der neuen Welle ermöglichen neue Technologien eine neue Art der Filmproduktion und -aufnahme: Die Einführung der Éclair 16- Kamera im 16-mm-Format , leicht und geräuschlos, ermöglicht eine realistischere Außenaufnahme. Der Bruch zwischen im Studio gedrehtem Kino und im Freien gedrehtem Kino wird in der 1973 gedrehten The American Night von François Truffaut besonders hervorgehoben . Die Bewegung der neuen Welle löst auch die Überschreitung bestimmter Konventionen wie Kontinuität, etwa in Breathless von Jean-Luc Godard , oder auch der so lange verbotene Blick der Kamera aus . Aus dieser Perspektive versuchten die Filmemacher , die Realität hervorzuheben: Erinnerungen entstehen durchsetzt, nie klar und geordnet.

Dann erscheint eine neue Bewegung: der Widerstand der Körper. Was sich im Vergleich zu den vorherigen Bewegungen ändert, ist die Aufnahme des Körpers, der gefilmt wird, bevor er in die Tat umgesetzt wird, und wie ein Körper, der sich widersetzt. Der Körper ist hier kein Hindernis mehr, das zuvor das Denken von sich selbst trennte , im Gegenteil, er ist das, was er durchläuft, um zum Leben zu gelangen. In gewisser Weise denkt der Körper nicht, er zwingt uns zu denken, auf das Leben zu reagieren. Gilles Deleuze wird erklären:

„Wir wissen nicht einmal, was ein Körper tun kann: im Schlaf, im Rausch, in seinen Anstrengungen und seinem Widerstand. Der Körper ist nie in der Gegenwart, er enthält das Vorher und Nachher, Müdigkeit, Erwartung. Müdigkeit, Warten, sogar Verzweiflung sind Haltungen des Körpers. "

Bemerkenswert ist der Widerstand der Körper bei John Cassavetes, wo die Kamera immer in Bewegung ist, parallel zu den Gesten der Schauspieler. Durch das Bild hindurch sucht der Betrachter in langen Sequenzen nach Gesichtern und Körpern. Ebenso entspricht der Rhythmus nicht mehr dem Sehvermögen des Betrachters. Es reagiert, wie in der informellen Kunst , auf die Konstitution eines Berührungsraums, mehr als des Sehvermögens. Im Kino von Maurice Pialat , der einen lebenden Mann filmt und versucht, das Wesentliche ohne jegliche Ästhetik zu zeigen, um die intime Wahrheit seines Charakters zu zeigen, wird er sagen: "Kino ist die Wahrheit des Augenblicks, wenn wir uns drehen". ". Andererseits bleibt der Dialog im Widerstand der Körper allgegenwärtig, immer ein wichtiges Ausdrucksmittel im Film. Es erklärt jedoch nicht die Gefühle der Charaktere, es fördert die Handlung, aber nicht die Entwicklung der Charaktere in dieser Handlung. Anfang der 1980er Jahre wurde zusammen mit Maria Koleva das Konzept des Filmbuches eingeführt.

In den 1990er Jahren haben die Dänen Lars von Trier und Thomas Vinterberg Dogma95 ins Leben gerufen , als Reaktion auf Blockbuster und den Missbrauch von Spezialeffekten , die ihrer Meinung nach zu formatierten und unpersönlichen Filmen führten. Über ein Manifest definieren sie Grenzen für das Filmemachen im Rahmen dieser radikalen Bewegung. Dogme95 verbietet grundsätzlich die Verwendung von Begleitmusik und akzeptiert nur das, was tatsächlich von den Schauspielern auf der Leinwand gespielt wird.

Der indische Film entwickelt eine sehr produktive Industrie einschließlich der berühmten „  Bollywood  “-Musicals und -Gesänge, in denen die Geschichte zweitrangig ist und die Liebesromantik betont wird, entschuldigen viele Solo- oder Duettgesang. Die Musik wird dort größtenteils voraufgenommen und von den Schauspielern über die Wiedergabemethode nachgeahmt . Es sind also professionelle Sänger, die die Nachsynchronisation der Stimmen bilden. In jüngerer Zeit singen sich die Schauspieler jedoch in ihren Filmen selbst, wie Aamir Khan in Ghulam ( 1998 ) oder Hrithik Roshan in Guzaarish ( 2010 ).

Film Rezension

Ein Kritiker ist jemand, der seine Meinung zu einem Film in einem Medium wie Fernsehen , Radio oder Presse äußert . Wenn sie beeinflusst werden, können Kritiker die Theaterbesuche für den Film bestimmen . Einige haben auch einer Auszeichnung ihren Namen gegeben, wie zum Beispiel Louis Delluc . Es gibt auch Bewertungsverbände, die die Verteilung von Preisen ermöglichen.

Der Job des Kritikers war manchmal umstritten: Für einige konnte der Kritiker Filme vor ihrer Veröffentlichung kostenlos sehen und dafür bezahlt werden, einen Artikel zu schreiben. Wenn er jedoch einen Film sieht, muss er seiner Meinung nach sprechen oder den Erfolg eines Films mit seinem Publikum zugeben , auch wenn es ihm nicht gefällt: Jeder Film hat sein Publikum. Außerdem muss der Kritiker in der Lage sein, einen Film einem anderen näher zu bringen, der den ersten durch die Inszenierung oder den Dreh beeinflusst hätte.

Die Kritik begann im Dezember 1895, als der Kinematograph geboren wurde, und die Erfindung löste zahlreiche Artikel in der Presse aus. Doch bis zum Beginn des XX - ten  Jahrhundert stellt die Kritik nur über technischen, Zeitschriften auf Fotografie , weil Film nicht dann eine große Kunst und so einflussreich wie das galt Theater zum Beispiel. Im Jahr 1912 wird in Le Figaro eine Untersuchung über die wachsende Konkurrenz durchgeführt, die das Kino auf das Theater ausübt. Von da an werden in die Kritiken Anekdoten zu den Produktionen integriert, aber alles ist noch Werbung: Wenn man über einen Film schreibt, soll es ihm den Einstieg in die Kinos erleichtern.

In 1915 , Louis Delluc sah Forfaiture von Cecil B. DeMille und war von der Qualität des Bildes getroffen. Dann beschließt er, alles aufzugeben, um sich einer seiner Meinung nach wahren Kunst zu widmen: Er wird seinen ersten Artikel in der Zeitschrift Film schreiben , die25. Juni 1917. Dann wird er den Chefredakteur von Paris-Midi überzeugen, dem Kino den Platz zu geben, den es verdient, indem er bekräftigt: "Wir sind Zeugen der Geburt einer außergewöhnlichen Kunst". Anschließend entwickelten die großen französischen Zeitungen Rubriken, die ausschließlich dem Kino gewidmet waren, wie zum Beispiel das Le Petit Journal im Herbst. 1921, und wo es keine Werbung mehr gibt: Der Kritiker verkauft keine Filme mehr, sondern Analysen.

Nach dem Ersten Weltkrieg nahm das Kino einen bedeutenden Platz ein, dem Theater überlegen. Alle Tageszeitungen haben jetzt einen Bereich für Kritik und es entstehen Fachzeitschriften wie Cinémagazine oder Cinémonde , also in einer akademischeren Welt als die Revue d'études cinématographiques (611 Online-Beiträge 2012 mit Persée), spezialisiert auf Filmwissenschaft und Theorie und/oder Analyse verschiedener Ansätze, Methoden und Disziplinen (Ästhetik, Semiotik, Geschichte, Kommunikation usw.) im Bereich des Kinos.

Es ist zu André Bazin , dass wir die Hierarchie des kritischen Berufs verdanken. ImDezember 1943, greift er die Begrenztheit der Chroniken und die mangelnde Kultur der Autoren an. In 1951 , die sie Cahiers cinéma gegründet wurde von Joseph-Marie Lo Duca und Jacques Doniol-Valcroze , sehr schnell verbunden von André Bazin. Durch ihre Kritiken werden sie den Mangel an Standards anderer Zeitschriften anprangern, die alle Filme tolerieren, egal ob qualitativ oder mittelmäßig. Der Einfluss des Magazins ist daher in Frankreich groß . Im Hinblick auf den wachsenden Erfolg und Einfluss der Cahiers wurden andere Fachzeitschriften geboren, wie Positif à Lyon in 1952 von Bernard Chardère . Positiv greift, um sich von anderen Kritikern abzugrenzen, nicht nur Filmkritik, sondern auch Kinogeschichte auf . Die beiden Zeitschriften werden einen erbitterten Kampf führen, wobei die Filmemacher von einem geschätzt werden, das vom anderen herabgesetzt wird. Und wenn sie den gleichen Regisseur mögen, werden sie kämpfen, um herauszufinden, wer ihn zuerst bewundert hat. Während dieser Zeit wird die Richtlinie der Autoren erstellt . Zur gleichen Zeit entstand in Nordamerika 1955 in Montreal die Zeitschrift Sequences , die lange Zeit von Professor und Autor Léo Bonneville geleitet wurde . Noch heute aktiv, zeichnet sie sich durch ihre pluralistische Seite aus und ist bis heute die älteste französischsprachige Kinokritik Amerikas .

Im Jahr 1962 , mit der Internationalen Woche der Kritiker in Cannes , wurde die Filmpresse immer mehr geschätzt und gab der Cinephilie eine Wiederbelebung. Damit greift sie in die Tageszeitungen ein, um gegen die französische Zensur zu kämpfen.

In 1980 , mit dem Aufkommen von Fernsehen und dem Zusammenbruch des Filmclubs , verringerte sich die Filmkritik und mehrere Magazine nicht mehr über die Mittel , um sich zu pflegen. Heutzutage können Kritiker, egal ob Profi oder Amateur, ihre Rezension oder Rezension im Internet veröffentlichen , bezahlt oder kostenlos. Obwohl ihr Beruf in der Presse stark an Bedeutung verloren hat, behalten Kritiker einen gewissen Einfluss und können immer noch dazu beitragen, den Ruf eines Films zu erhöhen oder zu brechen.

Gleichzeitig haben sich Kritikerverbände organisiert, um jedes Jahr Filme zu prämieren, die sie für bedeutend halten, oder um Kritikerpreise auf Festivals zu verleihen. Darunter finden wir insbesondere den NYFCC Award , den Award Circle der Londoner Filmkritiker oder den Preis FIPRESCI und die National Society of Film Critics .

Cinephilie

Der Cinephile ist ein Begriff, dessen gängige Bedeutung "Liebe zum Kino" ist. Heutzutage kann der Ausdruck dieser Leidenschaft für das Kino vielfältig sein; Der Begriff wurde jedoch ursprünglich verwendet, um eine französische kulturelle und intellektuelle Bewegung zu charakterisieren , die sich zwischen den 1940er und den späten 1960er Jahren entwickelte . Es wird allgemein gesagt, dass eine Person ein Cinephiler ist, wenn sie einen erheblichen Teil ihrer Freizeit dem Anschauen von Filmen und/oder dem Studium des Kinos widmet . Darüber hinaus kann ein Filmfan auch Filmplakate oder verschiedene Merchandise- Artikel sammeln . Wegen ihrer potentiell süchtig machenden Natur wird Cinephilie von André Habib mit einer echten "Krankheit, die grausam ansteckend ist, die wir selten loswerden" verglichen.

Die Entwicklung der Cinephilie wird stark von der des Kinos beeinflusst. Es gab eine Zeit, in der ein Film nach seiner Kinoverleihung verschwand. Es zu verpassen, wenn es veröffentlicht wurde, bedeutete, es nicht mehr sehen zu können, es sei denn, man recherchierte in einer Filmbibliothek . Um ein Cinephiler zu sein, musste man daher reisen und die Entwicklung der Stile genau verfolgen. Heute ist es kein Problem mehr, einen Film beim Kinostart zu verpassen, da die meisten Filme später im Fernsehen oder auf DVD gezeigt werden . Ein erheblicher Teil der sogenannten „seltenen“ Kinematografie bleibt jedoch schwer zugänglich, und Kinobesucher können dann mehrere Jahre auf eine Ausgabe (oder Neuauflage) auf DVD oder eine Vorführung während eines Festivals warten . Folgendes sagt Jean Tulard , französischer Gelehrter und Historiker:

„In der alten Cinephilie war der Film ein knappes Gut, da ein Film, sobald er im kommerziellen Bereich veröffentlicht wurde, verschwand. Es gab nicht wie heute 40 Fernsehsender, die Filme zeigten. Es gab keine Videos oder DVDs. Ein Film, der bei der Veröffentlichung verpasst oder nicht vertrieben wurde, war schwer zu sehen. Dies bedeutete für den Cinephilen die Anstrengung, ihn in einer ausländischen Filmbibliothek wiederzusehen, und dies erklärt, warum die Filmliebhaber der älteren Generation die Kinder der Cinémathèque waren, also die Kinder von Henri Langlois . die genau viele dieser gescheiterten Filme gespielt haben. "

Auf der anderen Seite war es bis zu einer gewissen Zeit für einen Cinephilen möglich, einen großen Teil des Filmwelterbes zu sehen. Dies war für viele französische Kinobesucher zwischen den 1940er und 1960er Jahren der Fall . Heute, angesichts des fast exponentiellen Wachstums der Filmproduktion seit der Geburt des Kinos, und obwohl sie ihr Leben diesem widmen, können Kinobesucher nur einen winzigen Teil davon sehen. Für zeitgenössische Cinephile wird dann die Wahl zwischen einem qualitativen Ansatz (nur anerkannte oder preisgekrönte Filme oder nach persönlicheren Kriterien) oder einem quantitativen Ansatz getroffen – man spricht dann von Cinéphagie .

Cinephilia hat auch andere Einflüsse: Seit der Geburt des Kinos haben sich Filmclubs entwickelt, um Filmliebhaber zusammenzubringen . Im Allgemeinen studiert man dort die Geschichte und die verschiedenen Techniken des Kinos nach einer Filmvorführung. Die verschiedenen Mitglieder eines Filmclubs haben die gleichen Interessen und planen ihre Sendungen und Diskussionen oder Debatten selbst. Im Laufe der Zeit hat sich das Konzept weiterentwickelt und wird zunehmend mit einer vielfältigen soziokulturellen Aktivität verbunden. Es wird daher in Bildungsprogrammen wie „Cine-Snacks“, im Rahmen eines kulturellen Ziels wie einer „Ciné-Philosophie“, die Kino und Philosophie verbindet , oder sogar im Rahmen einer gewinnorientierten Organisation adaptiert Organisation von Themenabenden wie „Cine-Partys“.

Die Ankunft der neuen Medien in der zweiten Hälfte des XX - ten  Jahrhunderts hat sich die Gewohnheiten der Zuschauer verärgert. Das Fernsehen , der Videorecorder , die DVD und das Internet haben einen Cinephilen populär gemacht , der auf dem Höhepunkt des Besuchs von Filmclubs (von 1940 bis 1960 ) als elitär angesehen wurde . Aber diese wachsende Popularität hat nicht reflektiert worden Kinobesuch , wie Cinephilie ist weniger offensichtlich in Theatern . Tatsächlich sind die Zuschauerzahlen seit der Nachkriegszeit weiter zurückgegangen , wie die detaillierte Tabelle über die Kinobesucherzahlen in den wichtigsten Ländern, in denen das Kino seit 1950 einen bedeutenden Platz einnimmt, gezeigt wird  :

Durchschnittliche Anzahl der Kinofilme pro Einwohner und Jahr
Land 1950 1955 1965 1975 1985 1995 2000 2005
Deutschland 10,2 15.1 5.1 2.3 1,8 1,5 1,9 1,54
Vereinigte Staaten 20,5 14.2 6.6 4.6 5.1 4,8 5.2 4.7
Frankreich 8,9 9.1 5.3 3.5 3.2 2.3 2.9 2.98
Italien 14.2 16,7 12,5 8,9 2.2 1,6 1,6 1,86
Japan 13,9 13,6 3.9 1.7 1,2 1.0 1.1 0,9
Vereinigtes Königreich 29 26 6.7 2.1 1.3 2.0 2.4 2.73

Wirtschaft

Die Wirtschaft und das Kino schon immer sehr nah gewesen: der wirtschaftliche Aspekt manchmal erklärt auch die Geschichte oder die Ästhetik des Bildes.

Die Filmindustrie braucht Geld. Im Laufe der Zeit haben sich jedoch die Methoden zur Produktion und zum Vertrieb eines Films weiterentwickelt. In den 2000er Jahren betrugen die Veröffentlichungskosten eines französischen Films beispielsweise durchschnittlich 652.000  € . Knapp 44,7% dieses Wertes werden für den Kauf von Werbeflächen verwendet, also durchschnittlich 207.500  € . Es folgen Laborkosten, die 31,8 % des Budgets ausmachen, und die Gestaltung von Werbemitteln, die durchschnittlich 51.000 € kosten  . Diese Werte variieren jedoch je nach Anzahl der Kopien des Films.

Finanzierung

Der finanzielle Aufwand für ein kinematografisches Werk ist im Allgemeinen beträchtlich. Dies liegt an der Anwesenheit einer großen Anzahl von Akteuren am Entstehungsprozess eines Films sowie an den verwendeten technischen Mitteln, die oft von Bedeutung sind. Daher wurde von Beginn des Kinos an eine wirtschaftliche Tätigkeit organisiert , um einerseits die für die Produktion notwendigen Mittel und andererseits die Rendite der Investitionen zu sichern . Die Kassenergebnisse sind daher entscheidend, zumal die Einnahmen aus anderen Medien ( Fernsehen , Video etc.) mit dem Erfolg in den Kinos korreliert sind (der Verkaufspreis an Fernsehsender hängt von der Zuschauerzahl ab).

So beteiligen sich Fernsehsender zunehmend an der Finanzierung des Kinos und auch Hersteller haben Hilfestellung geleistet, indem sie die große Leinwand als Vehikel für ihre Produkte nutzen (man spricht dann von Product Placement ). Das Aufkommen von haushaltstauglichen Medien (zunächst die Videokassette, dann die DVD und neuerdings die Blu-ray-Disc ) aus den 1980er Jahren stellt eine neue und immer wichtigere Einnahmequelle dar. Zur gleichen Zeit, die Vermarktung von derivativen Produkten ( Kinderspielwaren , Videospiele oder auch die Aufzeichnung der Film - Soundtrack ) und gemeinsame Kampagnen (eine Marke verbindet sich mit dem Film , um Nutzen aus seinem Bild) runden das Panorama des Umsatzes.

Zur Finanzierung eines Spielfilms in Frankreich und mit dem Ziel, angehende Produzenten zu begünstigen , stellt das Nationale Zentrum für Kino und Animationsfilm ihnen automatisch finanzielle Unterstützung zur Verfügung. Ebenso finanzieren SOFICAs , Private- Equity- Gesellschaften , fast 5,5 % der Kinofilme gegen einen Prozentsatz der Einnahmen, jedoch ohne Rechte an den Negativen. Seit ihrer Gründung im Jahr 1985 haben sie fast 380.000.000 € in mehr als siebenhundert Filme investiert  . Wenn die Produzenten im Moment die ersten Planer eines Films sind, holt das Fernsehen sie ein. So hat TF1 im Jahr 2000 fast 234'600'000 Franken in 19 Filme investiert .

Es gibt jedoch noch andere Länder, in denen Kino und Fernsehen nicht diese Art von Beziehung haben, und eine nachträgliche Finanzierung . In den Vereinigten Staaten finanziert das Fernsehen im Gegensatz zu den großen Majors keine oder nur wenige Produktionen . Ebenso wird das deutsche Kino durch Subventionen finanziert ( 1977 machten sie fast 80 % der Filmfinanzierung aus). In Südkorea wurden Filme in den 1960er Jahren durch Quoten finanziert , um vor dem amerikanischen Kino wieder aufzutauchen , und 1990 konnten dank der Intervention von Industriekonzernen ("chaebols") jährlich mehr als 300 Filme produziert werden .

Darüber hinaus spielt der Verkäufer oder Verleiher des Films während der Entwicklung jetzt eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung des Drehbuchs und des Drehbuchs . Um sich für den Vertrieb eines Films zu entscheiden, sucht der Verkäufer in der Tat nach einer Geschichte, die oft Mainstream ist und eine vorteilhafte Kinokasse bietet . In diesem Sinne wird Autorenkino beim Verleih nicht mehr privilegiert .

Die Entwicklung jedoch Peer-to-Peer - Computer - Datei - Sharing , die den Austausch von Filmen zwischen Individuen auf dem ermöglicht Internet , hat Filmprofis befürchten eine Krise wie die die einander zugewandten Plattenindustrie .

Doch laut MPAA , der Interessenvertretung der amerikanischen Filmindustrie, existiert eine solche Krise nicht nur nicht, sondern die weltweiten Gewinne sind in den letzten 10 Jahren um 54 % gestiegen. So können wir in Frankreich im Juli 2009 mit 20.700.000 Zuschauern einen Rekordbesuch in den Kinos verzeichnen: Es war dreißig Jahre her, dass so viele Menschen nicht mehr gekommen waren, um einen Film zu sehen. Dieser Zustrom kann durch die Veröffentlichung von Big-Budget-Filmen wie Ice Age 3 , Harry Potter 6 , Up there oder sogar Public Enemies erklärt werden . Darüber hinaus hat der Kampf gegen Piraterie weiter zugenommen: Eine Kopie von Bronzés 3 wurde von TF1- Mitarbeitern , die vom Gericht in Nanterre verurteilt wurden  , im Internet veröffentlicht ; die Warner Bros. beschlossen, Premieren in Kanada zu verbieten . Darüber hinaus werden Gesetzentwürfe diskutiert, die versuchen sollen, die Filmindustrie zu schützen.

Einige Künstler haben sich jedoch bereits entschieden, ihre Filme freiwillig über das Internet zu verbreiten. Wir erwähnen insbesondere Elephants Dream oder Le Bal des Innocents von Joseph Paris, die beide unter der Creative Commons-Lizenz erhältlich sind . Ebenso die Warner Bros. hat seinen Videovertrieb seit Anfang 2009 reformiert . Während der Videoveröffentlichung von The Dark Knight: The Dark Knight beschloss die Produktionsfirma, dem Käufer einer DVD einen kostenlosen und legalen Download im Internet anzubieten. Gleichzeitig entschied Warner, dass die Video-on-Demand-Veröffentlichung zeitgleich mit der regulären DVD / Blu-ray-Disc-Veröffentlichung erfolgen würde . In dieser Initiative sieht Warner einen Kampf gegen Piraterie.

Kino und Fernsehen

Die Verbindungen zwischen Kino und Fernsehen wurden von Laurent Creton in Le cinema et argent hervorgehoben . Das Kino unterhält komplizierte Beziehungen zum Fernsehen , letzteres ist in der Tat der erste Konkurrent des Kinos. Die Einführung von Farbe im Fernsehen hatte daher in den 1960er Jahren in Frankreich einen direkten Einfluss auf die Kinobesucherzahlen .

Es ist aber auch der erste Kunde des Kinos. Die TV-Sender widmen einen erheblichen Teil ihres Programms Spielfilmen oder Dokumentationen, weil diese Programme ihre hervorragenden Zuschauerzahlen garantieren. Im Gegenzug verlangen Vereinbarungen, dass die Kanäle in die Filmindustrie investieren. Sie werden somit zu Koproduzenten und nehmen durch den Erwerb von Filmübertragungsrechten einen erheblichen Anteil an der Filmfinanzierung ein. Heutzutage ist es für eine Filmproduktion unabdingbar, eine Fernsehübertragung zu erhalten, um ein Projekt auf die Beine zu stellen.

Für die Produzenten ist die Bedeutung dieser Investitionen zugleich ein beruhigendes Element, da sie eine Verringerung oder Aufteilung des finanziellen Risikos und einen Freiheitsverlust darstellen . Sehr oft muss der Produzent nämlich die Projekte auswählen, die voraussichtlich auf einem Fernsehkanal ausgestrahlt werden. Obwohl nur teilweise, gefährdet diese Kontrolle der Produzenten durch die Fernsehsender die Vielfalt und Originalität der produzierten Filme.

Die Fernsehsender , die die Filme ausstrahlen möchten , spiegeln die Vielfalt der Kulturen wider , können ihre Beziehungen zum Kino nicht auf einheimische Produzenten beschränken . Dann koexistieren zwei Szenarien. Entweder wurden alle Rechte für das nationale Territorium des vorgeschlagenen Films von einem nationalen Verleiher erworben , der Fernsehsender verhandelt dann mit dem Verleiher. Entweder liegen die Fernsehrechte des vorgeschlagenen Films bei einem internationalen Verkäufer, wobei der Fernsehsender für die Verhandlungen mit diesem internationalen Verkäufer und die Synchronisierung oder Untertitelung des Films selbst verantwortlich ist.

Die Verkürzung der Arbeitszeit sowie die Zunahme des Programmangebots, darunter eine Vielzahl von Filmen, haben es dem Fernsehen ermöglicht, sich in den Familien zu etablieren. Für Frankreich erhöhte das Erscheinen von Canal + im Jahr 1984 sowie anderer Kanäle die Anzahl der geplanten Filme erheblich. Zwischen 1975 und 1984 konnte man auf den drei öffentlich-rechtlichen Sendern fünfhundert programmierte Filme pro Jahr sehen, gegenüber durchschnittlich eintausendfünfhundert ab 1995 (einschließlich eines ⁄ 3 auf Canal +), und dies ohne die Wiederholungen zu zählen.

In Frankreich hat sich die jährliche Gesamtzahl der Filmvorführungen in dreißig Jahren um mehr als das Zehnfache vervielfacht. Mit Betrachten meinen wir den Eintritt in einen Kinosaal oder einen Zuschauer , der zu Hause vor einem Bildschirm ( Fernseher , Computer ) sitzt . Im gleichen Zeitraum haben sich die Anteile an dieser Summe deutlich zugunsten der Heimbesichtigungen verändert. So finden heute nur noch 2 % der Kinobesuche in einem Kino statt . Es sei auch darauf hingewiesen, dass die Ausgaben der privaten Haushalte für audiovisuelle Ausgaben zwischen 1980 und 2002 zu den am stärksten gestiegenen Ausgaben gehörten. Aber auch hier ist der Anteil des Kinos an diesem audiovisuellen Haushaltsbudget zugunsten alternativer audiovisueller Ausgaben gesunken. Damit stieg dieser Anteil von 50 % im Jahr 1980 auf 14 % im Jahr 2002 .

Nach einer Studie von ABN AMRO ( 2000 ) stammen rund 26 % der amerikanischen Studioeinnahmen aus dem Verkauf von Kinokarten, 28 % aus Fernsehsendungen und 46 % aus dem Verkauf inländischer Formate ( Kassetten , DVD , Blu -Ray , Internet usw.).

Entwicklung des Marktes

Die größten Importeure von Spielfilmen sind die USA und Frankreich . Tatsächlich ist das Handelsvolumen zwischen Europa und Nordamerika beträchtlich: 1997 sahen beispielsweise 53 Millionen Nordamerikaner europäische Filme in den Kinos, während 388 Millionen Europäer Filme sahen. Nichtsdestotrotz ist die Handelsbilanz für die Vereinigten Staaten günstig und beläuft sich auf ein Jahreseinkommen von 5.600.000.000 USD  . Als nächstes kommt Kanada, dessen Kinos fast 220 ausländische Filme gezeigt haben . Folglich ist es möglich, eine Annäherung zwischen den Erzeugerländern und den Ausfuhrländern herbeizuführen, tatsächlich sind die Länder, die am meisten exportieren, oft die Länder, die am meisten produzieren. Das Indien erscheint zuerst mit Exportproduktion um fast 60% auf die Märkte von ' Afrika .

Trotz der erheblichen Vielfalt der Welt der Filmproduktion, monopolisieren amerikanische Produktionen den größten Anteil des Marktes, auch Situationen von Quasi-Monopol in Ländern wie präsentiert Chile und Costa Rica , wo 95% der importierten Filme kommen aus den Staaten. Vereinigte oder in Zypern wo diese Zahl 97% erreicht. Im Gegensatz dazu repräsentiert das amerikanische Kino nur 7 % des Marktes im Iran, der selbst etwa 62 Spielfilme pro Jahr produziert und dessen Kinos ein Programm mit Filmen aus den unterschiedlichsten Quellen haben. Ebenso scheint der afrikanische Kontinent der größte Importeur amerikanischer Produktionen zu sein, wo sein Marktanteil 70 % erreicht, gegenüber 15 % für europäische Filme. Die französischsprachigen afrikanischen Länder widmen jedoch zu gleichen Teilen amerikanischen und europäischen Produktionen von etwa 40 %, wobei Marokko mit 46 % der amerikanischen Filme, 20 % der indischen Filme und nur 8,5 % der französischen Filme die Ausnahme bildet. Andere Kinos wie die in Hongkong oder Taiwan , deren Produktionen dennoch als durchschnittlich gelten, verzeichneten erhebliche Exportverkäufe, insbesondere nach Afrika und Südamerika, wo die Verbreitung des japanischen Films ebenfalls bemerkenswert ist. Diese Zahlen liegen jedoch einer Reihe unsichtbarer Phänomene zugrunde, wie der Vielfalt der Kulturen, die eine Vielfalt der Nachfrage verursacht, der Macht der Vertriebsunternehmen oder sogar anekdotischeren Fakten wie der von einigen Regierungen eingeführten Zensur, die in einigen Ländern die Produktion bremst .

Zur gleichen Zeit haben andere Kinos an der Entwicklung des Marktes teilgenommen und es geschafft, ihren Platz mit einem immer wichtigeren Import zu erobern, zum Beispiel im Fall von Bollywood und allgemeiner des indischen Kinos . In Indien sind die Produktionen im Allgemeinen günstig, die teuersten erreichten 10 Millionen  $ . Bis Ende der 1980er Jahre wurden Filme außerhalb Indiens nicht gezeigt, mit wenigen Ausnahmen wie Marokko , wegen der amerikanischen und europäischen Distributionen, deren Einfluss global war, oder aufgrund der kulturellen Unterschiede. Mit der Verbesserung der Techniken im Zusammenhang mit Spezialeffekten ist es Bollywood-Filmen jedoch gelungen, Fuß zu fassen und einen größeren Markt zu erschließen, wie etwa Krrish, der 2006 gedreht wurde, oder Love Story 2050 ( 2007 ), deren Dreharbeiten die Beteiligung von mehr als fünf Personen generierten internationale Spezialeffektstudios. So hat sich das indische Kino entwickelt und internationalisiert. Mit der Entwicklung des Marktes ist jedoch in einigen Ländern vom Niedergang der nationalen Filmindustrie die Rede. Dies ist beispielsweise in Italien der Fall . Parallel zum Besucherrückgang zeigen die Kinos in Italien nur 19% der italienischen Filme mit einer Produktion von rund 138 Filmen pro Jahr. Die Europäische Union hat die Initiative für Koproduktionen zwischen ihren Ländern ergriffen, so dass im Jahr 2004 41 italienische Filme Koproduktionen sind. Dies reichte jedoch nicht aus, um den Wert des italienischen Kinos zu steigern . Laut Marin Karmitz , ist es durch den Einfluss des privaten Fernsehens , dass dieser Rückgang erklärt, zerstörerische Kreativität: Er wird dann sprechen von einem Trojanisches Pferd in Europa für die amerikanische Kino . Angesichts des Niedergangs des nationalen Kinos strahlten die Fernsehsender tatsächlich eine große Mehrheit der amerikanischen Filme aus.

In der folgenden Tabelle sind die Länder aufgeführt, die die meisten Filme produzierten, basierend auf dem Jahresdurchschnitt der zwischen 1988 und 1999 produzierten Filme . Es sei darauf hingewiesen, dass einige dieser Länder nur einen winzigen Teil ihrer Produktion exportieren, manchmal vor den größten Exporteuren.

Rangfolge Produktionsland Durchschnittliche Anzahl der pro Jahr produzierten Filme zwischen 1988 und 1999
1 st Indien 839
2 nd China und Hongkong 469
3 rd Philippinen 456
4 th Vereinigte Staaten 385
5 th Japan 238
6 th Thailand 194
7 th Frankreich 183
8 th Italien 99
9 th Brasilien 86
10 th Birma 85

Fakultät

Von der ursprünglichen Idee über die Dreharbeiten bis zum Vertrieb sind an einem Film eine Reihe von Technikern, Künstlern und Sendern beteiligt. Sie kann mehrere Wochen bis mehrere Monate dauern. Normalerweise besitzt der Produzent die Rechte an dem Film.

Die Entstehung eines Films lässt sich in fünf Phasen unterteilen.

  1. Da ist zunächst die Entwicklung eines Drehbuchs, das von einem Drehbuchautor im Allgemeinen entworfen wurde.
  2. Anschließend wird die Vorproduktion eingerichtet, um die Dreharbeiten mit der Gestaltung einer Produktionsdatei vorzubereiten.
  3. Dann kommt die Produktion selbst , bei der der Regisseur seinen Film zusammen mit einer Vielzahl von Technikern und Künstlern wie den Schauspielern , dem Kameramann oder seinen Assistenten dreht .
  4. Schließlich ermöglicht die Postproduktion die Bearbeitung des Films und das Hinzufügen der Tonspur sowie Spezialeffekte und fotochemische und/oder digitale Laborarbeiten . Das Ende der Postproduktion wird durch die Lieferung des Films in seinen verschiedenen Verwertungsformaten (photochemischer Film, digitale Dateien für das digitale Kino und PAD (ready to send) für das Fernsehen und andere Verbreitungsarten) erreicht der Produzent.
  5. Der Prozess endet mit dem Vertrieb, wenn der Film von Werbung und Kopien profitiert, die seinen Vertrieb begünstigen; dies wird als Ausbeutung bezeichnet .

Produktion

Die Produktionsphase eines Films umfasst die gesamte Produktion des Filmmaterials , von der Erstellung eines Projekts bis zum Vertrieb . Die Rolle des Produzenten ist jedoch im Laufe der Zeit nicht immer gleich geblieben und er steht nicht immer am Ursprung eines Films.

Die Produktionsfirma trägt die durch die Dreharbeiten anfallenden Kosten . Es wählt auch die Vertriebsgesellschaft , die sich um die Veröffentlichung des Films kümmert, wenn dieser veröffentlicht wird. Es kommt manchmal vor, dass der Produzent seine eigene Vertriebsgesellschaft gründet. Außerdem hilft er bei der Filmproduktion, dem Schreiben des Drehbuchs , der Auswahl von Schauspielern und Drehorten und ist bei Konflikten der Hauptansprechpartner für das Team. Der Produzent hat daher nicht nur eine künstlerische Rolle, sondern auch eine Schirmherrschaft . Der Produzent ist gegenüber den verschiedenen Planern des Projekts allein verantwortlich. Darüber hinaus wird seine Funktion wie folgt definiert: „Der Produzent des audiovisuellen Werks ist die natürliche oder juristische Person, die die Initiative und die Verantwortung für die Produktion des Werks ergreift […] und künstlerische Verantwortung für die Produktion des Werkes und garantiert seinen erfolgreichen Abschluss“. Dennoch gibt es meistens einen Unterschied zwischen der Produktion eines Films in den USA und in Frankreich . Tatsächlich arbeitet der Produzent in den Vereinigten Staaten sehr oft für ein großes Kino , ein großes Unternehmen, das zur Finanzierung des Films auf Banken oder Firmen angewiesen ist , während der Produzent in Europa im Allgemeinen für ein kleines Unternehmen arbeitet und auf die Hilfe angewiesen ist verschiedener öffentlicher Einrichtungen wie der CNC in Frankreich für ihre Subventionen.

Die Ausgabe beginnt mit der Entwicklung , also mit dem Schreiben eines Drehbuchs . Anschließend wird ein Sequenzer entworfen, mit dem die Geschichte in Szenen zerlegt werden kann. Daher wird vom Produzenten ein Verleiher ausgewählt: Er bewertet den potenziellen Erfolg des Films unter Berücksichtigung des Genres des Films, der Zielgruppe oder der Erfolgsgeschichte ähnlicher Filme. Anschließend wird ein Regisseur gewählt. Dann kommt die Vorproduktion , in der der Film vorgestellt und auch die Dreharbeiten vorbereitet werden. Manchmal zeichnet ein Illustrator ein Storyboard , um alle Aufnahmen zu beschreiben , die gedreht werden müssen, und hilft so dem Team bei der Vorbereitung des Sets. Auch das Budget wird von der Produktionsfirma festgelegt. Der Executive Producer stellt das erforderliche Filmteam ein: dazu gehören in der Regel der Regisseur, sein Assistent , ein Casting Director , ein General Manager , der Production Manager und der Director of Photography , der künstlerische Leiter , der Sound Operator. , Boom Operator , Cutter und Komponist . Die Dreharbeiten so bereit zu sein wir die Phase eintreten Produktion selbst , dass dort , wo der Leiter puts in Szene der Schauspieler: die Aufnahmen endlich beginnen können.

Die Beleuchtung wird aufgebaut und die Schauspieler werden geschminkt und kostümiert. Dann proben sie ihren Text unter der Leitung des Regisseurs , der ihnen sagt, welche Bewegungen sie ausführen sollen oder was mit ihrer Intonation nicht stimmt. Endlich können die Dreharbeiten beginnen. Jede Szene wird in mehreren Einstellungen gedreht und jede Einstellung wird dank des Klatschens identifiziert , wodurch der Editor die guten Einstellungen unter denen identifizieren kann, die nicht verwendet werden. Es liegt am Regisseur, zu entscheiden, ob die Aufnahme gut ist oder im Gegenteil, ob sie wiederholt werden sollte. Zur Sicherheit sind die guten Buchsen verdoppelt.

Für Produktionen mit traditionellem fotografischem Film , werden tagsüber Negative auf das gesendete Labor für nächtliche Entwicklung. Sie stellen die „  Rushes  “ (die ersten positiven Aspekte) dar und werden vom Regisseur, dem technischen Team und manchmal den Schauspielern betrachtet . Bei digitalen Techniken werden die Takes heruntergeladen und in einem Computer unter dem Namen „Takes of the Day“ orchestriert. Somit tritt der Film am Ende der Dreharbeiten in die Postproduktionsphase ein , wo er mit eventuellen Spezialeffekten und der Tonspur bearbeitet wird . Mit dem Aufkommen von Videos hat sich der Bearbeitungsprozess weiterentwickelt. Das Prinzip der Bearbeitung besteht darin, die Aufnahmen und Sequenzen zusammenzusetzen. Der nächste Schritt besteht darin, eine gewisse Fluidität in der Bildfolge zu erzeugen. Also geben der Regisseur und der Produzent ihre Meinung ab. Die Baugruppe ist damit „geschlossen“. Beim Audio-Mixing werden Ton und Bild synchronisiert. Dann wird das Endergebnis der Bearbeitung die "Arbeitskopie", und eine beleuchtete oder kalibrierte Kopie wird von dem an diese Kopie angepassten Negativ erstellt. Von diesem Druck werden die für Kinos bestimmten Kopien angefertigt. Der Film geht also in die Vertriebsphase , das heißt, eine von der Produktionsfirma beauftragte oder gegründete Firma entwirft ein Poster des Films, organisiert Sessions für die Presse und schafft ein Werbeuniversum um den Film herum.

Verteilung

Eine Vertriebsgesellschaft ist ein unabhängiges Unternehmen, eine Tochtergesellschaft oder selten eine individuelle Struktur, die als letzter Agent mit einer Produktionsfirma die Vorführung des Films in den Kinos garantiert. In der Welt des Kinos bezieht sich der Begriff „Verleiher“ auf die Vermarktung und den Vertrieb von Filmen auf der ganzen Welt, sowohl auf der Ebene des Kinosaals als auch für private Zwecke.

Zunächst ist es Sache des Verleihers, die Vorführung im Theater sicherzustellen. Es liegt an ihm, die Sendungen zu planen: Dazu organisiert er Vorführungen für Aussteller oder kreiert attraktive Werbung für den Film. Sein Ziel ist es, dem Aussteller eine Vorstellung von dem Gewinn zu vermitteln , den er durch die Vorführung des Films erzielen kann. Dann muss der Verleiher einen Vertrag unterzeichnen, der den Prozentsatz festlegt, den der Betreiber an sein Unternehmen zurückzahlen muss, und den bereitgestellten Betrag nach der Vorführung des Films einziehen. Sie leitet einen Anteil der Einnahmen an die Produktionsgesellschaft weiter . Im Allgemeinen gibt es jedoch globale Verträge zwischen Händlern und Betreibern, die den Prozentsatz des Tickets festlegen, den sie teilen. In den 1920er Jahren wurden Filme "zum Festpreis pro Meter" ausgeliehen und diese Miete konnte ein oder zwei Tage dauern. Es obliegt auch dem Verleiher, sicherzustellen, dass die Anzahl der Kopien des Films ausreicht, um alle Kinos zu beliefern, und er überwacht deren Lieferung. Gleichzeitig prüft er, ob der Film in dem vertraglich vereinbarten Kino gezeigt wird und ob die Mindestplatzzahl stimmt. Wenn der Film nicht mehr projiziert wird, muss der Verleiher dann dafür sorgen, dass ihm die Rollen zurückgegeben werden. In der Praxis verkauft der Distributor auch Poster , Soundtracks und abgeleitete Produkte und organisiert Interviews für die Presse . Darüber hinaus hilft dieses Werbematerial dem Betreiber beim Verkauf von Tickets. Er kann auch Vorschauen einrichten , um das Publikum zum Kommen zu ermutigen, mit der Anwesenheit der wichtigsten am Set anwesenden Künstler .

Handelt es sich bei der Verleihfirma um einen fremdsprachigen Film, ist es auch ihre Aufgabe, den Film zu untertiteln oder die Synchronisation einzurichten . Es ist auch seine Aufgabe, die von seiner Regierung zensierten Szenen, falls vorhanden, zu schneiden.

Hier ist eine Grafik, die die Entwicklung des Kinofilmvertriebs in Frankreich darstellt (pro Jahr vertriebene Filme):

Filmfestivals

Ein Filmfestival ist ein Filmfestival . Diese Veranstaltung besteht aus der Vorführung einer Reihe von Kurz- oder Spielfilmen an einem bestimmten Ort und für einen begrenzten Zeitraum. Diese Vorführungen sind im Allgemeinen öffentlich, aber manchmal sind sie Kritikern , Journalisten oder Fachleuten vorbehalten . Das Filmfestival ist die erste Begegnung zwischen einem Werk, seinen Schöpfern und seinem Publikum, wenn dies vor der nationalen Veröffentlichung des Films stattfindet. Manchmal wird es die einzige sein, wenn die Begegnung fehlschlägt. Es ist daher ein Schlüsselmoment im Leben eines Films. Dieser Moment der Exposition kann gewalttätig sein. Für den Regisseur und den Produzenten kann die Reaktion des Publikums – selbst informiert – auf die Präsentation des Films eine Quelle tiefer Fragen oder einer nationalen und manchmal internationalen Anerkennung sein, wie der Goldene Löwe in der Mostra von Venedig , den Goldenen Bären bei der Berlinale oder die Palme d'Or bei den Filmfestspielen von Cannes .

Filmfestivals haben eine doppelte Rolle. Sie ermöglichen sowohl das Ausgraben von „Nuggets“ als auch das Bekanntmachen von Maschinen, um die ausgewählten Filme zu promoten. Das Beispiel der Filmfestspiele von Cannes ist frappierend: Filme im Wettbewerb und außer Konkurrenz werden in Frankreich vertrieben und von Produzenten , Verleihern und Kritikern aus der ganzen Welt gesehen. Ebenso findet während der fünfzehn Tage des Festivals der Film Market statt , der es Künstlern ermöglicht, die nicht über die Mittel verfügen, einen Verleih zu finden. Ein Filmfestival macht es daher möglich, ein Werk der ganzen Welt zu präsentieren.

Damit sind Filmfestivals entlang der Filmindustrie der Filmproduktion (Zeit der Entstehung) und der Verwertung (Zeit der Kinovorführung ) vorgelagert . Genauer gesagt befinden sich die wichtigsten internationalen Festivals unmittelbar nach der Produktion. Festivals mit nationalem oder regionalem Einfluss finden kurz vor der Kinoausstrahlung statt . Die meisten Festivals folgen einer jährlichen oder zweijährigen Regelmäßigkeit. Neben Fragen der praktischen Organisation macht dieser Rhythmus die Veranstaltung außergewöhnlich.

Hier ist eine Grafik, die die Anzahl der Festivals in Europa im Jahr 1996 zeigt  :

Operation

Nach den Phasen Produktion und Vertrieb kommt die Auswertung, die auf die Vorführung von Filmen hinausläuft. Die Tätigkeit eines Betreibers kann je nach Anzahl der Tonräume im Komplex als „handwerklich“ oder „industriell“ bezeichnet werden: wir sprechen von einem Miniplex oder einem Multiplex . Er kann auch unabhängig oder angestellt sein: Er wird dann von einem nationalen oder internationalen Konzern wie Gaumont , Pathé , UGC , Regal Entertainment Group oder sogar MK2 abhängig sein . Der Betreiber kann selbst oder mit Hilfe verschiedener Distributoren wie Warner Bros. , EuropaCorp oder Buena Vista , korrigieren Sie die Programmierung und ändern Sie sie, wenn ein Film fehlschlägt.

In Frankreich ist die öffentliche Aufführung eines Films illegal, wenn kein Ausstellungsvisum vom Ministerium für Kultur und Kommunikation erteilt wurde . Letzteres basiert auf der Stellungnahme einer Kommission, in der Behörden, Fachkreise und Verbraucher- oder Jugendschutzverbände vertreten sind. Das Verwertungsvisum ist eine Genehmigung für die öffentliche Verbreitung eines Werks und die Einordnung dieser Werke in nach Alter festgelegte Kategorien. Die Aussteller wissen somit, für welche Publikumskategorie der Film reserviert ist. Während der Auswertung werden die verschiedenen Einnahmen eines Films gesammelt, entweder durch den Verkauf einer Eintrittskarte oder durch den Verkauf eines abgeleiteten Produkts wie eines Posters oder der CD eines Original-Soundtracks . Diese verschiedenen Rezepte werden dann an die Händler weitergegeben , die einen Teil davon selbst an die Produktion spenden .

In Frankreich unterliegt das Kino keinem besonderen Rechtsstatus, der dem Aussteller eine gewisse Freiheit einräumt . Darüber hinaus ermächtigt das „Schweißgesetz“ die Kommunen, zum Betrieb und zur Investition von Kinos beizutragen. Diese Operation ermöglicht es, Theatern in Schwierigkeiten zu helfen, deren Eingänge nicht ausreichen würden, um langfristig funktionsfähig zu bleiben. Lokale Behörden können Kinos mit weniger als 5.000 Besuchern, die als Arthouse klassifiziert sind, indirekte Beihilfen gewähren , indem sie sie gemäß Artikel 1464-A von der Zahlung der Gewerbesteuer befreien .

Dennoch wird zwischen Verbreitung und Verwertung ein strenges und geregeltes Verhältnis hergestellt . Im Vertrag der Allgemeinen Filmmietbedingungen wird den Ausstellern das Recht zur öffentlichen Aufführung der Werke gegen eine den Einnahmen entsprechende Vergütung eingeräumt . Zusätzlich zu dieser Zahlung müssen sie einen Betrag an die Society of Authors, Composers and Music Publishers (SACEM) und eine Vergütung für die Eigentümer des Soundtracks zahlen . Darüber hinaus ist mit dem Verkauf einer Eintrittskarte die besondere Zusatzsteuer (TSA) zu entrichten , die die Finanzierung des Verleihs, der Produktion oder der Verwertung des Kinos ermöglicht.

Hier ist eine Grafik, die die kinematografische Verwertung in der Welt darstellt, genauer gesagt, nach Ländern, die Anzahl der Kinos pro Million Einwohner:

Die Ausstellung wird mit der Vorführung von Nicht-Filmen abwechslungsreich : Opern, Veranstaltungen. Das29. Oktober 2001, die Vorführung der ersten digitalen Kinoübertragung über Satellit in Europa eines kinematografischen Spielfilms von Bernard Pauchon, Alain Lorentz, Raymond Melwig und Philippe Binant in Paris ebnet den Weg für die Anwendung der Telekommunikation für die kinematografische Auswertung und Satellitenübertragung von Opern und Veranstaltungen in Kinos.

Audiovisueller Sektor

In 2001 stieg die Video - Publishing um 25% in der Welt, dank der Entwicklung von DVD , die nach und nach ersetzt Videokassetten , die dann den Kopf des Umsatzes gehalten mit 36,5 Millionen verkauften Einheiten und 59% des Umsatzes. Video bezogen (in 2000 , die Kassette erzielte fast 77 % des Umsatzes). Der erste Film, der in Videoform veröffentlicht wurde, war Cheongchun gyosa, der 1972 im Kino und 1976 auf VHS veröffentlicht wurde  ; der letzte Film, der in Amerika auf VHS veröffentlicht wurde , war A History of Violence im Jahr 2006 . Ab sofort gibt es einen Nachfolger der DVD: die Blu-ray Disc , die zwei Stunden Video in High Definition oder dreizehn Stunden in Standard Definition ermöglicht. Das4. April 2008Fast 530 Blu-ray - Discs wurde in den verkauften Vereinigten Staaten , im Vergleich zu 250 in Japan . Diese Ausweitung des Videos ist zum Teil auf die neue Verordnung zurückzuführen, die seit 2001 die Veröffentlichung eines Videofilms sechs Monate nach seiner Veröffentlichung in den Kinos erlaubt . Die Frist wurde dann durch das Gesetz über Kreation und Internet auf vier Monate verkürzt und kann nach befürwortender Stellungnahme des Nationalen Zentrums für Kino und Animation auf drei Monate verkürzt werden .

Die Franzosen unterscheiden sich von anderen Westeuropäern durch eine stärkere Fokussierung auf den Konsum von Medienvideos auf den Kauf auf Kosten des Mietens in Videoclubs . Im Jahr 2002 wurden somit 85 % des französischen Videobudgets für den Kauf von Medien ( VHS oder DVD ) verwendet. Im selben Jahr waren durchschnittlich 70 % des europäischen Videobudgets für den Kauf reserviert. Gleichzeitig werden 60 % der Einkäufe in großen Einzelhandelsgeschäften getätigt ( Carrefour , Auchan , E.Leclerc , Géant ). Dennoch kommt dieser Erfolg vor allem dem gebundenen Verkauf an das amerikanische Kino zugute . Anders als bei der VHS-Ausgabe, bei der die Auflagensteigerung nur eine Begrenzung der Herstellungskosten pro Stück bewirkt, profitiert die DVD-Ausgabe, bei der die Hauptinvestition in der Herstellung des "Masters" liegt, schnell von Skaleneffekten, wenn die Druckauflage steigt. So fördert das DVD-Publishing vor allem den Vertrieb kommerzieller Filme, deren Verlage wie die großen amerikanischen Majors über eine globale Infrastruktur verfügen. Wir stellen fest, dass sechs Unternehmen fast 85 % der Videobearbeitung teilen. In 2001 , Universal Pictures war an der Spitze der Rangliste, dank des Erfolgs von Gladiator , vor 20th Century Fox Pathé Europa , die dann veröffentlicht Star Wars, Episode I: Die dunkle Bedrohung .

Mit der Entwicklung des Internets hat jedoch das illegale Streamen von Filmen über Peer-to-Peer- Sharing-Software zugenommen. Die Europäische Kommission kam in ihrem Bericht zu dem Schluss, dass 5 bis 7 % des Welthandels auf Piraterie oder fast 300 Milliarden Euro beruhten. Dieses Phänomen hat daher einen immer größeren Einfluss auf das Video-Publishing, genau wie das Streaming . Im Jahr 2007 erklärte das Marktforschungsunternehmen jedoch, dass die Franzosen immer weniger herunterladen: 2006 waren es 5.000.000 gegenüber 2.300.000 im Jahr 2007 .

Umsatzentwicklung der Video-Publisher in Millionen
1992 1993 1994 1995 1996 1997 1998 1999 2000 2001
Vermietung 52 46 49 50 57 67 71 78 78 96
Verkauf 305 329 384 483 499 495 502 498 578 723
Gesamt 357 375 433 533 557 562 572 576 656 819
Davon Verkauf auf DVD 13 83 216 415

Rund um die Filmbranche

Öffentliche Betreiber

Seit einigen Jahren hat sich die Wirtschaft im Kino stark weiterentwickelt. Zwischen den Kinoketten und den amerikanischen Majors wurden Vereinbarungen unterzeichnet, die erhebliche Auswirkungen auf letztere hatten. Betreiber von Satellitenpaketen schließen zunehmend Verträge mit großen Produktionsfirmen ab, um Zugang zu ihrem Filmkatalog zu erhalten und damit ihre Verbreitung zu sichern. Canal + hat Verträge mit fünf Studios, die das sind Walt Disney Company , Universal Pictures , Columbia Pictures / TriStar , die 20th Century Fox und Warner Bros . Diese verleihen Canal+ bedeutende Senderechte.

Die am häufigsten mit den Majors geschlossenen Vereinbarungen erhöhen jedoch die Zahl der ausgestrahlten amerikanischen Filme, indem sie den Interventionsspielraum der nationalen Verleiher bei Fernsehkanälen verringern , was auch das Gleichgewicht zwischen der Tätigkeit unabhängiger Verleiher, der Filmveröffentlichung und dem Verkauf an Fernsehkanäle bricht.

In Frankreich gibt es Unternehmen zur Finanzierung der Film- und audiovisuellen Industrie (oder "Sofica") und des nationalen Zentrums für Kino und Bewegtbild, die auf den audiovisuellen Bereich spezialisiert sind. Ihr Zweck besteht darin, die Produktion von Filmen und deren Vertrieb zu finanzieren. Darüber hinaus besteht die Aufgabe der Filmbibliothek darin, das Filmerbe zu bereichern und seine spätere Verbreitung sicherzustellen.

Preisverleihungen

Eine Filmpreisverleihung ist eine Zeremonie, die von einer öffentlichen oder nationalen Einrichtung organisiert wird, die sich dem Kino widmet, wie etwa Akademien oder Stiftungen. Während dieser Zeremonie können ein oder mehrere Preise verliehen werden. Im Allgemeinen ist es die künstlerische Seite eines Films, die bei diesen Zeremonien wahrgenommen wird. Es war in 1920 , dass die ersten Auszeichnung Daten zu sichern Photoplay , ein Magazin auf amerikanisches Kino . Es gibt jedoch einige Auszeichnungen, die den kommerziellen Erfolg loben , wie die Goldene Leinwand in Deutschland, die jeden Film mit über 3.000.000 Zuschauern auszeichnete. Doch nicht nur die Filme werden ausgezeichnet, auch die Künstler und Techniker werden für ihren Beitrag zum Film belohnt. Wir finden zum Beispiel den Oscar für die beste Regie in den USA . Diese Zeremonien haben in der Regel Monopolcharakter auf ihrem Territorium und belohnen vor allem nationale Künstler und Techniker.

Die berühmteste Preisverleihung weltweit sind die Oscars, die einmal im Jahr in Los Angeles amerikanische und ausländische Filme mit unzähligen Preisen prämieren . Wenige Wochen zuvor fand die Golden Globes- Zeremonie statt , die seit 1944 von der Hollywood Association of the Foreign Press geleitet wird . Im Gegensatz dazu belohnt die Verleihung der Razzie Awards die schlechtesten Filme oder Künstler. Nur Filme, die im Land kinematografisch verwertet wurden, können im Allgemeinen konkurrieren. So werden im Gegensatz zu Festivals , die vor dem Verleih stattfinden , die Preisverleihungen nach dem Verleih aller angeflogenen Filme organisiert.

Zu den bekanntesten Filmpreisverleihungen zählen zum Beispiel die Oscars ( USA ), die Césars ( Frankreich ), die Goyas ( Spanien ) oder die BAFTA ( Großbritannien ). Neben Akademien und Stiftungen zeichnen auch andere Organisationen wie Filmkritikerverbände bestimmte Filme aus.

Techniken

Schießen

Die Technologie verwendet , um das Bild auf dem erstellen Filmfolie wird aus dem aufgenommenen Auslauf der Kameraansicht . Der Druck erfolgt durch Belichtung mit einer Kamera durch ein Objektiv mit der typischen Geschwindigkeit von 24 Bildern pro Sekunde, reguliert durch einen in die Kamera integrierten Quarz. Anfänglich 16 Bilder pro Sekunde (oder ein Fuß pro Sekunde), wurde die Rate mit dem Aufkommen des Tonkinos erhöht . Tatsächlich hängt seine Qualität ( Bandbreite , wow , Rauschen...) von der Laufgeschwindigkeit des Films ab.

Das Prinzip dieses Drucks wird auf der Basis einer Oxidation-Reduktions - Reaktion , welche die sieht Silberhalogenide in der beschichteten Emulsion Umwandlung in metallisches Silber bei Belichtung mit Licht . Die belichteten Stellen haben daher nach der Entwicklung ein schwarzes und sehr opakes Aussehen. Unbelichtete Bereiche werden lichtdurchlässig gemacht, nachdem der Fixierer sie vom Substrat entfernt hat. Die verschiedenen Schattierungen von Grau sind aufgrund der größeren oder geringeren Dichte der Silbersalze ergab. Man erhält also einen Eindruck in „  negativer  “ Form, woher der Name des Elements kommt.

Die Farbreproduktion auf Film erfolgt in zwei Phasen: Der Farbfilm besteht aus drei Schichten von Silberhalogeniden, die übereinandergelegt und mit Farbstoffen gekoppelt sind . Diese Farbstoffe absorbieren ihre Komplementärfarbe, sie sind Gelb, Magenta und Cyan, so dass diese drei Schichten somit für die drei Grundfarben empfindlich sind  : Rot, Grün und Blau . Somit wird eine trichromatische Analyse durchgeführt .

Beim Entwicklungsprozess werden Silbersalze verworfen, so dass nur die Farbstoffe in der Emulsion erhalten bleiben . Das Negativ wird nach der Entwicklung auf eine Positivemulsion gezeichnet. In der Druckphase, die mit einer additiven Laterne durchgeführt wird, die mit drei in der Intensität einstellbaren Quellen Rot, Grün und Blau ausgestattet ist, erzeugen die farbigen Schichten des Negativs die Synthese der zu reproduzierenden Farben nur aus den 3 Hauptkomponenten, die in der Negativ. Die positiv des Projektions selbst aus drei monochromen Schichten zusammengesetzt und wirkt somit als ein Farbfilter vor der Projektionslampe. Damit erreicht es eine subtraktive Synthese dieses „weißen“ Lichts bei der Farbtemperatur des Tageslichts, an die das menschliche Auge gewöhnt ist. Die Farbmetrik ist die Wissenschaft vom Messen von Farben . Es gibt verschiedene Möglichkeiten, Farben zu messen, aber die gebräuchlichste ist die Verwendung eines Thermokolorimeters , mit dem die Farbtemperatur einer Lichtquelle nicht willkürlich bestimmt werden kann.

Das erste Problem beim Aufnehmen von Bildern besteht darin, ein Bild zu erzielen, das in Dichte und Farbe korrekt belichtet ist. Um die Lichtmenge zu steuern, verwendete der Kameramann eine lichtempfindliche Zelle - am häufigsten zur Messung des Einfalls - und passt die Blende je nach Maß an. Der Kontrast wird mit der reflektierten Messzelle , an Objekten, meist mit einem Spotmeter eingestellt . Die Wahl der Quellen und die Einstellung der Beleuchtung erfolgt entsprechend der Empfindlichkeit der verwendeten Emulsion und dem möglichen Einsatz von Filtern vor der Kamera .

Sobald dieser technische Aspekt gemeistert ist, ist es notwendig, ein Licht zu komponieren, das ästhetisch dem Zweck des Films, seinem Szenario und der Atmosphäre der verschiedenen Szenen, wie dem Spiel der Schauspieler, dient und gleichzeitig viele technische und wirtschaftliche Aspekte integriert Einschränkungen. Wir können das kontrastreiche und dichte Licht eines Detektivfilms leicht unterscheiden , das weiche und homogene Licht einer Komödie zum Beispiel. Wenn die allgemeine Ästhetik eines Films viel Licht verdankt, kann seine Kohärenz nur unter der Bedingung eines Werkes der engen Zusammenarbeit zwischen den verschiedenen künstlerischen Verantwortlichen erhalten: Regisseur , vor allem aber auch Dekorateur , Kostümbildnerin. , oder Maskenbildner .

Das zweite Problem betrifft den Rahmen: Komposition von Aufnahmen , Gerätebewegungen, Schneiden von Szenen in Aufnahmen. Auch diese vom Kameramann ausgeführte Arbeit ist das Ergebnis einer engen Zusammenarbeit mit dem Regisseur . Für die Sauberkeit der Pläne und deren Ordentlichkeit ist schließlich der erste Assistenzoperator verantwortlich .

Labor arbeit

Ein Filmlabor bietet der Filmindustrie eine Reihe technischer Dienstleistungen an. Insbesondere Filmproduzenten nutzen ihre Dienste, um das Originalnegativ zu entwickeln, auf magnetische oder digitale Medien zu übertragen, die Arbeitskopien zu erstellen, das Negativ an den Schnittpunkt anzupassen, die Serienkopien anzufertigen und zu kalibrieren, die Kopien zu vervielfältigen bestimmte Spezialeffekte herausarbeiten, ein Videodokument auf Film übertragen ... Diese Arbeit wird von Technikern ausgeführt, die diese verschiedenen Techniken beherrschen. Der auf Silber gedrehte Film wird täglich einem Fotolabor anvertraut, das für die Entwicklung verantwortlich ist (chemischer Vorgang in mehreren Stufen, der aus Stoppen, Freilegen, Bleichen, Fixieren, Reinigen und Trocknen des Negativs besteht ). Dieser Schritt führt zu einem negativen , die nicht mehr lichtempfindlichen , das zu sagen, dass es ausgesetzt werden kann , Licht , ohne zu riskieren die Bilder Schuss zu verlieren.

Die Entwicklung ist eine kritische Phase und hängt von einer Vielzahl von Parametern und deren Präzision ab: konstante und aufgezwungene Temperatur, strenge Entwicklungszeiten, genaue Konzentrationen der chemischen Bestandteile. Die Wechselwirkung zwischen den Chemikalien im fotografischen Bad und dem Film findet auf einem Niveau nahe der Größe von Atomen statt . Das Positiv wird dann in einem additiven Drucker gezeichnet (während das Foto subtraktiv gezeichnet wird) und dieses Positiv wird selbst in einer Chemie entwickelt, die der Negativchemie ähnelt.

Die Kalibrierung besteht darin, die Flüsse der drei Kanäle (Rot, Grün, Blau) des Druckers genau einzustellen, um die vom Kameramann gewünschten Farb- und Dichtewiedergaben zu erhalten . Das „erste Positiv“, das vom Labor im Laufe der Produktion gezogen wird und das die „  Rushes  “ darstellt, wird der Produktion und dem technischen Team im Labor im Vorführraum präsentiert . Diese Präsentationen finden zum Zeitpunkt der Dreharbeiten, möglichst täglich, statt.

Derzeit ist es immer üblicher, das Negativ einfach auf Videounterstützung auf Telecine zu übertragen . Dies ist insbesondere für die Dreharbeiten eines Fernsehfilms relevant, aber auch für eine zukünftige digitale Postproduktion (virtuelle Bearbeitung, digitale Spezialeffekte , Tape-to-Tape- Kalibrierung usw.).

Für die Herstellung von Produktionskopien vom gerahmten Negativ gibt es zwei mögliche Lösungen. Die erste besteht darin, die Kopien direkt anzufertigen, aber das setzt voraus, dass dieses Negativ, das Collagen enthält und daher zerbrechlich ist, auf sehr schnellen Maschinen ausgeführt wird. Daher wird dieses Verfahren nur für Filme mit wenigen Kopien verwendet. Sobald ein Film gedreht als zehn Kopien mehr ist, eine zweite Lösung verwendet wird, darunter zwei zusätzliche Stufen in den Laborbetrieb: der Druck eines Interpositiv , von der negativen montiert, die eine liefert Internegativ , Art der Carbon Copy ohne Collage des gerahmten Negativs, von dem wir die Positivkopien anfertigen. Nach diesem Schritt ist der Film bereit für die Vorführung .

Wenn das Master des Films digital ist, kann es auf ein Negativ- oder Zwischenmaster (Internegativ, Interpositiv) übertragen werden. Jede Operation, die in einem Filmlabor durchgeführt wird, ist teuer. Die Frage der Bezahlung durch die Verleiher ist aufgrund der Arbeitszeit einer 60- m- Rolle (d. h. 2 Minuten 35-  mm-Film ), die mit einer 305- m- Rolle (d. h. etwa 11 Minuten) identisch  ist, ziemlich komplex  . Denn die Mitarbeiter müssen für diese beiden Filme gleich viele Teile und Maschinen vorbereiten, sodass die Länge des Films wenig Einfluss auf den Verarbeitungsaufwand des Films hat.

Montage

Kino ist in erster Linie eine Schnittkunst . Marcel Martin , in Le Langage Cinématographique , sagte, es sei "klar, dass der Schnitt (das rhythmische Vehikel) der subtilste und gleichzeitig der grundlegendste Begriff der kinematografischen Ästhetik ist, mit einem Wort ihr spezifischstes Element". Die Versammlung hat im Laufe der Zeit eine ästhetische Autonomie erlangt. Es basiert auf der Abfolge von Räumen und Zeit , um die Arbeit flüssig zu machen . Die Montage kann somit im audiovisuellen Bereich zum Zusammenbau mehrerer Ebenen zu Sequenzen zusammengefasst werden, die am Ende den Film bilden.

Zu den Anfängen des Kinos machten Filme wenig Gebrauch vom Schnitt. Die meisten Filme der Brüder Lumière und Méliès waren Sequenzaufnahmen . Die wenigen seltenen Armaturen waren umständlich. Es war mit David Wark Griffith , dass der Schnitt tatsächlich in erschien Geburt einer Nation in 1915 . In den 1920er Jahren war es der russische Film , der den größten Beitrag zur Montagetheorie leisten wird, insbesondere mit Lev Kuleshov und seinem Kuleshov-Effekt . Die Bearbeitung ermöglicht dann die Geburt von Spezialeffekten .

Die Bearbeitung erfolgt ab dem ersten Positiv, dem sogenannten Rush , das als Arbeitskopie dient. Die Schnitte der Folie werden mit einem „Kleber“ gemacht: mit einem Meißel und Klebeband . Nach der Bearbeitung wird das Negativ im Labor geschnitten und geklebt .

Derzeit dank Datenverarbeitungs , virtuelle (oder nicht - linear) Bearbeitung entwickelt . Die Arbeit erfolgt anhand einer digitalen Kopie des gescannten oder auf den Telecine übertragenen Negativs . Die gesamte Postproduktion kann dank dieser Methode komplett am Computer erfolgen. Über einen Magnetbandausgang oder direkt vom Schnittgerät wird das Ergebnis auf Film übertragen.

Der erste Schritt des Schnitts ist die Vorbereitung: Während der Dreharbeiten werden alle Aufnahmen zusammengefügt. Daher sprechen wir von "Derusher" dieser Aufnahmen: Wir müssen diejenigen auswählen, die laut Regisseur gut sind . Dann müssen Sie die Binsen aufteilen und je nach Szenario hintereinander legen . Dieser Schritt ermöglicht eine erste Betrachtung des Films und erleichtert anschließend die Bearbeitung. Mit der Entwicklung der virtuellen Bearbeitung verschwindet diese Protokollierung jedoch tendenziell, um Platz für einen ersten Schnitt, auch „Erster Schnitt“ genannt, zu machen. An dieser Stelle wird der Film einem kleinen Publikum gezeigt, das gezwungen ist, den Film geheim zu halten, um seine Meinung über die Entfaltung der Bilder zu erfahren. Der Final Cut, oder "Final Cut", hat einen großen Einfluss auf den Film und sein Verständnis. Es bedingt auch seinen kommerziellen Erfolg. Diese Phase kann Anlass für Konflikte zwischen den verschiedenen Produzenten und dem Regisseur sein , wie beim Schnitt von Brazil von Terry Gilliam . In den Vereinigten Staaten erlaubt die Regiegewerkschaft, die Directors Guild of America , Künstlern, ihre Filme unter dem Pseudonym „ Alan Smithee  “ zu signieren,  wenn die Produktion ihre Sichtweise auf den Schnitt durchsetzt. Ansonsten werden manchmal zwei Versionen des Schnitts gemacht, eine für die Produktion und die andere vom Regisseur (wir sprechen vom Director's Cut ). Aber diese Möglichkeit ist großen Filmen vorbehalten. Eines der bekanntesten Beispiele ist der 1982 veröffentlichte Blade Runner von Ridley Scott , bei dem der Regisseur seine Meinung während der Montage und Veröffentlichung von 1991 nach den Wünschen des Regisseurs nicht durchsetzen konnte.

Seine

Vorproduktion

Während der Vorproduktion , im Scouting - Phase kann der Ton - Operator für den Klang Zwänge in den Sätzen gewählt zu Rate gezogen werden (wenn der Satz laut ist, wird die Ton Folge die Notwendigkeit zu prüfen , Post - Synchronisieren Sie die Dialoge.

Dreharbeiten

Neben den Vorkehrungen vor oder nach der Synchronisation sind für den Tonmeister weitere Maßnahmen möglich, um eine optimale Tonqualität beim Filmen zu gewährleisten. In Absprache mit verschiedenen Abteilungen kann er verschiedene Schalldämpfungseinrichtungen (Schalldecken, schalldämmende Materialien) installieren. Er kann in besonderen Fällen auch eine bessere Kontrolle der Geräuschumgebung des Drehortes verlangen: Abstellen der Belüftung, Deaktivieren von Industrie- und Haushaltsgeräten, Löschen von Störwellen usw.

Nach Produktion

Gegen Ende der Bearbeitung der Bilder beginnt die Tonbearbeitung . Es ist eine eigenständige Phase der Montage, da der Auftritt der Stereoanlage im Kino oft von einem anderen Team durchgeführt wird. Es besteht darin, den Schnitt der Dialoge anzupassen und zu verfeinern, während der Dreharbeiten aufgenommene Geräusche zu den Bildern hinzuzufügen und das emotionale Klima des Films durch Hinzufügen von Soundeffekten, möglicherweise Sounddesign von Umgebungsgeräuschen , zu bereichern . Dies ist ein wichtiger künstlerischer Schritt in der Bearbeitung: Er spielt eine große Rolle, aber der Herausgeber darf die Komposition nicht zurücksetzen .

Historisch gesehen hat das traditionelle französische Kino zweideutige Beziehungen zur Musik unterhalten . Die Neue Welle erfand, wie die Impressionisten in der Malerei, das Filmen in natürlicher Umgebung ( das Kino kommt von den Kulissen ). Die Tonspur wurde ( im Prinzip und aus Zwang ) auf den einzigen am Set aufgenommenen Ton reduziert . Die in der Postproduktion hinzugefügten Soundelemente hatten nur eine funktionale Rolle (das Auffüllen der Löcher). Die kinematografische Erzählung schloss jede andere Klangerzählung als die des Realismus aus, zu deren Aposteln sich die Cahiers du cinema gemacht haben. Die Mittelmäßigkeit der Wiedergabe in Mono reduzierte den Soundtrack auf nur Dialoge und Musik. Vergleichen wir statistisch die Dauer der Musik französischer Filme mit amerikanischen Filmen jener Zeit, so kommen wir auf durchschnittlich 15 Minuten Musik für französische Filme gegenüber 50 Minuten für amerikanische Filme. Mitte der 1980er Jahre ließ die erste Kinokrise ein neues Genre entstehen: der Blockbuster , ein spektakuläres Kino mit Effekten (Bild und Ton), dessen Qualitäten nur in einem Kino (und nicht zu Hause) zu würdigen sind auf VHS oder DVD).

Es gibt auch Soundeffekte , Nachsynchronisation , Audiomischung, die von einem Mischer in einem Auditorium durchgeführt wird . Die Finalisierung ist ein ähnlicher Schritt wie beim Mastering . Nach dem eigentlichen Mischen ist der nächste Schritt seine oder seine Formgebung(en) gemäß den verschiedenen Betriebsmodi ( Diffusion ) wie analoges optisches Stereokino und Mehrkanal auf photochemischer Unterstützung, digitales Kino , Fernsehstereo, DVD und HD Fernsehen und Kino und 3D-Fernsehen . Die Produktion des Films ist abgeschlossen, der nächste Schritt für Bild und Ton wird der des Labors (der Labore) sein: die Formatierung für die Distribution (s) und möglicherweise die Vervielfältigungen.

Projektion

Der Film präsentiert sich bis in die frühen 2000er Jahre als Film (genannt "Kopie"), auf dem eine Abfolge von Fotogrammen fixiert ist, die mit bloßem Auge sichtbar sind, wobei Bild für Bild schnelles Tempo den Eindruck echter Bewegungen vermittelt. Im Unterschied dazu liegt der Videofilm in Form eines Magnetbandes oder eines digitalen Mediums vor, das codierte Bilder enthält und daher mit bloßem Auge nicht sichtbar ist. In beiden Fällen werden die Bilder auf eine Leinwand projiziert . Zwei Phänomene sind der Ursprung der Bewegungsillusion: die Netzhautpersistenz, die die Schwarztöne zwischen den Fotogrammen maskiert, und der Phi-Effekt, der den Eindruck eines einzelnen bewegten Bildes erweckt. Das Phänomen der Netzhautpersistenz und die relativ geringe Geschwindigkeit der Informationsverarbeitung durch das menschliche visuelle System ermöglichen es, die Wahrnehmung jedes Bildes trotz der Unterbrechung, die durch den Übergang von einem Fotogramm zum anderen verursacht wird, zu bewahren . Die Illusion eines bewegten Bildes resultiert aus der Tendenz des Gehirns zu glauben, dass diese ähnlichen Bilder eine einzige Ansicht desselben Objekts sind, das sich verändert oder bewegt hat: Dies ist das Phänomen des Phi-Effekts.

Wir können dennoch eine alternative Erklärung auf der Sampling-Theorie aufbauen (sowohl für Film als auch für Digital). Bei diesem Ansatz erzeugt das Kino nicht die Illusion von Bewegung, sondern fängt echte Bewegung ein und stellt sie wieder her. Die vom Originalobjekt ausgehende Lichtinformation bezüglich der Bewegung wird auf dem Bildschirm so getreu wiedergegeben, dass Gehirn und Auge des Betrachters identisch darauf reagieren können, ohne dass ein bestimmter Effekt postuliert werden müsste.

Die Theorie demonstriert rigoros, dass unter bestimmten Bedingungen ein kontinuierliches Signal (hier die Bewegung) durch eine Reihe von Abtastwerten dargestellt werden kann, die dem Signal entnommen wurden (hier die Reihe von Standbildern, die entlang des Films aufeinander folgen), und dies ohne Informationsverlust: Es handelt sich nicht um eine Annäherung. Man kann daher die ursprüngliche Bewegung finden, indem man den Abtastvorgang umkehrt, was beispielsweise dadurch erreicht wird, dass jeder Abtastwert für eine vollständige Abtastperiode auf eine feste Weise angezeigt wird, bevor zum nächsten übergegangen wird. Wir sehen, dass genau dies ein Projektor tut (mit Hilfe der Netzhautpersistenz, wenn er mechanisch ist, aber für ein LCD-Modell nicht erforderlich ist).

Die Theorie wird jedoch nicht buchstabengetreu befolgt, was gewisse Verzerrungen einführt, die erfahrungsgemäß akzeptabel sind, zumal die Regisseure im Laufe der Zeit gelernt haben, sie zu minimieren und die Zuschauer sie zu ignorieren. Wir können einige dieser Divergenzpunkte anführen:

  • 24 fps erfassen Bewegungsfrequenzen bis zu 12  Hz . Die Theorie verlangt, dass am Eingang ein Tiefpassfilter vorhanden ist, um höhere Frequenzen zu blockieren. Wir wissen derzeit nicht, wie man einen solchen Filter für das Kino herstellt. Wir können dann Artefakte bei zu schnellen Bewegungen haben, wie etwa die Räder eines Fahrzeugs, die sich in die entgegengesetzte Richtung drehen. Ein Grenzbeispiel wäre eine feststehende zentrale Scheibe, die sich mit 12 U/min dreht und mit einem Muster versehen ist, so dass ein Bildpunkt in der Scheibe eine Helligkeitsänderung aufweist, die durch einen vollen sinusförmigen Zyklus für jede Umdrehung dargestellt wird. Ein komplexeres Muster (zB Rad mit Speichen) beinhaltet Oberwellen über 12  Hz , die das Bild verschlechtern, aber die Qualität verbessert sich, wenn die Rotationsgeschwindigkeit niedriger ist. Die erzeugten Frequenzen hängen sowohl von der Geschwindigkeit als auch von den feinen Details der Objekte ab.
  • am Ausgang muss aus verschiedenen Gründen auch ein Tiefpassfilter vorhanden sein. Dies wird teilweise durch die Blocker-Reaktionskurve und die begrenzte Reaktionsgeschwindigkeit des menschlichen Sehsystems erreicht.
  • Die Abtastung erfolgt nicht sofort (jedes Bild wird für eine bestimmte Zeit von der Kamera belichtet). Der Effekt dieses Unterschieds ist bekannt und kann z. B. bei digitalem Audio exakt ausgeglichen werden, für Kino existiert dieser Ausgleich jedoch nicht.
  • der Blocker nullter Ordnung ist ein einfaches, aber begrenztes Werkzeug, um vom abgetasteten Bereich in den kontinuierlichen Bereich zurückzukehren: er führt auch berechenbare, aber unkompensierte Verzerrungen ein.
  • Eine umfassendere Analyse muss auch die Fähigkeit des Auges berücksichtigen, der Bewegung von Objekten zu folgen, wodurch einige der Bewegungskomponenten aufgehoben werden.

Im Kino verwendet die überwiegende Mehrheit der Kinos den Filmträger, bei dem der Projektor im Laufe der Zeit den Nachteil hat, dass er sich verschlechtert, aber universell ist. Für George Lucas liegt die Zukunft im digitalen Kino  : Der Aussteller würde das Medium erhalten oder herunterladen, was die Produktions- und Vertriebskosten erheblich senken würde . Es handelt sich also um einen Positivfilm , der bei Tonprojektionen mit einer Geschwindigkeit von 24 Bildern pro Sekunde vor einer weißen Lichtquelle (sogenannte "Laterne") vorbeiläuft. Die Linse des Projektors wird dann verwendet, um ein scharfes Bild zu rendern, normalerweise auf einem weißen Bildschirm.

Bei vertikal ladenden Projektoren , den älteren Modellen, waren für die Projektion der unterschiedlichen Spulen zwei Geräte erforderlich. Für den Betrachter ist der Rollenwechsel durch das Erscheinen eines Kreises oben rechts im Bild erkennbar. Bei Geräten mit horizontaler Platte ist es nun möglich, alle Spulen auf demselben Gerät zu montieren. Im digitalen Kino wird der Film auf Festplatten aufgezeichnet. Der erste Tonfilm geht auf das handbetätigte Grammophon zurück und stellte daher ein großes Problem dar, nämlich die Synchronisation mit dem Bild. Der Ton wurde daher sehr schnell optisch am Rand des Films integriert . Es ist eine Lampe, die diese optische Spur beleuchtet: Die Intensität des durch den Film fallenden Lichts wird von einer Fotorezeptorzelle gemessen, die es wiederum in ein elektrisches Signal umwandelt, das an eine herkömmliche Verstärkerkette gesendet wird. Bei 70mm Film wird der Ton neben dem Bild auf dem Film kodiert.

Animation

Wir unterscheiden den Animationsfilm vom Cartoon. Dies liegt daran, dass der Animationsfilm verschiedene Techniken verwendet, um echte dreidimensionale Elemente wie Modelle, Knetfiguren usw. zu animieren  . Allerdings verwenden einige Animationsfilme wie Zeichentrickfilme die Aufnahmetechnik „Bild für Bild“. Das shooting Bild für Bild der gleichen Techniken wie die Verwendung von Schieß klassischen und die aufeinander folgenden Bilder der jeweils eine momentane Phase der Bewegung. Während der Projektion geben diese Bilder dem Motiv auch die Illusion von Bewegung.

Émile Reynaud , französischer Designer, ist der Vorläufer der Animationskunst, da er 1892 , vor dem Erscheinen des Kinematographen , begann , seine eigenen Zeichnungen mit einem Praxinoskop auf die Leinwand zu projizieren, die von Hand gemacht und koloriert wurden. Von ihm sind heute nur noch sehr wenige Werke übrig, da er sie selbst in Verzweiflung wegen der Schäden, die ihm durch das Erscheinen des Kinematographen zugefügt wurden, zerstört hat.

Der bekannteste der "Animierten" ist die Figur von Walt Disney , Mickey Mouse , der von seinem Aussehen her der18. November 1928, erzielte enorme Erfolge. Beim Cartoon wird die Kamera im Allgemeinen vertikal über dem Cartoon befestigt, der horizontal auf einem Tisch platziert wird.

Dieses Gerät, die genannte Titelbank ermöglicht auch die Wiedergabe eines Standbildes im Allgemeinen. Dann fotografiert die Kamera die Zeichnungen eine nach der anderen, um die Teile, die fixiert bleiben müssen, zur Deckung zu bringen. Natürlich werden die Bilder nicht mit der gleichen Geschwindigkeit aufgenommen wie bei einem normalen Film. Auf der anderen Seite scrollen die Bilder während der Projektion gut mit einer Geschwindigkeit von 24 Bildern pro Sekunde. Für einen Film von 250 Metern, also 9 Minuten Projektion, braucht es nur etwa 100 Stunden für die Aufnahme . Der animierte Teil wird in einer Position fotografiert, die dem unbeweglichen Teil überlagert ist, da er sich auf einem anderen Träger namens "Zelluloid" befindet.

Für die Realisierung der Zeichnungen werden zwei Arten von Cartoons verwendet. Die Hintergründe, das heißt die Landschaften, die Kulissen, sind auf undurchsichtigen Blättern gemacht, während der Rest, zum Beispiel die Charaktere, auf transparenten Blättern sind, die wegen ihres Hauptbestandteils Acetat "Zelluloide" genannt werden . Das Design dieser Zellulos ist in Tusche für die Umrisse und in Gouache für die Farben ausgeführt. Für das Reisen können wir zwei verschiedene Verfahren verwenden. Im Allgemeinen verwendet es keinen Zoom ( Objektiv zum Fokussieren variabel) oder optisches Reisen. Die Bench-Titelkamera ist an einer Säule montiert und kann nach Belieben nach oben oder unten bewegt werden. Der Fokus wird durch vertikale Bewegungen gesteuert, um eine konsistente Bildschärfe zu gewährleisten. Die zweite besteht darin, die Zeichnungen in verschiedenen Maßstäben anzufertigen.

Andere Techniken werden verwendet wie Schatten, Scherenschnitt, wie in Die Abenteuer des Prinzen Ahmed von Lotte Reiniger aus dem Jahr 1926 , die Technik der " Schirmnadeln  " von Alexandre Alexeieff in Nacht auf kahlem Berg ( 1934 ), die Animation von Puppen, Puppen wie Jiří Trnka und Ladislas Starewitch taten . Wir können auch Techniken zum Aufnehmen von Bildern von lebenden Menschen sehen, die in Pixeln wie Automaten fotografiert wurden .

Heute sind diese traditionellen Techniken praktisch verschwunden und weichen Computertechniken und synthetischen Bildern .

Audiobeschreibung

Die „  Audiodeskription  “ (auch „Videodeskription“ genannt) ist eine Methode, um Filme blinden oder sehbehinderten Menschen zugänglich zu machen, indem ein sehr textbasierter Voiceover die visuellen Elemente des Werks beschreibt. Die Stimme der Beschreibung wird zwischen Dialogen oder wichtigen Tonelementen platziert, um das Originalwerk nicht zu stören. Es kann über drahtlose Headsets gestreamt werden, um andere Zuschauer nicht zu stören.

Die Audiodeskription wurde in den Vereinigten Staaten von Gregory Frazier, Professor an der San Francisco State University ( School of Creative Arts ) und Dekan der Universität, der kein geringerer als August Coppola war, Bruder des Regisseurs Francis Ford Coppola, erfunden . In 1988 , war der erste Film in der Audiodeskription für Blinde präsentiert Tucker von Francis Ford Coppola. In 1989 , dank der Unterstützung des Vereins Valentin Haüy in den Dienst der Blinde und Sehbehinderte , wurde der Prozess in Frankreich eingeführt.

Der Prozess einer kinematografischen Audiodeskription gliedert sich in vier Teile:

  • Die Übersetzung  :
    • Bildanalyse (Auszug Bedeutung),
    • Deverbalisierung (Wörter vergessen und Bedeutung behalten),
    • Priorisierung, d.h. Auswahl der audiobeschriebenen Elemente entsprechend der vorgegebenen Zeit,
    • Neuformulierung (Präzision und Präzision in der Wortwahl);
  • Die Aufnahme in einer schalldichten Kabine;
  • Das Mischen (Soundtrack anpassen, Audiobeschreibungen zur richtigen Zeit platzieren usw.);
  • Die Pressung (vor Einstellung vor oder Handelsbereitstellung in Fachbibliotheken).

Audiobeschriebene Filme können auf verschiedene Weise verbreitet werden:

  • in Kinos, die über eine angemessene Ausrüstung (Kopfhörer) verfügen, die dauerhaft oder vorübergehend von einer mobilen Einheit installiert werden kann;
  • durch bestimmte Fernsehsender, die möglicherweise einen zusätzlichen Audiostream anbieten (Mischen von Filmton und Audiodeskription oder nur mit Audiodeskription);
  • über den Vertriebskanal auf Videounterstützung (DVD).

Ende des Films, Anfänge des digitalen Kinos

„Die Kinoindustrie steht heute an der Schwelle zum größten Wandel ihrer Geschichte: dem Wechsel vom Film zum Digitalen“, schrieb Eric Le Roy 2013. Was in den 1980er Jahren unwahrscheinlich, wenn nicht unmöglich schien, ist 2003 Realität.

In einer Zeit, in der sich das Kino, nach dem audiovisuellen Sektor im Allgemeinen, auf den digitalen Sprung vorbereitet, sind es immer noch Industrielle von internationalem Rang, die das Risiko eingehen, kolossale Summen zu investieren, die bisher in der Erforschung unterschiedlicher Filme nicht vergleichbar waren Formate. In 1999 , Texas Instruments , mit Erfahrung in der Herstellung von integrierten Schaltungen startete seine Technologie, die DLP Cinema . Die ersten öffentlichen digitalen Kinovorführungen fanden am 18. Juni 1999 in den USA (Los Angeles und New York) und am 2. Februar 2000 in Europa (Paris) von Philippe Binant statt. Die Auflösung betrug 1280 Pixel pro Zeile und 1024 Pixel pro Spalte ( 1.3K ).

Heute hat DLP Cinema die Auflösung von 2.048 Pixel pro Zeile und 1.080 Pixel pro Spalte ( 2K ) oder die Auflösung von 4.096 Pixel pro Zeile und 2.160 Pixel pro Spalte ( 4K ).

Digitalkameras haben sich verbreitet, Schnittsysteme gibt es dank Fernsehen schon seit einem Vierteljahrhundert, die Zahl der Digitalkinos folgt massiv. Durchlebt der Silberfilm seine letzten Momente? Es wäre vorerst falsch, das zu behaupten, denn die verschiedenen Entscheidungsträger kennen die Bedingungen, unter denen das digitale Medium (statische Speicher) aufbewahrt wird, noch nicht.

In Frankreich erfolgt die gesetzliche Hinterlegung von Filmen, die von der CNC erhalten werden, entweder in Form einer traditionellen fotochemischen 35- mm- Kopie  oder als digitale Kopie auf Festplatte oder USB-Stick.

Gesellschaft

Während der ersten Hälfte des XX - ten  Jahrhundert , als Volkskunst , Kino hat in der Gesellschaft zunehmend an Bedeutung. Einige schrieben ihm eine Fähigkeit zu, die Zuschauer zu beeinflussen, und forderten dann eine Kontrolle der Schöpfung (durch Zensur ). Andere, die ihm dieselbe Überzeugungskraft zuschrieben, sahen darin ein bemerkenswertes Propagandainstrument . Mehrere Lobbys und Staaten versuchten dann, davon zu profitieren.

Anfänglich von Theater und Zirkus beeinflusst , hat das Kino im Laufe seiner Geschichte wiederum die Literatur , die zeitgenössische Kunst , aber auch die Werbesprache beeinflusst . Über den Einfluss von Techniken und kinematografischer Sprache hinaus hat das Kino in seinem Ausmaß auch die Nutzung und die Vorstellungskraft unserer Gesellschaften verändert.

Politische und soziale Auswirkungen

Erste Kulturindustrie XX - ten  Jahrhunderts, weil es spricht mehr auf die Emotionen der Zuschauer bei der Reflexion, Film interessiert, von Anfang an die Hersteller von Propaganda . Es war ihrer Meinung nach ein bemerkenswertes Werkzeug, um schnell große Bevölkerungsgruppen, einschließlich der Analphabeten, zu erreichen. Das Kino wird schnell zum Objekt widersprüchlicher Spannungen. In den USA drängt der Film Birth of a Nation ( The Birth of A Nation , 1915 ), unter der Regie von David Wark Griffith , mit dem Ku-Klux-Klan in ein günstiges Licht die NAACP (National Association for the Advancement of Colored People) zu versuchen seine Verbreitung zu verbieten. Anschließend wird eine Reflexion über den Begriff der öffentlichen Zensur eingeleitet .

Die Sowjetmacht entwickelt in Anlehnung an Lenin ("  Das Kino ist für uns die wichtigste von allen Künsten  ") ein gut finanziertes und zensurpflichtiges Staatskino. Paradoxerweise brachte dieses Staatskino die Innovationen der sowjetischen Avantgarde und der Filmemacher Sergej Eisenstein , Vsevolod Poudovkin und Alexander Dovjenko hervor . Die Beziehungen zwischen diesen großen Schöpfern und der Sowjetmacht werden jedoch immer einen Charakter der Zweideutigkeit behalten.

In Deutschland stellt die Regisseurin Leni Riefenstahl ihr Talent insbesondere in Der Triumph des Willens ( Triumph des Willens , 1935 ) in den Dienst des NS- Regimes . Zu Beginn des XXI ten  Jahrhunderts , Zensur und Propaganda scheinen aus der Kinolandschaft verschwunden. Im Iran beispielsweise bevorzugen Regisseure, die einer Zensur ausgesetzt sind, seit langem Filme mit Kindern. Diese „Trick“ ermöglichte es ihnen, eine naive Sicht der Gesellschaft vorzutäuschen und es zu vermeiden, die Gesichter erwachsener Frauen zu filmen.

Ein Teil des zeitgenössischen chinesischen Kinoschaffens wird von dem Wunsch nach einer hagiographischen Neuinterpretation der Geschichte des Landes angetrieben. Einige haben in dem von Zhang Yimou inszenierten Film Hero ( Chinesisch  :英雄, Ying xiong, 2002 ) eine Rechtfertigung für die heute von Peking verfolgte Zentralisierungspolitik gesehen .

In anderen demokratischen Ländern sind Zensur und Propaganda ebenfalls präsent, allerdings in diffuserer Form. Noam Chomsky präzisiert daher, dass "Propaganda für die Demokratie ist, was Gewalt für den totalitären Staat ist". Tatsächlich, so Sébastien Roffat, insbesondere Autor von "  Animation und Propaganda  ", findet man in den Animationsfilmen von Walt Disney nicht weniger Propaganda (also den Willen, Ideen und Werte zu fördern) als in Leni Riefenstahls Film Der Triumph des Willens , doch oft als Vorbild des Propagandakinos zitiert. In demokratischen Ländern sind es mehr als die Staaten die verschiedenen moralischen oder religiösen Lobbys und insbesondere die Diktatur des Publikums, die den Ursprung der Zensur haben. Während des XX - ten  Jahrhunderts , religiösen Autoritäten (wie die katholische Kirche sind) regelmäßig gegen Filme angehoben schlagen Front ihre Werte oder ihre Rede. Dies gilt insbesondere für La dolce vita ( 1960 ), Film von Federico Fellini , Viridiana ( 1961 ), Film von Luis Buñuel , und Die letzte Versuchung Christi ( Die letzte Versuchung Christi , 1988 ) von Martin Scorsese .

In den Vereinigten Staaten , in der ersten Hälfte der XIX - ten  Jahrhundert , wurde von Senator ein Code geschrieben William Hays , als Hays - Code . Dieser Code wurde von den amerikanischen Studios selbst entwickelt, um später nicht von einer externen Organisation zensiert zu werden. Dieser Kodex soll sensible Themen wie Vergewaltigung , Erhängen , Prostitution oder Religion mit Vorsicht behandeln .

In Frankreich , offiziell, traf Zensur relativ wenige Filme, vor allem in der zweiten Hälfte des XX - ten  Jahrhunderts  : Paths of Glory ( Paths of Glory , 1957 ) von Stanley Kubrick , The Maverick ( 1972 ) von Jean Max Causse , 1974, Teil the country ( 1974 ) von Raymond Depardon , oder fast die gesamte Filmografie von René Vautier … Es wird angenommen, dass The Paths of Glory und Le Franc-tireur auf Wunsch der Veteranen zensiert wurden . Aber jenseits dieser relativ seltenen staatlichen Zensur, die Filme betrifft, entwickelt sich nach ihrer Fertigstellung die Zensur auf der Ebene von Filmprojekten. In Frankreich entgeht den Produzenten und Entscheidungsträgern der Filmindustrie nach und nach die Entscheidung, einen Film zu machen. Es sind dann die Filmkommissionen und vor allem die Fernsehanstalten, die entscheiden, welche Projekte abgeschlossen werden sollen. Damit geht das Kino indirekt von der staatlichen Zensur in eine vom Publikum festgelegte Zensur über .

Diese Beobachtung der Abhängigkeit der Filmindustrie vom Fernsehen gilt insbesondere in Frankreich und im Vereinigten Königreich . Das amerikanische Kino , besser finanziert als das französische Kino , ist somit weniger abhängig von der Fernsehindustrie, was eine künstlerische Beeinflussung insbesondere durch Serien wie 24 Stunden Flat nicht verhindert .

Das Kino ist somit ein wichtiges Beispiel für ein Soft Power- Tool . Zum Beispiel, der neueste Film von der American Kathryn Bigelow - der erste Direktor des gewinnen Oscar für den besten Film für The Hurt Locker in 2010 - sagt der Jagd, und der Tod, der Anführer von Al - Qaida , Osama bin Laden , begann von den Amerikanern nach den Anschlägen vom 11. September 2001 . Während die Veröffentlichung des Films in den Vereinigten Staaten für den 12. Oktober 2012 geplant war, um an den Oscars teilzunehmen, aber auch drei Wochen vor den Präsidentschaftswahlen, bei denen Barack Obama um eine zweite Amtszeit kämpfte, argumentierten konservative Kreise der Amerikaner über das Timing eines Films, der mit der Entscheidung des Präsidenten über einen siegreichen Angriff der Navy Seals und dem Tod des Terroristen endet. Natürlich hat das Pentagon eine lange Tradition der Zusammenarbeit mit Hollywood-Filmemachern, zum Beispiel für den Film Top Gun . Das Militär ist es gewohnt, Ratschläge oder Kriegsmaterial zur Verfügung zu stellen. Für die Dreharbeiten zu The Black Hawk ( Black Hawk Down ) von Ridley Scott im Jahr 2001 , die eine andere Seite amerikanischer Soldaten in Somalia zeigen , hat die Armee sogar ihre Helikopter und Piloten ausgeliehen. Manchmal weigerte sich die Armee jedoch, zu helfen, wie im Fall von Apocalypse Now von Francis Ford Coppola , das dann andere finanzielle und politische Unterstützung finden musste: Die Dreharbeiten wurden auf den Philippinen mit dem Hilfematerial der philippinischen Armee durchgeführt.

Beziehungen zu anderen Künsten und Techniken

In seinen Anfängen hat das Kino vieles von anderen populären Künsten wie dem Zirkus oder dem Theater übernommen . Der Einfluss der letzteren ist beispielsweise in den Filmen von Joseph L. Mankiewicz deutlich , darunter auch in seinem letzten Film The Hound aus dem Jahr 1972 . Nach der Verallgemeinerung seines Kinos, wurden wenige Opern Anpassung auch durchgeführt, die berühmteste Rest wahrscheinlich Don Giovanni von Joseph Losey in 1979 . Das kinematografische Spektakel hat wiederum das Theater (Theaterinszenierung, die Spezialeffekte , Musik , Tanz , sogar Bildprojektionen mischt ) und vor allem die Literatur beeinflusst . Im Laufe des XX - ten  Jahrhunderts eine Reihe von Romanciers haben angenommen Bilder und eine „Montage“ in der Nähe der Filmsprache.

Aber mit dem Fernsehen unterhält das Kino noch engere Beziehungen der gegenseitigen Beeinflussung. Eine gewisse Anzahl von Regisseuren und Schauspielern wechselt also von der kleinen zur großen Leinwand oder in die entgegengesetzte Richtung und nimmt die Techniken und die Sprache eines Universums in ein anderes mit. Gelegentlich gleicht der Einfluss des Fernsehens in Frankreich und im Vereinigten Königreich nun einer unsichtbaren Zensur, wie bei der Beziehung zwischen Kino und Autorität . Umgekehrt kann das besser finanzierte und damit vom Fernsehen unabhängigere amerikanische Kino dieses Verhältnis der gegenseitigen künstlerischen Beeinflussung mit dem Fernsehen besser verdauen. Die Fernsehserie 24 heures chrono beschleunigte somit vermutlich die Erneuerung des Stils der James-Bond-Reihe im Kino ( Casino Royale von Martin Campbell 2006) und veranlasste die Verfilmung der Jason-Bourne-Reihe (Charakter von Robert Ludlum 1980) .

Die Werbesprache Erbe Techniken Propaganda Industrie erlebt ein signifikantes Wachstum in der zweiten Hälfte des XX - ten  Jahrhunderts . Zu Beginn der Filmsprache beeinflusst, nimmt es auf Innovationen (Propagandatechniken) von ihm, er wiederum Einfluss vom Ende des XX - ten  Jahrhunderts .

Eine Reihe von Schöpfern der zeitgenössischen Kunst hat das Medium Kino aufgegriffen, um es abzulenken oder seine Grenzen auszuloten. Der Experimentalfilm , erzählerisch oder nicht, und pflegt erfolgreiche Beziehungen zur Szene der zeitgenössischen Kunst.

Die Adaptionen von Comics auf der großen Leinwand vervielfachen sich in den Ländern, in denen diese Kunst am weitesten entwickelt ist, ob in animierter Version oder nicht. In den Vereinigten Staaten , Hollywood paßt Comics Superhelden mit, wie in Men in Black von Barry Sonnenfeld oder der Anpassung von V für Vendetta von James McTeigue , während unabhängiges Kino mehr daran interessiert ist Graphic Novels. Oder Comics für Erwachsene, wie From Hell angepasst von Albert und Allen Hughes . In jüngerer Zeit stand die Marvel- Lizenz der Avengers am Ursprung mehrerer Spielfilme. In Japan und Südkorea sind es die jeweiligen Adaptionen von Manga und Manhwa , die von Produzenten und Regisseuren bevorzugt werden, darunter Mamoru Oshii und seine Version von Ghost in the Shell im Jahr 1995 . In Frankreich haben französisch-belgische Comics auch viele Adaptionen erlebt, wie Asterix und Obelix: Mission Cléopâtre , der 2002 einer der größten Erfolge an den französischen Kinokassen war. Mehrere Kommentatoren schlagen nun vor, dass einige Comics als sequentielle Kunst "hausgemachtes" Kino wären, mit weniger Ressourcen und mehr Freiheiten . Die gegenseitige Beeinflussung zwischen den beiden Künsten ist eine Tatsache, wenn auch nur durch die Technik des Storyboards (oder Storyboards) .

Die Entstehung von virtueller Kultur ( Videospielen und Internet ) am Ende der XX - ten  Jahrhundert ändert wieder Kinoumgebung. Videospiele und Internet nehmen einen wachsenden Teil der Freizeitaktivitäten des jungen Publikums ein und machen diese virtuellen Welten zu neuen Konkurrenten für das Kino. Der relativ neue Einfluss von Videospielen auf das Kino ist noch bescheiden, wächst aber. Wir sehen einige Anpassungen Videospiel im Kino , wie Final Fantasy oder Tomb Raider (beide 2001 ), sowie Filme von Videospielen im Hintergrund inspiriert von Tron in 1982 oder in jüngerer Zeit mit eXistenZ ( 1999 ) oder in Form, wie in Matrix ( 1999 ), Fulltime Killer ( 2001 ) oder Cloverfield ( 2007 ).

Soziologie

Das Kino als populäre Kunst , das ohne nennenswerte kulturelle Barrieren der größten Zahl zugänglich ist, hat eine Zunahme seiner Besucherzahlen und seines Einflusses erfahren. 95% der Franzosen sind beispielsweise mindestens einmal in ihrem Leben ins Kino gegangen. Um sich also auszudrücken oder eine Idee zu verteidigen, bezieht sich der Mann jetzt auf ein Drehbuch , einen Schauspieler oder allgemeiner auf einen Film.

Die Filmsoziologie untersucht verschiedene Aspekte der Filmkultur mit Fragen wie: "Wer macht Filme und warum?" " , " Wer sieht die Filme, wie und warum? " , "Was sehen wir, wie und warum? „ Und “ wie werden Filme bewertet und von wem? " . So haben mehrere Soziologen die Geschichte des Kinos analysiert . Gleichzeitig ist der Kinobesuch Gegenstand von Analysen und Studien.

Zum Beispiel führte das CNC eine Studie zur Besucherzahl in Frankreich durch , und es stellte sich heraus, dass Frauen etwas häufiger ins Kino gehen: 5,6 Mal im Jahr, Männer nur 5,2 Mal. . Auf die Frage „Warum? », Bestimmte Soziologen haben den unterschiedlichen Geschmack jedes einzelnen hervorgehoben und seine emotionale Kapazität: Das weibliche Publikum bevorzugt im Allgemeinen einen dramatischen Film , während das männliche Publikum eher zu einem Abenteuerfilm neigt . Auch die Theaterbesuche von über 35-Jährigen steigen seit mehr als 10 Jahren und erreichten im Jahr 2006 51%, doch der Anteil der Franzosen zwischen 20 und 34 Jahren ist derjenige, der am häufigsten ins Kino geht. Auf die Frage "Wer sieht die Filme?" », Es hat sich gezeigt, dass Männer und Frauen nicht die gleichen Arten von Filmen sehen. Der Blick des Betrachters ist anders. In den meisten Filmen ist ein männlicher Held zu sehen, wodurch die Frau in eine untergeordnete Position gerät und sie aufgefordert wird, ihre weibliche Identität irgendwie zu vergessen.

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